CONVOCATORIA 2024
¡¡PLAZO ABIERTO!!
Hasta completar AGENDA 2024
INFORMACIÓN NECESARIA PARA SOLICITAR
UNA RESIDENCIA
Enviar por correo electrónico:
-Carta de motivación explicando los motivos e intereses por lo que solicitas la residencia.
-Curriculum Vitae.
-Memoria explicativa del proyecto.
-Material audiovisual de creaciones anteriores.
-Fotocopia del DNI,NIF o Pasaporte del solicitante.
-Necesidades técnicas para llevar a cabo el proyecto.
Residencias Artísticas
Residencias Artísticas nace con el objetivo de acoger a creadores durante cortos periodos de forma que podamos colaborar al desarrollo de sus creaciones e invitarles a cuestionarse sobre el sector creativo en las Artes del Movimiento y sus repercusiones en nuestra sociedad. A su vez el público de San Sebastián de La Gomera puede disfrutar del variado panorama internacional de este fenómeno artístico.
El Centro Coreográfico de La Gomera se ha convertido en un lugar en el que se reflexiona sobre el pasado, el presente y el devenir de la cultura, del arte, de la expresión artística en general y de la Danza y Artes del movimiento en particular.
Pasado, presente y futuro de la Danza.
De la Danza como, acto performativo que realiza el intérprete, performer, ejecutante, bailarín u otras tantas apelaciones emergentes que nombran y hacen referencia a este SER OBJETO SUJETO expuesto.
Aquí estamos haciendo referencia a una Danza profesional, organizada, política, jerárquica, comercial y mercantil.
Para llevar a cabo el proyecto, ofrecemos nuestra sede y también le facilitamos estancia y dietas.
Estamos abiertos a recibir toda propuesta creativa relacionada con el cuerpo humano. Nuestro criterio de selección es actuar en relación con la argumentación y las razones que fundamenten todos los proyectos presentados.
Actualmente tenemos contactos con promociones de alumnos de último curso en escuelas superiores y de grado medio nacional y europeo. Proyectamos relaciones con artistas de América del Sur y el continente africano.
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RESIDENCIAS ARTÍSTICAS 2023
Hermanas Gestring (09-21 enero) A. Crespo Barba y Lukas Karvelis (23 enero 03febrero) Darío Bardam (13-23 febrero) Reinaldo Ribeiro y Aimará Parola (24 febrero- 12 marzo) Lucía Julián, María Mónaco y Nerea Úbeda (24 febrero- 05 marzo) Arthur Bernard y Tiare Maeva Salgado (20-31 marzo) Sara Arévalo, Sara Jimenes y Cristina San Gregorio (03-08 abril) Carmen Muñoz, Fernando López y Salvador S. Sánchez (17-23 abril) Teresa Lorenzo (01-14 mayo) Fernando Nicolás Pelliccioli y Carlos Osatinsky(05-18 junio) Luis Vizcarra y Camila Quiroga (17-29 julio) Félix Arjona (04-16 septiembre) Irene de La Rosa (02-08 octubre) Carlos Aller (16-28 octubre) Sendoa (06-18 noviembre) Cía. Hastaqueacabe (20 noviembre- 01 diciembre) Eduardo Vallejo (11-17 diciembre)
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HERMANAS GESTRING
«HACER AMOR»
Un proyecto de Laura Morales y Greta García.
Una celebración de sus diez años como Hermanas Gestring.
Un hermoso musical en el que colaboran:
Las HERMANAS GESTRING sacrificaron sus cabezas ante Hades y cantaron sobre su propia tumba para ser devoradas por una medusa de la Isla mágica de Eivissa
A. CRESPO BARBA y LUKAS KARVELIS
«INSTRUCTIONS ON HOW TO FALL»
Instructions on How to Fall es un proyecto escénico creado por A. Crespo Barba y Lukas Karvelis, en el que la performance, la danza, la música electrónica y el flamenco, se aúnan para crear un todo artístico.
La conceptualización del proyecto puede dividirse en dos principales líneas de investigación: una que tiene que ver con el examen de lo flamenco, y otra relacionada con el fenómeno físico del free falling.
DARÍO BARDAM
«ES UN NO PARAR»
ES UN NO PARAR es la segunda producción de danza dirigida por Darío Barreto Damas. Este proyecto continúa la línea conceptual en la que se fundamenta el proyecto «seguir moviendo», una pieza de danza en la que se construye un maquinaria coreográfica, (espacio, sonido, relación con el público, material físico, etc), que pregunta: ¿cómo funcionan o cómo percibimos la experiencia estética y el conocimiento sensible que la danza produce por sí misma al ser bailada, si esta se piensa como un fenómeno autónomo? ES UN NO PARAR se centrará, a nivel práctico y conceptual, en la investigación de la repetición y el ritmo como facilitadores de una danza que es capaz de separarse del cuerpo de quién la baile.
Este proyecto es capaz de re-inventar y re-construir maneras colectivas de estar en el mundo, apostando por la sensibilidad y aquello que no está ligado al pensamiento racional o pragmático.
ES UN NO PARAR se estrenará en mayo de 2023 en Mousonturm, Frankfurt. El trabajo se realizará con la colaboración y performance de las bailarinas Louise Dahl y Zrinka Uzbinec.
REINALDO RIBEIRA y AYMARÁ PAROLA
«SACRE 110»
«SACRE 110 es la primera co-creación de Reinaldo Ribeiro (BRA/ESP) en concepto y dirección, y Aymara Parola (ARG/BE) como intérprete en escena, prevista para 2023.
Partiendo del deseo de trabajar con una pieza musical existente como punto de partida común e inspiración capaz de interpelar y confrontar sus universos creativos, repensando los elementos lúdicos, grotescos y violentos que caracterizan una obra como La Consagración de la primavera (Stravinsky 1913).
LUCÍA JULIÁN, MARÍA MÓNACO Y NEREA ÚBEDA
«PARTE DE UN TODO»
Parte de un Todo es un proyecto escénico y de investigación cocreado por Lucía Julián Marcelo, María Mónaco Bernal y Nerea Úbeda Hortal, en el que los cuerpos, la desmembración del movimiento,
el origen de ellos y el recuerdo de los átomos colapsa para dar lugar a nuevas formas de lenguajes, que se conectan y desconectan con nuestro origen e interaccionan con el espacio y con los cuerpos presentes.
ARTHUR BERNARD y TIARE MAEVA SALGADO
«L`ETRE ENTRENOUS»
Reflexión coreográfica sobre un encuentro de miradas y la absorbente colisión de nuestras materias. En algún lugar entre nosotres, nace una entidad nueva.
La oposición de las fuerzas que se ejercen en diferentes direcciones, hace propicia la emergencia de las ideas. Cada una a su manera, y cada uno a su forma es docente para el otro y para la otra. Vínculos o límites, las emociones son armas que cuestionan la relación entre dos seres.
Nuestros movimientos conforman una conversación donde el objetivo no es un resultado virtuoso sino una expresión sensible del aparato dialógico, como una encarnación de las emociones, intentando atrapar lo intangible con acciones concretas.
Es un diálogo/vínculo único, lleno de procesos de adaptación, que favorecen la aparición de un nuevo ser.
SARA ARÉVALO, SARA JIMENES Y CRISTINA SAN GREGORIO
«2094»
«UN VIAJE EMOCIONAL A TRAVÉS DE LA DANZA ESPAÑOLA»
La metáfora de los 2094 kilómetros que separan San Sebastián de la Gomera, en las Islas Canarias, de Madrid, España, se entrelaza en la narrativa de la obra como un hilo conductor que guía al espectador en un viaje emocional y evocador.
«2094» es un taller de investigación/coreográfico que pretende finalizar con una pieza evocadora y emocional que nos transporte a un viaje imaginario. La obra es una fusión exquisita de la tradición y la modernidad de la danza española.
Desde el inicio, su interés es sumergirse en un mundo lleno de ritmo, color y pasión. Las tres bailarinas encarnan la esencia del flamenco, el ballet clásico español y la danza contemporánea. Los 2094 kilómetros que separan estos dos puntos geográficos se convierten en una metáfora de la búsqueda de la identidad y el encuentro de la diversidad cultural en la danza.
El cuerpo y el movimiento son el lienzo en el que las artistas plasman sus inquietudes, sus esperanzas y sus sueños, y se convierten en un medio para descubrir y redefinir su identidad cultural. El cuerpo será nuestra herramienta hacia caminos imaginables. El cuerpo moldea lo que la mente imagina. Canalizamos los cuerpos, los templamos, de la lejanía a la cercanía y de la cercanía a la lejanía. Sentir cada cuerpo, sentir el momento y ser uno.
El taller de investigación, en el que las tres bailarinas participarán activamente, pretende concluir en una obra que sea el reflejo de sus vivencias y de su compromiso con la danza como forma de expresión y de autoconocimiento. La pieza supone la accesibilidad para todas las edades, trascender en los límites del arte y adentrarse en el terreno de lo universal.
La obra «2094» es un encuentro que fusiona una danza llena de matices y contrastes. Con guiños poéticos y metáforas delicadas, las bailarinas nos ofrecen un espectáculo lleno de emoción y belleza, en el que la danza española se reinventa y se redescubre a sí misma. A través de esta pieza, Sara Arévalo, Sara Jiménez y Cristina San Gregorio nos invitan a reflexionar sobre la importancia de conocer y sobre el poder del arte para conectar y transformar nuestras vidas.
CARMEN MUÑOZ, FERNANDO LÓPEZ Y SALVADOR S. SÁNCHEZ
«SALVAR A CARMEN»
El presente proyecto parte de la figura narrativa y operística de Carmen para investigar la estilización de la violencia contra la mujer en las artes escénicas. 
Arrastrado por la páginas de la novela de Mérimée (1845) y por los compases de la partitura de Bizet treinta años después, así como por una innumerable cantidad de versiones coreográficas, el asesinato de Carmen, los celos y la venganza machista se han convertido en un crimen perpetrado, de manera virtual, una infinidad de veces.
TERESA LORENZO
«LAS MAGIAS (PÁJAROS, ÁRBOLES VENUS Y LA LUNA)»
En la antigüedad el modo de concebir la naturaleza y la existencia revelaba una cosmovisión muy distinta a la que actualmente postula el discurso científico convencional. “Las Magias (Pájaros, Árboles, Venus y La Luna)” se abre a modo de diálogo entre esa cosmovisión casi desaparecida de la naturaleza, mi cuerpo en movimiento o en reposo y las agitaciones de lo íntimo.
Trato de crear una danza sobre un entramado geométrico de gran complejidad, que abarca desde el gesto figurativo a la abstracción geométrica, con el propósito de generar un espacio de contemplación, que silencie, que aligere la dureza de los conceptos y suavice el rigor aparente de este mundo físico.
Una danza compleja desde el punto de vista de lo compositivo y la interrelación corporal.
Donde coexistan el dinamismo (no exaltado) de las líneas, con su multiplicidad de combinaciones, y el misterio; el de un cuerpo que se reconoce más allá de lo material.
Esta unidad danzante revela suavidades y violencias que hablan de un ser humano que no es centro sino reflejo, escucha, paisaje.
El proyecto nace de mi profunda relación con la naturaleza, está del todo vinculado a ella, es su propio lenguaje. Y durante esta residencia de investigación me he inspirado en un texto de la poeta Valentine Penrose para invocar esa danza.
FERNANDO NICOLÁS PELLICCIOLI y CARLOS OSATINSKY
«Mi.ser.ia (& MISERICORDIA)»
Mi.ser.ia (& misericordia), se inscribe en una seriede proyectos audiovisuales y performáticos que venimos desarrollando durante los últimos años signados por la creciente concienciación de los tiempos que transitamos.
Durante esta residencia estamos abordando un marco donde meditar sobre miseria y misericordia desde una percepción actual que incluye los mundos humanos y no humanos. Sin buscar hacer desarrollan los ejes conceptuales y materiales referencias explícitas, tomado estos términos como dos zonas en interrelación alrededor de los cuales orbitar con nuestros modos de mover y observar.
Abrazamos con la mirada. Ofrecer presencia. Permanecemos en la pregunta. Pudrirse y florecer. Metamorfosis. Matices Motrices.
LUIS VIZCARRA y CAMILA QUIROGA
«OTROS SALSEOS POSIBLES»
“Otros salseos posibles” es una investigación artística en la que se encuentra la corporalidad de la salsa, el contacto y la proxemia para generar experiencias escénicas en las que se reflexione desde el
bailar en pareja como una forma de configurar nuestras relaciones en el mundo.
Busca comprender ese nuevo cuerpo que construimos en el encuentro, abrazando la idea de “sabor latino” como una expresión íntima y particular de cada par que baila.
En el Centro Coreográfico de La Gomera, se propone revisitar los materiales generados en ambos proyectos y ponerlos a conversar,
produciendo nuevos materiales y cuestionando la naturaleza de estas piezas, sus razones y devenires. El diálogo con el Centro Coreográfico, el compartir residencia con compañeras del Conservatorio Superior de Danza de Valencia y el contacto con la isla y sus pobladores permiten un contexto de reflexión y sensibilización sobre la propia práctica artística que remueve los cimientos de una trayectoria que se propone pensar el encuentro con otro cuerpo como lugar de investigación.
FÉLIX ARJONA
«DOMÉSTICA»
“Doméstica” es una propuesta de purga y liberación escénica que parte del movimiento y el gesto como fuente de creación principal, y se mezcla con otros lenguajes artísticos como el teatro o la música, y otras escenas de nuestra cotidianidad. Esta propuesta pone el amor en el centro de nuestras memorias y explora los matices de las historias que nos contamos, como una manera de estar en el mundo y de sobrevivir a la realidad.
“Doméstica” nos lleva a recordar, a pasar por el corazón, trasladándonos a un imaginario común, a veces olvidado, a veces ficticio, como el de ‘una madre limpiando mientras escucha a Antonio Machín’ o ‘un niño de 5 años jugando en su triciclo’, para cuestionar el uso de la memoria como una forma de conservar el pasado en el presente y su significado como una impotencia para experimentar el milagro de la verdad. Así, convierte el acto escénico como un acto de transformación del sentido de la vida y su relación en la construcción de lo que entendemos como libertad individual, la identidad y el género.
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RESIDENCIAS ARTÍSTICAS 2022
Begoña Quiñones y Verónica Garzón (03-15 enero) Javier Hedrosa y Néstor García (24-29 enero) Carlota Mantecón ( 01-05 febrero) Carlota Mantecón y Luz Prado(14-19 febrero) Anto Lloveras y Mateo Feijó (21 febrero-4 marzo) Cía. Matteria (08-19 marzo) Julia Nicolau (03- 14 mayo) Kiko López ( 30 mayo-5 junio) Samuel Martí y Lorena Martínez (04-16 julio) Alfonzo López y Paula Fernández (25 julio- 06 agosto) Paloma Hurtado y Yexza Lara ( 12-16 septiembre) Cía. Elahood Sabela y Julia ( 19-30 septiembre) Carmen Young ( 03-14 octubre) Richard Mascherin (10-16 octubre) Oihana y Raúl (17-29 octubre) Isabella Rossi y Miguel Glez. (07-19 noviembre) Tania Glez. (05-17 diciembre).
BEGOÑA QUIÑONES y VERÓNICA GARZÓN
«FLEETING MATTERS»
Vivimos (en) una ilusión que navega a través de los desfases delirantes de la materia. Mientras que el mundo se reconoce por medio de nuestras relaciones disonantes con los individuos, los objetos, las creencias y los mitos, la Experiencia parece escaparse de ella misma cada vez que intentamos rescatar su tono, su liquidez, o su fluir; es imposible de retener, al igual que las sutiles emociones que, emanando de todo el espectro de sus aleatorias alteraciones, nos dan una vaga idea de identidad, o de sentido de existencia.
JAVIER HEDROSA y NÉSTOR GARCÍA
«POR QUÉ VOLVEMOS»
La propia naturaleza del espectáculo vivo es morir, desaparecer. El espectáculo se produce, se estrena, se repite y después no queda nada, salvando la memoria de los espectadores. Pero la memoria es una ficción, no nos acordamos de todo, entonces, ¿qué recuerda el espectador?
CARLOTA MANTECÓN
«DEL BAILAR»
Bailar poniendo el cuerpo. Bailar cómo médium, (meta-) o casi informe. Bailar del placer o voluntad del mover, eso que baila cuando pones el cuerpo. Poner el cuerpo, en vez de “usar el cuerpo”. Bailar en la fisura de toda academia aprendida. Bailar con toda la memoria pasada de un futuro que también es ahora. Bailar eso que baila, placer y vértigo de lo incierto. Momento con momento. Al lado, entre… Sigue, sigue, sigue.
CARLOTA MANTECÓN y LUZ PRADO
«REVELAR UN LUGAR»
Partiendo de la percepción del entorno, lo que nos ocupa es revelar lo que nos rodea. Acostumbradas a trabajar en entornos naturales abiertos, una sala genera nuevas sensaciones, y de igual forma, nuevas vibraciones, que se hacen visibles en estos sonidos y movimientos.
ANTO LLOVERAS y MATEO FEIFÓ
«DOBLE CARA»
DOBLE CARA es una exploración en la forma coreográfica y en la propia relación de las dos direcciones generadoras. La escena vive en tantos lugares que la recolección de fragmentos para su composición es un ejercicio de contención. El ensayo conceptual propuesto es una exploración en la forma coreográfica y en la relación de las dos direcciones generadoras. DOBLE CARA es el origen de una pieza escénica que contiene dos piezas representadas de manera simultánea. Hay tres piezas. Cada director ordena su concepto, su música, sus objetos, su cuerpo expandido, sus luces, sus textos y su línea argumental discursiva. Las DOS ESCENAS transcurren de manera simultánea, dando al LECTOR-ESPECTADOR la posibilidad de elaborar una SÍNTESIS, y resolver la máxima del modelo hegeliano, en la que se presentan de forma normalizada una TESIS y una ANTITESIS.
CÍA. MATTERIA
«ALFA»
alfa invita a un lugar desconocido que oscila entre lo ficticio y lo real. Una vuelta a lo primario, a un estado mental sin filtros, sin vergüenza. Un juego naif con intención consciente y decisiva. Es la voz del animal que nos sorprende, la energía potencial creativa. En este lugar, hay criaturas que recuerdan que la danza del futuro es ahora.
JULIA NICOLAU
«Y TODAVÍA SOMOS»
«Y todavía somos» es una hipótesis de investigación, un proceso exploratorio sin otra justificación que desbordar los límites formales del cuerpo a través del movimiento articulatorio. El desgaste corporal emerge a través de la analogía entre el cuerpo joven y el cuerpo derrengado por la vejez, que al mismo tiempo se manifiesta como toma de conciencia mediante la composición musical, la coreografía y la palabra. Movimiento, articulación y pausa son los tres elementos sobre los que se sustentan la coreología de esta pieza:
KIKO LÓPEZ
«W.I.W.B.AK.»
(WHEN I WIL BE A KID)
Esta obra nace de la necesidad personal de expresar el universo inquietante del intérprete. Un mundo interno que quiso ser expresado mediante el movimiento y la utilización de los objetos. Todo empezó en el salón de casa, limpiando y decidiendo de qué materiales era necesario deshacerse. Aburrido en el tiempo, desconectado de sí mismo y con falta de iniciar algún proyecto creativo se encuentra limpiando e inmerso en un espacio donde crea un nuevo yo (alter ego), el cual conecta con todo aquello que siendo él mismo no conecta.
Una lámpara, fue el origen de todo el universo q
ue le haría descubrir y que a día de hoy sigue descubriendo. Una extensión de él mismo.
Jugando con los objetos, nació un personaje llamado WIWBAK. Wiwbak quiere decir “When I Will Be A Kid” ( cuando sea un niño).
Mediante ejercicios de improvisación y el juego de los objetos empezó a conectar cables sueltos de él mismo. Una parte del niño interno tenía hambre de salir al exterior. Ese niño que tanto hablamos que lo perdemos cuando nos hacemos mayores.
La decisión tomada fue que ese niño tenía que viajar con el intérprete siempre en su camino.
Las herramientas utilizadas a través de la investigación son: teatro gestual, danza contemporánea y danzas urbanas.
La motivación de darle vida al objeto y juntarlo con el movimiento hace que cree un mundo donde une la belleza del trabajo teatral de máscara junto a la del movimiento.
SAMUEL Y LORENA
“ETER.NIDO. EN EL NIDO DEL ALMA”
Eter.Nido es la conversación entre dos almas que se sienten en casa cuando sus luces [y a veces también sus sombras] están cerca.
´´Eter´´ hace referencia a lo invisible, sin peso y elástico , llena todo el espacio constituyendo el medio transmisor de todas las manifestaciones de la energía.
A su vez ´´Nido´´ ,representa la parte terrenal, la estructura utilizada para procrear, criar y refugiarse. La necesidad de construir algo.
Un nido se construye como una fortaleza aunque quizá el viento se lo pueda llevar de una sola ráfaga, pero ese impulso ,esa necesidad de creación se queda plasmada en aquellos que vivieron en el nido y quienes lo pudieron ver.
Eter.Nido suena a eternidad.
Es el lugar donde habitan lo efímero y lo eterno. Quizá sea una galaxia, un movimiento, un espacio, una mirada, una nota…
Ojalá encuentres un lugar Eter.nido
ALFONSO LÓPEZ Y PAULA FERNÁNDEZ
«R/GRAM»
Dos individuos experimentan una relación de toxicidad debido a los condicionantes sociales a los que estamos expuestos.
Es un viaje de extremos como si de una adicción se tratase, la búsqueda del éxtasis, la necesidad de total evasión, la imposición del individuo más «fuerte», la adicción a lo que no nos conviene, la falta de voluntad y la necesidad de apoyo en el otro para sobrevivir.
PALOMA HURTADO y YEXZA LARA
«AhimsA»
La invisibilidad como forma de pertenencia colectiva. Ver, no ver, querer o no querer ver, ocultarse, intentar no ser visto, vivir en la sombra, vivir escondido, sin nombre, sin rostro, sin identidad…el
actual marco legal español convierte en invisibles a miles de personas que residen en nuestro país, condenándolos a dar vueltas en un círculo vicioso de exclusión y marginalidad. Los esfuerzos por alcanzar un contexto de convivencia pacífica, plural e igualitaria siguen estando aquí y ahora.
CÍA. ELAHOOD
SABELA Y JULLIA
«…»
La compañía inicia en la residencia de creación del centro coreográfico de la Gomera un proyecto desde cero. Utiliza este espacio para explorar un nuevo modo de crear, investigando una metodología distinta a la utilizada en sus trabajos anteriores.
Acostumbradas a comenzar sus creaciones partiendo siempre de una idea inicial preestablecida, en este proceso se aventuran a entrar al espacio de creación partiendo exclusivamente de la exploración a través del cuerpo y el movimiento. Fieles a su lenguaje fuertemente influenciado por su formación en danzas urbanas y danzas club, profundizan en la deconstrucción de estos códigos para generar un nuevo universo creativo. Este proyecto se encuentra en su fase más inicial y esta muestra es el resultado de una investigación de dos semanas en el centro coreográfico de La Gomera.
CARMEN YOUNG
«SIEMPRE VIVOS»
La pieza “Siempre vivo” fue premiada 31 Certamen de Coreografía de Danza Española y Flamenco de Madrid, y ahora sirve de germen para desarrollarla durante la Residencia Artística en el Centro Coreográfico de La Gomera, para luego debutar con ella en su versión desarrollada en el Festival de Jerez 2023.
El argumento de la pieza original está estrechamente relacionado con el miedo a la pérdida de los seres queridos. En relación con este miedo se recuerda la letra de una canción popular mexicana; “La Martiniana”:
“Niña, cuando yo muera
No llores sobre mi tumba
Cántame un lindo son, ¡ay, mamá!
Cántame «La sandunga»
No me llores, no
Porque si lloras yo peno
En cambio si tú me cantas
Yo siempre vivo y nunca muero”
Y es así como al recordar la letra, el miedo a la muerte y la pena desaparece. Por lo que la propuesta desarrollada para el Festival de Jerez hablará del nacimiento, la vida y la muerte desde un ángulo natural, sin oscuridades.
En estas islas habitan volcanes, y me recuerdan a esto; nunca mueren, están inactivos pero no mueren, como nosotros si nos recuerdan, nos cantan. Así que empezaré la propuesta con el nacimiento, con un número volcánico, con mucha vida, caliente en ebullición, para luego explotar y recorrerlo todo, vivir libre y vivir a lo grande.
Para la etapa de la vida se ha creado un patrón nuevo sacado de las palabras “Siempre Vivo” en código Morse para que la música cante esas palabras literalmente, lo hemos cuadrado con el ritmo 4×4 y será un número a dos guitarras.
El último número, la muerte será la seguiriya, que pasará de un número rítmico a este número musicalmente libre, con mucha fuerza y madurez, pero a su vez con tranquilidad. Las vivencias y el tiempo dan sabiduría y calman el ser pero por dentro siempre habita toda la fuerza natural de manera contenida.
Termina con La Martiniana por seguiriya para subrayar que uno nunca muere y que está Siempre Vivo.
RICHARD MASCHERIN
«Caer, caer, caer»
CAER, CAER, CAER es un proyecto dirigido por Richard Mascherin que se ramifica en diferentes formas y propuestas en el que la vulnerabilidad del cuerpo y la inevitabilidad de la caída son los conceptos fundamentales de esta investigación enfocada a las artes escénicas contemporáneas y audiovisuales. Este proy
ecto indaga y vincula diferentes medios: danza, performance, video y fotografía.
OIHANA ALTUBE Y RAUL MARCOS
«LIKE A ROLLING STONE»
Like a Rolling stone es un proyecto de creación escénica, donde investigamos-jugando los modos en los que las piedras pueden ser detonantes para la activación y uso de los saberes prácticos que se derivan de la Danza, las Artes Vivas y el Teatro.
Un proyecto somatogeológico que usa las piedras como m
antra de inspiración, donde la somática, el movimiento, la danza y la coreografía, así como la palabra, la escritura y la dramaturgia tienen espacio para juguetear a sus anchas con el fin de generar propuestas y materialidades susceptibles de ser escenificadas.
ISABELLA ROSSI y MIGUEL GLEZ
«CORDA ELÁSTICA»
Celebrar lo que fuimos y lo que somos.
Corda def. Objeto delgado, muy alargado y flexible, hecho de hilos o fibras torcidos o entrelazados, que se usa generalmente para atar o sujetar cosas.
Elástica def. Dicho de un cuerpo que puede recobrar más o menos completamente su forma y extensión tan pronto como cesa la acción de la fuerza que las deformaba.
Es una investigación de danza contemporánea de las creadoras e intérpretes Isabela Rossi y Miguel Glez. En estos momentos el proyecto se encuentra en su etapa inicial, llevando al cuerpo las ideas escritas en papel. Ejecutando la lluvia de ideas con los pies. Focalizados en un primer resultado de corta duración para espacios no convencionales, espacios de celebración. Queremos recordar la sensación placentera que teníamos cuándo estábamos en pleno proceso de aprendizaje. De cuando éramos esponja y elástico. Agarramos nuestros recuerdos. Coreografías, estilos de danza, músicas, comidas, viajes, olores, fiestas… y los traemos al estudio. Disfrutándolos aquí y ahora.
Corda Elástica se apoya en el deseo olvidado y la necesidad de volver hacia una parte quizá dormida de uno mismo. De volver, estando aquí y ahora, a todo lo que nos hace vibrar. Volver, con nuestra edad de hoy, al hacer por placer, al placer por placer.
TANIA GONZÁLEZ y DANIELLE GAILLA-KIND
«THE PRIVILEGE TO MOVE | TO STOP»
Este proyecto persigue reconciliar cuerpos y saberes. Es una llamada, una necesidad urgente, de poner herramientas de la investigación social y de nuevas epistemologías feministas al servicio de la creación artística, una forma de sentir/pensar/crear que ponga el cuerpo (y sus tiempos) en el centro cuestionando así el mandato de producir–a un ritmo en ocasiones vertiginoso–tanto dentro como fuera del ámbito artístico.
Estos días nos hemos dedicado a indagar en el cuerpo y en su inmenso potencial para registrar impresiones tanto a nivel físico, mental, emocional como espiritual, pero también en su capacidad para articular pensamiento crítico y generar conocimiento. Atender a todos esos saberes que los cuerpos atesoran, y por supuesto hacerlo juntas, en colaboración, poniendo en valor lo que nuestros cuerpos saben. Para ello hemos explorado la idea de ritual, buscando de este modo construir un espacio seguro y de cuidado en el que poder encontrarnos, pensarnos y reconocernos tanto a nivel individual como colectivo.
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RESIDENCIAS ARTÍSTICAS 2021
Guido Sarli (24-31 enero) Ian Garside (01 -13 marzo) Dolma Jover y Emilio Manzano (15 -27 febrero) Manuel Roldán (01-06 marzo) Celia Ramos y Estefanía Morante (27 marzo – 9 abril) Isabela Rossi y Miguel Gonzalez (10-23 mayo) Franctis Dance Company (01-12 junio) Cía. Javier Arozena Cía ( 14-26 junio) Sol Bilbao y Fabrizio Di Salvo (05-18 julio) Beñat Urrutia (19-31 julio) Paula Sebastián, María Martín y Ana Lola Cosín (30 agosto-11 septiembre) Sara Arévalo y Carlos Sánchez (30 agosto- 04 septiembre) Cía. Flamencuría Obdulia Bustos (13-25 septiembre) Borja Cortés (04-16 octubre) Violeta Wulff (18-23 octubre) Verónica Garzón y Begoña Quiñones (25 octubre- 6 noviembre) Vanesa Aibar (17-25 noviembre) Colectivo Kampai (29 noviembre – 12 diciembre)
COLECTIVO KAMPAI
«MIRAGE»
Ya no queda ninguno; el conjunto de caminos tomados hasta ahora nos han acompañado hacia nuestra consumación. Nuestro final, lejos de ser un acontecimiento catastrófico, nos abre las puertas a un nuevo renacimiento y la oportunidad de reinventar la existencia. Plantamos una nueva semilla que nos capacita para tomar unas vías que no habíamos pisado hasta ahora. Entendiendo que formamos parte de un organismo que canta como uno solo, baila como uno solo y que, en definitiva, es uno solo.
VANESA AIBAR y ENRIC MONFORT
«LA REINA DEL METAL»
La Reina del Metal nace como un espectáculo inmersivo que ahonda en la relación expandida entre el movimiento, los ritmos flamencos y el sonido. Público e intérpretes habitan un mismo espacio a modo de rito colectivo en el que movimiento y sonido se interrelacionan profundamente para liderar una dramaturgia del siglo XXI. Abundancia y escasez, densidad de material y estructura estructurante conforman un relato bajo el que se reproducen ritos, evocaciones sonoras, remembranzas al origen y formas que acaecen nuestro devenir vital. La pieza se articula a partir de una dramaturgia que ahonda en la memoria sonora que acompaña el imaginario poético del baile de Vanesa Aibar junto a los sonidos extraídos del metal y la electrónica que Enric Monfort viste y reviste con un halo atemporal y envolvente.
“La lentitud de los movimientos rituales en las ceremonias tiene íntimo parentesco con el ritmo de los movimientos astrales” Juan Eduardo Cirlot
BORJA CORTÉS y ÁNGEL FLORES
«TÁNTALO TARANTO»
Boceto en movimiento
“El amor, la prórroga perpetua”
Tántalo Taranto es un ejemplo proverbial de tentación sin satisfacción.
A través de esta idea se plantea el significado de la palabra amor, cuan dulce y amargo puede llegar a ser en todas sus vertientes.
En este proceso creativo se proponen tres bocetos en movimiento donde Borja Cortés se zambulle junto a Ángel Flores bajo la mirada de Lucía “La Piñona” en la búsqueda de respuestas sobre la diversidad del amor, dejando volar a la imaginación a través de la danza, la música y la voz.
Todo ello conformando en sí un paisaje donde cualquiera es bienvenido a sumergirse, dejarse abrazar y sentir.
CÍA. FLAMENCURÍA OBDULIA BUSTOS y NIEVES HIDALGO
«DANCING WITH MY SHADOWS»
“Dancing with my shadows” es un proyecto de Danza Flamenca Vanguardista. Se fusionan el movimiento corpóreo flamenco de la creadora y bailarina Obdulia Bustos, con el cante en vivo de la gran cantaora “Nieves Hidalgo” y la música original, creada para la misma por el genial compositor Ignacio Fernández.
Dirigido a todos los públicos, enfocado a espacios de salas/espacios no convencionales y con un formato de mediana duración.
El impulso a desarrollar el proyecto
El hecho de realizar este proyecto de creación conjunta parte de la invocación de la creadora y su convicción de que, dos artistas independientes de estilos distintos del Flamenco pueden convivir en la escena para contar su historia, desde el respeto, armonía y común-unión.
Actualmente está en fase final de producción y distribución; y les mostraremos una parte de lo creado y transitado estas semanas por el Centro Coreográfico de La Gomera.
SARA ARÉVALO y CARLOS SÁNCHEZ
«UN(I)VERSO»
Las relaciones sociales entre dos seres humanos se van construyendo a partir de las experiencias vividas entre ambos.
“Un(I)VERSO” muestra la relación creada entre dos personas que se encuentran en un mismo lugar y un mismo momento.
Ambos intérpretes están en la búsqueda de ese universo donde sentirse libres a a su vez ser satélites el uno del otro.
Confluencia
La confluencia es la acción de confluir dos o tres caminos, personas o cosas en un mismo lugar.
Utilizando esta analogía aparece Proyect@s, un trabajo que parte de la necesidad artística de crear y transcender más allá de nuestra carrera como intérpretes, encontrándonos en un camino de búsqueda.
Sara Arébalo y Carlos Sánchez llevan más de ocho años trabajando conjuntamente en las mismas compañías, y el Centro Coreográfico
de La Gomera será el primer testigo de esta confluencia de caminos como creadores. No hay pretensión, solo el de intentar fluir y sentirse libre con su propio movimiento.
PAULA SEBASTIÁN, MARÍA MARTÍN y ANA LOLA COSÍN
«EL EFECTO DE NOMBRAR»
¿Cómo me muevo? ¿Qué caminos suele recorrer mi cuerpo? ¿Mi manera de moverme me identifica? ¿Cómo me influye tu presencia? ¿Qué identidad construimos juntas?
Los nombres propios son sustantivos que se usan para designar a personas, lugares o cosas con un nombre singular, por tanto, de manera única e irrepetible. El efecto de nombrar nos hace ser conscientes de su existencia. Este proyecto reflexiona acerca de nuestra identidad de movimiento nombrándolo y nombrándonos.
La propuesta parte de dos ideas entrelazadas. Por un lado, una investigación personal sobre el concepto de identidad. Por otro, la construcción de una identidad común a través de la relación de nuestros lenguajes personales de movimiento.
Descentrarse sin perder el centro.
En ese ir y venir, nos encontramos.
BEÑAT URRUTIA
«UN TRÁGICO ACCIDENTE»
Un detenido fallece en una comisaría mientras es interrogado por la policía. Antes de que comience la investigación judicial y mediática de los hechos los policías realizan un ensayo, cómo si de una obra teatral tratase. Crean y practican una versión oficial: un accidente trágico e inevitable donde ellos solo intentaban ayudar.
ste proyecto pretende realizar una investigación a modo de laboratorio cuyo objetivo es experimentar entre la fusión de las artes, uniendo la danza contemporánea con la música. Para ello, hemos realizado una propuesta escénica en la que la historia es contada mediante la danza sin necesidad de la palabra. Nuestra motivación principal es investigar la metateatralidad como herramienta para transmitir historias mediante el movimiento y juegos escénicos: cómo crear discursos concretos que pueden ser comprendidos con facilidad sin tener que recurrir al texto.
Consideramos que todas las acciones que realizamos, tanto la danza como la música, están englobadas bajo la idea del intérprete. Creemos que esta fusión puede enriquecer y apoyar el discurso. Para articularlo, recurrimos a las preguntas de por qué baila, toca un instrumento o se mueve el intérprete. Es por ello por lo que la obra tiene como eje principal el ensayo que realizan unos policías. Saben que están actuando y saben que son unos intérpretes.
Nos interesa crear una pieza que no sea un mero entretenimiento, sino que haga reflexionar a la audiencia.
CÍA. JAVIER AROZENA
«DER HELD»
“El Héroe” (Der Held), eje central y punto de partida como elemento simbólico o figura icónica universal, encarna la quintaesencia de los rasgos claves valorados en su cultura de origen y carga en sus espaldas su propia epopeya personal y comunitaria.
El personaje en el cual un grupo social, una comunidad, deposita todos sus sueños, deseos, anhelos, logros, frustraciones.
Para ello ponemos la mirada en el romanticismo alemán, período que resulta a la vez manifestación artística y espiritual (Geist).
Trabajamos conceptos claves como el viaje, el camino, el paisaje, la contemplación. El intento, la imposibilidad, el fracaso. La soledad, lo frágil, lo leve, la vulnerabilidad, lo finito. La transcendencia. Un ritual que transita a lo esotérico que transita a lo sagrado.
Proponemos habitar territorios del imaginario personal, paisajes entregados ofreciendo la libertad de habitarlos a través de un cuerpo danzante.
El observador, como testigo de la reverberación corpórea, de lo inexplicable; como viajero por la geografía del subconsciente simbólico para llegar al lugar que desea que sea.
FRANCTIS DANCE COMPANY
«LAST SPACE»
Last space es una obra que se sumerge directamente en las historias más profundas de sus creadores en medio de un flujo constante de
acontecimientos. Dejando que la mente inconsciente se manifieste, los viejos recuerdos salen a la luz. Los pensamientos llegan, se colapsan y se congelan, se estiran y aceleran, se destruyen y reconstruyen. El observador es testigo de cómo todo se deshace y se funde a través de una fisicalidad única, energética y delicada.
«Last Space» es un viaje a la mente inconsciente de sus intérpretes.
ISABELLA ROSSI y MIGUEL GLEZ.
«PROCESO DE ACOMODACIÓN»
El cuerpo del intérprete/creador como un vehículo para la acomodación, en ti, en el otro. Junto a la búsqueda de una conciencia corporal y espacial más allá de la necesaria para las funciones que desempeñamos en nuestro día a día como personas/creadores/intérpretes.
Han derivado en: La observación, sin meta en llegar a ningún lugar concreto, sin prisa.
Entendiendo esta palabra como una atención, curiosidad. No solo observan nuestros ojos o nuestro paladar esta acción también la ejecuta nuestro esófago o la clavícula. No solo palpan nuestros dedos también lo hacen nuestros humeros y fascias. La permeabilidad e impermeabilidad, cuanto permito o puedo permitir
que este espacio afecte mi movimiento/anatomía.
A su vez, ¿Es permeable este espacio a mi acción?. El deseo de parar con absoluta conciencia de mi acto para finalmente poder elegir no hacerlo…
Una de las formas. PROCESO DE ACOMODACIÓN hoy por hoy es una investigación y creación de danza contemporánea a tiempo real y tiempo pasado. Lo pautado ayer convive con lo improvisado hoy.Recordando y transcribiendo el trazo en el espacio de una forma continua y como consecuencia haciéndonos cuestionar la atemporalidad en esta acción.
Buscando una posición infinita en este espacio infinito.
CELIA RAMOS y ESTEFANÍA MORANTE
«DESPIECE»
“Está en tu tejao mirá qué gato negró, riapitá mirá” Este proyecto nace en 2014 a partir de la observación y reflexión sobre lo cotidiano. Celia Ramos y Estefanía Morante iniciaron una comunicación epistolar en la que iban compartiendo no sólo detalles de su día a día sino también una necesidad mutua de encontrar huecos para pensar, mirar, leer, observar y, sobre todo, rescatar la memoria del cuerpo. Despiece. Está en tu tejao mirá qué gato negró, riapitá mirá, explora las posibilidades creativas de la escucha: lo que sucede entre la danza y el pensamiento, entre la pausa y el movimiento, entre la vida propia (la maternidad, lo doméstico, el trabajo) y la dimensión compartida con los demás. El proceso compositivo que han seguido (y que seguirán desarrollando, porque esto se concibe como un proyecto de larga duración) parte de acontecimientos y referencias concretas de su biografía. Por un lado, la idea de interrupción (acciones que se detienen porque suceden otras cosas), la prisa, los juegos de palabras, o dinámicas concretas que han seguido, como citarse a las 12.00 de la mañana para enviarse fotografías de las acciones específicas que estaban realizando en sus respectivas casas. Rebuscando así en su propio archivo corporal y vital, Celia y Estefanía abren un espacio de investigación sobre el potencial creativo de lo que nos habita, o de lo que nos coreografía: lo cotidiano, lo doméstico, el cuerpo, o la identidad, utilizando como herramientas el lenguaje flamenco, la imagen, lo sonoro y la palabra.
MANUEL ROLDÁN
«MANUEL Y MARTÍN»
Manuel y Martín surge de la intensión de posibilitar un encuentro entre dos cuerpo-seres de diferentes generaciones, recorridos y escuelas, dentro de una misma profesión, compartiendo una misma
intención creativa.
“Manuel y Martín es para nosotros el resultado de un hallazgo afortunado, válido e inesperado que se produjo de manera accidental”.
Este encuentro se materializa en un contexto escénico donde los dos creadores se comparten y comparten con la audiencia su saber hacer corporal, espacial, dinámico y gravitacional, buscando como único resultado, el estar presentes en la acción.
DOLMA JOVER y EMILIO MANZANO
«CACHUCHA NOT JUST A SPANISH»
“SI DE LA TIERRA VENIMOS, LA TIERRA ENTERA ES MI PAÍS Y TODOS LOS MUNDOS MIS PARIENTES SON” Abu Salt de Denia
Cachucha Not Just a Spanish Dance es un proyecto de investigación artística sobre la Danza Cachucha, sus diferentes textos y contextos.
En esta Residencia Artística nuestra intención se focaliza en conocer y comunicar cómo, dónde y en qué condiciones la danza se mueve y nos mueve.
Esta investigación quiere contar e informar nuestra reflexión practico-teórica sobre los materiales, formas y significados de la Danza Cachucha, al mismo tiempo que replantear cuestiones sobre conceptos de Otredad, género, colocaciones y desplazamientos culturales relacionados con esta danza.
Nuestra intención es proponer una perspectiva alternativa a una danza que no es sólo danza y no sólo española.
IAN GARSIDE
«HASTA EL INFINITO Y MÁS ALLÁ»
“La humanidad siempre ha estado fascinada con la muerte. De hecho, ha sido un tema recurrente para filósofos y teólogos, líderes y dictadores, autores y artistas durante eones, y honestamente, no creo que vaya a desaparecer…”.
Una pieza de danza/teatro físico que explora la eterna relación de la humanidad con la muerte iluminando y dando protagonismo al abismo inconcebible de la mortalidad. La corriente subterránea que todos los humanos llevan consigo en el viaje de la vida.
Una reflexión sobre las experiencias que nos impactan desde nuestro crecimiento hasta nuestro envejecimiento y más allá.
Sin tomarlo demasiado en serio, es un paseo dramático en el que cada uno puede ver reflejada su existencia.
GUIDO SARLI
«RESET»
Nuestra forma de vivir es cada día más simbiótica con la tecnología y nuestros comportamientos van perdiendo gradualmente la espontaneidad y vitalidad típica de los seres vivos. Tememos sentirnos vulnerables y expuestos. Nos cuesta abrazar el error y la imperfección. Abrumados por un ritmo de vida frenético podemos entrar en un bucle de acciones mecánicas y repetitivas que nos alejan de nuestro sentir más profundo, haciendo nacer en nosotros un de deseo de resetearnos como se le haría a un aparato tecnológico que ha sido sobre usado y que deja de responder de la manera esperada. ¿Pero cómo puede un ser humano resetearse?
A raíz de esta pregunta nace RESET un proyecto escénico y audiovisual que teniendo el cuerpo en movimiento como medio narrativo se adentra en una investigación física y sensorial sobre los mecanismos de repetición y automatismos que hemos adquirido a raíz de nuestra relación con los medios tecnológicos. Una mirada atreves del resquicio de vitalidad y animalidad que existe en nuestro ser aun cuando nos sentimos totalmente paralizados y alienados por nuestro pensamiento racional. Un himno catártico, un viaje iniciático hacia el des-cubrimiento de un ser más sincero y humano.
RESIDENCIAS ARTÍSTICAS 2020
MANUEL ROLDÁN E ISAAC GARCÍA
«(TÓPICO)»
En esta residencia artística en el Centro Coreográfico de la Gomera he trabajado en lo relacionado con los tópicos que recaen sobre la Danza Española, el Flamenco, la Tierra y la estética.
Este trabajo comenzó con la pieza «Souvenir», premiada en el 28 certamen de Danza Española y Flamenco de Madrid.
Durante la residencia en la isla he tratado de encontrar un discurso y un lenguaje junto con el percusionista Isaac García que abarque y transforme todo aquello que nos ha marcado, nos condiciona y al mismo tiempo nos sirve de luz en nuestro camino.
Todo ello con el objetivo de diseñar una acción para espacios no convencionales que verá la luz en 2021.
Tópico; adjetivo. Nombre masculino.
Que se usa y se repite con mucha frecuencia en determinadas circunstancias.
Sinónimos: Cliché, repetido, manido, trillado, corriente.
Vivimos rodeados y atados a los tópicos. Da igual de do de vengas o a qué pertenezcas, si es que pertenecemos a algo.
Al igual que en la vida, en el universo Flamenco existen numerosos tópicos con los que convivimos dentro y fuera de él.
A estas típicas descripciones a las que uno se aferra para crear, describir o imaginar el Flamenco son a las que he intentado acercarme.
He nacido en una familia ajena al arte, en una tierra flamenca, donde en el día a día me cruzaba con él y sus tópicos. He recibido una formación típica en la Danza Española pero nunca me sentí el típico bailaor.
Si escuchaba a Gades hablar sobre la ética de la Danza me sentía correspondido pero si leía el decálogo de Vicente Escudero no entendía nada.
ARNAU PÉREZ
«LP»
Un LP, del inglés Long Play, es un disco de vinilo de tamaño grande, en el cual se puede grabar, en formato analógico, un máximo de unos 20 a 25 minutos de sonido por cada cara. En este formato físicamente limitado, el artista atrapa todo un imaginario para transmitirlo a través de vibraciones y ondas dinámicas en el espacio, y así compartirlas con la audiencia. Es la forma deproducir todo un universo individual que al moverse se convierte en colectivo.
En el centro coreográfico de La Gomera, Sara y yo nos hemos centrado en el proceso conceptual del proyecto mediante cuestionar y plantear la implicación del cuerpo en la acción expresiva de la obra. En relación con la conceptualización de las estructuras corporales nos hemos centrado en las transformaciones internas de los patrones de movimiento y su composición en el lenguaje del creador-intérprete.
Bajo la noción de formato, LP se pregunta sobre los límites, tanto del producto artístico y la industria cultural que lo envuelve, así como de los materiales que lo componen. Una de las cuestiones principales que hemos abordado es el concepto de “Trap/ trampa”, como medio expresivo y como acción poética a través del cuerpo. El atrapar como lugar físico y psicológico donde los limites se relativizan y la acción personal toma su propia inercia en una lucha de opuestos.
CIA. PREMOH’S CRU PALOMA RAMOS, ISAAC SUÁREZ, ANTONIO LEÓN y MARTA REGUERA
«LEVANTAOS»
Esta residencia de creación es producto del premio coreográfico recibido en el Certamen de Burgos Nueva York el pasado Julio de 2019. Gracias a ello hemos tenido la oportunidad de poder pensar y crear nuestra segunda propuesta artística como colectivo. Después de “Anónimas raíces”, nuestra primera pieza de pequeño formato, hemos sentido la necesidad de embarcarnos en una nueva creación escénica donde buscamos profundizar en la relación con nuestra memoria histórica andalusí y el recuerdo sensorial que existe en nuestros cuerpos a día de hoy.
Somos cuatro andaluces que se encontraron fuera de su comunidad autónoma buscando oportunidades para desarrollar nuestro camino artístico. Esto nos generó una necesidad de apoyarnos entre nosotros y de crear nuestra pequeña familia andaluza fuera de nuestro territorio. Este encuentro nos genera reflexiones sobre lo revelador del origen de nuestras raíces, la convivencia de diferentes civilizaciones, la colonización, la peculiaridad de nuestras formas, de hacer, de hablar, de relacionarnos…
¿Por qué tantas personas en la actualidad seguimos marchándonos fuera de nuestro territorio en búsqueda de algo mejor? ¿Es esto un impulso que pertenece a nuestra memoria como pueblo colonizado?
Cuando no tienes otra alternativa que dejar tus costumbres y tus expresiones para dar lugar a otras nuevas creencias y formas de actuar, pueden generarse roturas en la memoria interna de las siguientes generaciones.
Huir, romper, derrumbar, levantar, adaptar, transformar… Son acciones que nos están brindando la oportunidad de traducir en nuestros cuerpos nuevas perspectivas creativas, abriéndonos el camino hacia una nueva forma de usar los fundamentos de las danzas urbanas. Descontextualizar las estéticas preconcebidas socialmente y generar un símil con los comportamientos estereotipados de nuestra cultura andaluza es uno de nuestros descubrimientos durante el proceso.
JAMES NIX, LUCA SEIXAS Y SERENA LANDRIEL
«VULNERABILIDAD, CONFIANZA Y CONSCIENCIA»
Vulnerabilidad personal; la habilidad de permitirnos a estar expuestos al daño, como psicológico o emocional.
Una palabra que hoy en día no es muy común en nuestra sociedad. Subconscientemente la evitamos para protegernos del miedo a ser juzgado, del acoso psicológico o mental, o simplemente al fracaso.
La vulnerabilidad personal nos empuja fuera de la normalidad social, empujándonos fuera de nuestra “zona de Comfort”, permitiéndonos continuar con nuestro crecimiento personal dentro de la incómoda incertidumbre.
Dentro de esta residencia nuestro objetivo era crear conciencia, primero y ante todo del cuerpo, en orden de permitir el desarrollo consiente de escuchar nuestro cuerpo y nuestras verdaderas decisiones del movimiento; como dejar nuestros hábitos y tendencias del movimiento y crear nuevas, desde nuevos caminos a través de nuestras experiencias de vida y encontrar la habilidad de como permitirnos ser vulnerables, confiar en nosotros mismos y como adaptarnos a situaciones incomodas; como todo esto afecta en la confianza de un otro. Enseñándonos a escuchar nuestras intuiciones y permitirnos la confianza en adaptarnos a los impactos externos.
La pregunta que queda por descubrir en esta residencia es como permitir la vulnerabilidad personal dentro de la construcción social en la vida cotidiana, en última instancia, puede ayudar a una mayor confianza en uno mismo y en los demás, al tiempo que ayuda al crecimiento de la confianza imparcial. Capaz de lidiar con el estrés como un todo.
ABIÁN HERNÁNDEZ Y RAQUEL JARA
«APEGO»
Residencia artística
Fue en Londres donde comenzamos a tratar el Apego, y luego, el Centro Coreográfico de La Gomera nos da la oportunidad de realizar residencia artística.
Este proyecto cuenta con dos cuerpos y lo que ello conlleva. Veníamos sin estructura, abiertos a la investigación, a cuestionarnos, a comprender el concepto, a fusionar dos cuerpos en el espacio, tiempo y, con una acción determinada por el Apego. En el proceso, hemos tratado de responder preguntas que ya existían y, las que fueron apareciendo. Además, el debate sobre los pensamientos que surgían, los sentimientos que afloraban hacia el Apego, estaba en activo continuamente. En esta residencia hemos verbalizado el término y lo qué envuelve, lo que nos ha llevado a fisicalizar las sensaciones sin perder la realidad del movimiento. 
APEGO
El apego, lo acogemos cómo conexión, lazo, unión, que sucede entre dos entes, que parte de un punto que se expande, se intensifica, pesa, condiciona, se nubla, se confunde, engancha, aferra. Esta emoción con connotación negativa hace que, en exceso, desaparezcas. Reflexionamos sobre lo que queda de ti a la hora de establecer un apego con otro cuerpo, esa dependencia que genera, el peso que influye el enganche, la poca identidad que el estar apegado conlleva. Queremos transmitir ese vínculo afectivo, el bloqueo, el estar en el pasado, el no asumir responsabilidades emocionales, además de seguir arrastrando con los apegos infantiles no madurados.
Qué toda esta reflexión nos lleve a separar el amor del apego, sentir la frase: Te quiero, pero no te necesito. Pensar en la aparición del desapego desde un comportamiento respetuoso, siendo libres y dejar serlo, asumir la realidad y vivir el presente siendo responsables de sí mismos. Importante quitarnos los resquicios de apegos infantiles que ya deben ser madurados.
A. Freud. El apego supone » la atadura» afectiva más fuerte que siente el ser humano hacia otros semejantes produciendo placer cuando se lleva a cabo interacciones y buscando la cercanía de la persona en momentos de ansiedad e inseguridad.
MAGDALENA MANNION
«…ESAS NUBES»
Estudio e investigación coreográfica
Esta residencia en el Centro Coreográfico de La Gomera ha sido la primera fase de creación para una pieza de danza basada en la obra de teatro para televisión …But the clouds de Samuel Beckett. He estado utilizando las direcciones escénicas originales del autor como principal herramienta en la investigación coreográfica, analizando el uso del espacio, tiempo, luz y texto. Esta fase de creación ha sido enfocada en el desarrollo de la dramaturgia mediante el análisis de la obra original, traduciendo los resultados en herramientas concretas para perfilar los cuatro personajes de la obra, M, M1, W y V y la relación entre sí, además de profundizar en el espacio escénico, la composición musical y el lenguaje coreográfico de la pieza. He empezado a explorar ideas acerca de cómo lograr una intimidad y sensación de cercanía parecidas a las que se siente con el uso de la cámara. El resultado ha sido una secuencia de movimiento “columna,” la cual se convertirá en el sustento de futuras investigaciones.
Sobre el proyecto
En el momento en el que la cara de alguien está a punto de desaparecer de la mente, ¿qué hacemos para recordarnos de ella? ¿Qué podemos hacer para que se quede, exactamente como la queremos recordar? …Esas Nubes se inspira en la obra …But the clouds de Samuel Beckett que fue creada para la televisión en 1977, cuyo nombre deriva de la última estrofa de un poema de W.B. Yeats. Se trata de un espacio definido por la ausencia, en el que predomina el mecanismo del recuerdo y la emergencia de la imagen que buscamos. Investiga sobre la autonomía de esta imagen, y los limites borrosos entre una entidad y otra. Atravesamos el hueso y nos adentramos en el pensamiento nocturno de M, donde la verdad no importa, sino el intento de fabricar algo más sólido que la mancha de luz en el interior del párpado. Cierra los ojos más fuertes, repite, cruza la cúpula del espacio craneal y por fin, desaparece de sí mismo en el santuario.
Mientras M intenta materializar la imagen de su amada W, experimentamos el aspecto amargo dulce del duelo, la constancia del amor y el ruido de la soledad. En ausencia de ella, intenta fijar las nubes en el cielo, exactamente como estaban, como las cree recordar.
…Esas Nubes es una pieza para cuatro intérpretes y una guitarra.
LAURA BASTERRA Y NOELIA SÁNCHEZ
«Cuerpo vs. Cuerpo vs. Cuerpo»
Nuestro objetivo en esta residencia en el Centro Coreográfico de La Gomera ha sido llevar al cuerpo y al movimiento, diferentes estudios sobres cuerpos «perfectos». En primer lugar, el cuerpo estético, se basa en los cánones de belleza actuales, en el 90 60 90, en el mundo del modelaje y de las operaciones estéticas, y por tanto, en la importancia de la imagen.
En segundo lugar, el cuerpo biológico, inspirado en un estudio de la bióloga Alice Roberts, que realizó un prototipo de cuerpo perfecto biológicamente, cogiendo las mejores partes de cada animal, pero dándole una forma más o menos humana; y también hemos querido dar protagonismo a los órganos vestigiales. A su vez, hemos cogido 
la fisicalidad y las altera ciones de Mindy y Emma, modelos que responden a una supuesta evolución modificada por la tecnología. En tercer lugar, el cuerpo resistente. Empezamos nuestra investigación con Graham, un “ser” creado para soportar accidentes de tráfico, aunque hemos acabad o interpretando nuestra propia resistencia física y los límites de la resistencia humana.
Con este trabajo en proceso hemos querido plasmar lo que son para nosotras estos cuerpos en actitud y en movimiento y, posteriormente, desmontarlos, desvirtuarlos, reflejar los fallos y carencias, en conclusión, “Además de esto, aún nos queda mucho por
reflexionar… ¿Cuál sería un cuerpo perfecto para nosotras? ¿Qué cuerpo necesitamos para nuestro tipo y ritmo de vida? ¿Nos ayudáis a concluir? Esto que mostramos hoy, es la semilla de algo que esperemos se convierta en una pieza larga con nuestro compañero Iván Colom Villar , convirtiéndolo en un trío.
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RESIDENCIAS ARTÍSTICAS 2019
Albert Hernández, Irene Tena y Andrea Antó (1-12 enero) Daniel Morales y Adrián Pérez (24 de marzo al 5 de abril) Angela Sofía Sterzer (15 al 27 de abril) Richard Mascherín, Lucía Montes y Tania Garrido (5-10 de mayo) María Serra, Marta Barberá y María Amparo Ruiz (del 15 al 27 de julio) Antonio Ruz (del 2 al 15 de septiembre) Manuel Roldán (del 2 al 15 de diciembre) Palmira Roca (del 4 al 16 de noviembre) Jon Ander Urresti (del 4 al 15 de noviembre) Begoña Quiñones y Verónica Garzón ( del 16 al 28 de diciembre)
Begoña Quiñones, Verónica Garzón y Carmen Fumero (del 22 al 29 de diciembre)
«ÊKHÔ»
Esta propuesta nace del deseo de investigar movimiento coreográfico en colaboración a través de la interrelación autoral de tres personalidades escénicas, Begoña Quiñones, Verónica Garzón, y Carmen Fumero, donde el presente creativo y personal de cada una se entrelaza y se explora con la idea de desarrollar y cristalizar una pieza de Danza Contemporánea. Para esta ocasión nos servimos de la temática del eco y su impacto en el cuerpo, a nivel físico, somático y conceptual. ÊKHÔ, así llamado nuestro pro
yecto, pretende investigar sobre la resonancia que produce la memoria en nuestros cuerpos, generando para estas identidades un espacio de vibración en el que puedan afectarse y ser afectados. Cohabitar ese espacio haciéndose consciente de que es compartido fluctúa nuestra experiencia sobre la memoria y el recuerdo y lo vuelve permeable e irresoluble. Nos inspiramos para este trabajo del Mito de Eco como fuente de recursos, conceptos, ideas e imágenes que nos soporten a la hora de generar enlaces y cuestiones alrededor de estas tres identidades y su movimiento. Además, el sonido como elemento primario para producir eco nos permite evocarnos, siendo esa relación a la vez motor para un espacio cambiante pero con memoria. «Evocamos a la Imaginación para resonar en un eco que decidimos compartir.» ÊKHÔ tendrá su pre-estreno dentro del «Festival Canarios dentro y fuera» en Diciembre de 2019, tras su paso por el Centro Coreográfico de La Gomera. Creación y Acción: Begoña Quiñones, Verónica Garzón y Carmen Fumero Música: Nacho Peña
Jon Ander Urresti (del 4 al 15 de noviembre 2019)
«GURE BASERRI GALDUEN GORPUTZ BIZIAK»
Investigación escénica y audiovisual
En esta residencia en el Centro Coreográfico de la Gomera he desarrollado dos trabajos paralelos que se funden en un mismo proyecto. El proyecto parte del trabajo de fin de grado que realicé en DANTZERTI, escuela superior de Arte Dramático y Danza de Bilbao. Debido a problemas logísticos fue imposible traer todo el material y por ello he optado por trabajar y replantearme una de las partes. Por otro lado, como este trabajo es parte de otro proyecto mayor he utilizado el privilegiado entorno natural de La Gomera para trabajar otro aspecto audiovisual de este proyecto que se articuló entorno a una reflexión sobre el patrimonio y sus contemporáneas lecturas.
El proyecto
Este trabajo es el fruto de una investigación performativa. Para la creación de una pieza cargada de intimidad se han utilizado diferentes archivos encontrados en un caserío que actualmente se encuentra en estado ruinoso debido a diversos conflictos familiares. Se ha optado por una definición amplia y flexible del archivo para poder hacer un uso más eficiente de la idea de utilizar una muestra de un contexto rural. Y es que, un archivo, por sí mismo, podría ser cualquier objeto al que se lo tratara como tal. Incluimos, por ende, en dicha categoría los documentos de las herencias, los artículos científicos sobre las varias excavaciones realizadas en la zona del caserío, diversos otros documentos legales, pero también los objetos que han pasado de ser herramientas imprescindibles para la supervivencia a ser, en la vida contemporánea, objetos extraños que se roñan en las estanterías de algún museo vasco. En su momento, estas herramientas fueron responsables de mantener en pie el citado caserío, que no sólo determinarían una forma y un modo de relacionarse con el mundo, sino que dicho trabajo moldearía, formaría y deformaría también los cuerpos de los antepasados. Por lo que, conforme aquéllos que conocían dichas técnicas desaparecen, el olvido de estas labores conlleva también la pérdida de sus presencias y formas sociales de nuestra memoria. Con ello, se interrumpe la transmisión de un saber integral —el de los conocimientos multidisciplinares en las zonas rurales— como acumulación técnica, simbólica y social de un trabajo desempeñado durante largos años. Y aunque es evidente que en un mundo en constante cambio y evolución resulta imposible dar continuación a este patrimonio tal y como lo hemos recibido, la utilización política de la nostalgia conforma una última esperanza de resistencia. ¿Por qué? Porque se trata de saberes que favorecen la autogestión material, la posibilidad de vivir de los recursos naturales básicos y que, con ello, vehiculan la estructura social que posibilita niveles elevados de cooperación y autonomía colectiva. Investigar en la nostalgia puede así resultar en una reflexión sobre el pasado y sobre lo que de él podemos y debemos reutilizar. Esta pieza plantea una hipótesis, que se contrastará y desarrollará a lo largo de la investigación: el futuro del pasado es nuestra responsabilidad y el presente es la única temporalidad para llevarla a cabo. Y dicha empresa la componen, como punto de partida, las siguientes preguntas: ¿cómo podemos relacionarnos hoy en día con el patrimonio más próximo? ¿Qué nuevas preguntas podemos encontrar en esa tarea?
Antonio Ruz (2-15 de septiempre 2019)
«EL HILO DE PLATA»
Estudio e investigación coreográfica
En esta residencia en el Centro Coreográfico de La Gomera he desarrollado una investigación como preparación del proyecto de encargo que estrenaré con el Ballet Víctor Ullate / Comunidad de Madrid en enero 2020 en los Teatros del Canal de Madrid, compartiendo programa con un estreno de Daniel Abreu. Además de una serie de bocetos como resultado de una búsqueda del lenguaje coreográfico para la obra, he profundizado en la dramaturgia, los personajes, la música, el vestuario, el espacio escénico, etc. Sobre el proyecto. 
¿Qué es el fracaso? ¿Cuándo se supone que fracasamos en un proyecto? ¿Y en una relación? Nos consta que el estreno de El Maleficio de la Mariposa, primera obra teatral de Federico García Lorca en el Teatro Eslava de Madrid en marzo de 1920, (con la bailarina Encarnación López „La Argentinita‟ en el papel de la Mariposa) fue un sonoro fracaso, pateos en la platea incluidos. Pero, ¿qué se esconde detrás de ese „no éxito‟? Este curioso y original juego modernista en verso protagonizado por insectos, obra primeriza, desvela las bases de lo que sería el teatro lorquiano posterior que aborda, entre otros, los temas del amor imposible (el que no puede ser), la impotencia o los sentimientos frustrados.
Exactamente cien años después, me inspiro en la singular fábula para, desde la danza, abordar sus temáticas bajo una mirada escénica contemporánea. Una parábola que evoca fragilidad, inocencia y compasión. Existen tres lineas temáticas que se entre cruzan incesantemente en el desarrollo de la pieza de Lorca: la del amor, la de la poesía y una clara defensa de la diversidad; el hecho de considerar inferior lo (o al) que es diferente, es fruto de la hipocresía, del prejuicio y la presunción acerca de la propia superioridad y perfección. La poesía es también el instrumento para sacar a la luz la belleza de las cosas.
La mariposa, ese espléndido insecto, cuya milagrosa existencia muestra a su vez cuán volátil y extraordinaria es la vida humana, joyas aladas que han dado lugar tantos mitos, leyendas y fábulas como esta de Lorca. Encontramos así una humanización de los insectos como criaturas sociales que toman decisiones colectivas, como los vecinos de cualquier barrio, comunidad o colonia de cualquier urbe del mundo.
El hilo de plata es un poema coreográfico para 10 bailarines en el que movimiento, música y palabra interactúan entre sí en una atmósfera emotiva, inquietante y sutil.
Ficha artística y técnica provisional
Dirección y coreografía: Antonio Ruz Música: Arvo Pärt y Luís Miguel Cobo Diseño de escenografía e iluminación: Paco Azorín Diseño de vestuario: Rosa García Andujar Asesoría en dramaturgia: Alberto Conejero Voz en off: Maureen López Ayudante de dirección: Lucía Bernardo.
Richard Mascherín, Lucía Montes y Tania Garrido (5 -10 de mayo)
«EL VALLE DE LOS 90»
1.Dúo Titulo Valle de los 90 (work in progress ) Sinopsis Todo es y será producto de tu imaginación. Ficha Artística Género: Danza Duración 18 min Dirección: Richard Mascherin Coreografía e Interpretación: Lucia Montes y Richard Mascherin Ambiente sonoro: Richard Mascherin 2.Solo. Extracto de DerbyHouse. 
Capítulo Jane. (work in progress) Sinopsis: Cuando comienza la última escena, se acerca “la hora del cierre». La tierra se retira de su ojo desvanecido. Calma, ella dejó esta escena transitoria con un movimiento dantesco y una mirada serena. Las lágrimas otorgarán y soplarán las primeras rosas del año. Dirección: Richard Mascherin Coreografía: Tania Garrido y Richard Mascherin Interpretación: Tania Garrido Ambiente sonoro: Richard Mascherin Duración : 5 min Género: Danza Sobre la esencia. Para hablar de nosotros y de estos proyectos es importante destacar el origen. Entre tantos lugares por el mundo conociéndonos, bailando y explorando juntos, uno en concreto fue decisivo. Era allí en Massachussets, Estados Unidos, en esa casa llamada Derby House construida en 1940 donde la esencia se reveló. Testigos fuimos Tania Garrido, Lucia Montes, Juan Carlos Toledo y la cabeza pensante de esta idea y del proyecto, Richard Mascherin. Esta casa me dio todo lo que necesitaba para construir la idea, ese filtro en mi cabeza. Nos dio a cada uno de nosotros un personaje, un personaje que ya llevábamos de alguna manera dentro. DerbyHouse toca los temas del desamor y el amor, la nostalgia, la búsqueda, la locura y los miedos, nos toca a nosotros. DerbyHouse nuestra esencia. El Valle de los 90 nace en paralelo a esta corriente, conectada pero independiente. En el Valle destacamos la juventud y la pérdida. Un dúo que navega por la imaginación y sus posibilidades.
Daniel Morales y Adrián Pérez (24 de marzo -5 de abril)
«RECÍPROCO»
“… de ahí el latín reciprocare, de donde viene reciprocar, que no es hacer que uno sea igual al otro, sino hacer que dos cosas intercambiadas se correspondan exactamente. Este proceso creativo se abre a partir de esa correspondencia entre los 
intérpretes, cuyos caminos se cruzan por el arte y es a través del mismo desde donde se quieren colocar para hablar de esa conexión. Es un trabajo que parte de la fisicalidad para acercar el concepto, en el que se proponen empezar en un punto determinado donde iniciarían un camino por el espacio-tiempo desde esa correspondencia, juntos. Recíproco viene a dar a la figura masculina del bailarín otro cuerpo, otra manera de moverse, otra forma de reaccionar ante otro hombre. La primera fase de este proyecto se desarrolló en noviembre de 2016 en el Teatro Victoria de Tenerife y en el Centro de creación de danza y artes vivas Graner (Barcelona).
Albert Hernández, Irene Tena y Andra Antó (Certamen Coreográfico de Danza Española y flamenco) (1-12 de enero)
«LOCA»
Sinópsis: “Loca” es un fragmento del espectáculo -Hilo Roto- el cual se encuentra en pleno proceso creativo. Este espectáculo gira entorno a la enfermedad del Alzheimer y pretende mostrar lo que ésta repercute en el enfermo y en las personas que le rodean. Los recursos utilizados en esta creación se basan en la improvisación, la conexión física y afectiva de dos intérpretes, la escucha, la observación y el dominio rítmico.
RESIDENCIAS ARTÍSTICAS 2018
Ana Sagrera y Carla López ( Colectivo KA) ( 8-20 enero) Roberto Torres, Paula Quintana, Paloma Hurtado y Daniel Morales (Compañía Nómada) (5-11 febrero) David Phiphak y Berenise Dupuis (12-25 marzo) Nazaret Oliva y José Contreras (Premiados en el 27º Certamen de Coreografía de Danza Española y Flamenco (4-14 abril) Ana Rosa Manzanero Serran (Conservatorio Superior de Danza de Valencia) (14-27 mayo) Fyrial Rousselbin Bohere (4-18 junio) Tracy Wong Choi Si y Mao Wei (22Masdanza) (18-30 junio) Ricardo Buscarini (31 Certamen Coreográfico de Madrid) (2-14 julio) Marta García Navarro y Manuel Caldito (Conservatorio Superior de Danza de Valencia) (3-15 septiembre) Arias Fernández y Manuel Barrio (Festival Burgos&NewYork ) (8-20 octubre) Chey Jurado(Festival Burgos&NewYork ) (10-22 diciembre).
Chey Jurado y Noe Chapsal (Festival Internacional Burgos&NewYork) (10-22 de diciembre 2018)
«WANDERLUST»
La etimología de wanderlust nos lleva hasta la lengua germana. Wandern significa «vagar», mientras que lust lo traducimos 
como «pasión». Esto derivaría más tarde en el término anglosajón wanderlust o lo que es lo mismo: pasión por viajar.
En algunos de nosotros esta llama crece dentro del cuerpo y no hay manera de extinguirla. Somos almas inquietas que siempre están pensando a dónde ir, cuándo será el próximo viaje, que sitios nuevos conocerán y qué aventuras se encontrarán por el camino.
Christian Jiménez Rojas ( Acción Cultural y Ministerio de Cultura de Colombia) (14 de noviembre -14 de diciembre de 2018)
«BALADA DE CABEZA»
Esta pieza coreográfica inicia su proceso creativo en las instalaciones de la Fundación Carmen Werner para la Danza, en la ciudad de Madrid en 2017. Pasado un año y al ser beneficiario del programa de residencias del programa Estímulos 2018 que otorga el Ministerio de Cultura de Colombia y el Ministerio de Cultura de España junto al Centro Coreográfico de La Gomera, he decidido aprovechar esta residencia para retomar el proceso creativo de esta idea y seguir investigando con las posibilidades de este material coreográfico.
Balada de Cabeza es un antojo creativo, una interpretación de lo que es para mí la soledad. La obra:
Pasar por un lugar una y otra vez. Sintonizar la misma canción. Ir de reversa. A veces la soledad nos obliga a vivir en la locura, en la depresión, en la ansiedad. En la soledad los pensamientos van y vienen, infinitos pensamientos tramposos que van y vienen. Perder la cabeza de tanto pensar, gritar sin que nadie te escuche. Fantasear en la soledad, bailar en la soledad, encontrarse en la soledad. Es como estar en búsqueda de uno mismo y al mismo tiempo estar huyendo de eso. Un momento para recordarse.
Arias Fernández y Nahuel Barrios (Festival Internacional Burgos&NewYork) (8-20 de octubre de 2018)
«THE JOKERZ»
Todo comienza a través del estilo Krump, Big Joker (Arias Fernández) comienza a crear su “Familia” con su primer miembro Jr Joker (Nahuel Barrios). Junto a una gran variedad de disciplinas artísticas aprendidas por separado como Krump, Parkour, HipHop, Popping, Locking, HouseDance, BreakDance, Gimnasia, Música y Rap hasta el momento, en 2011, comienza su aventura como dúo. Joker Fam se convierte en compañía “The Jokerz” debido a su interés en la investigación y muestra de las danzas urbanas en diferentes escenas. Gracias a este interés se genera una relación más abierta con diferentes disciplinas de las cuales toman inspiración y aprendizaje para añadir a su lenguaje del movimiento. Muchos profesionales de Teatro y Danza califican de peculiar, espectacular e innovador la forma de intercambio y expresión de la compañía “The Jokerz” frente a otros artistas y al público. En 2016 comenzaron su primera creación con el espectáculo “A Risas” el cual han estado elaborando en diferentes actuaciones y ensayos por muchos lugares de España, actualmente se encuentran en desarrollo de un nuevo espectáculo.
Marta García Navarro y Manuel Caldito de la Concepción (Conservatorio Superior de Danza de Valencia) (3-15 de septiembre de 2018)
«VOL II (I+G)
VOL II (I+G) es el título de esta propuesta coreográfica que tiene como objetivo principal trabajar las diferencias de género es escena y la disconformidad corporal. Por eso son dos volúmenes rodeados, son dos seres iguales que se tendrán que enfrentar a una escena y contexto lleno de obstáculos y complejidades.
Estamos centrando nuestra investigación en la disconformidad corporal y las diferencias de género en escena. Desde el punto de vista de la danza contemporánea creemos que es importante trabajar e indagar más sobre los papeles que el bailarín adquiere simplemente por su género. Nos gustaría ir un poco más allá e investigar cómo invertir los roles o simplemente ser dos intérpretes en escena sin ningún tipo de distinción.
Sin duda, la danza ejerce un papel de transmisión de valores culturales, sociales y políticos. Muchas líneas de investigación en este campo que sin duda tienen que seguir aflorando y siendo mucho más divulgadas.
Objetivos:
– Trabajar diferencias de género y la disconformidad corporal en escena
– Encontrar una simbiosis entre los bailarines, encontrar un lenguaje que caracterice sus cuerpos, corporalidades y volúmenes.
– Investigar nuevos sistemas de trabajo a partir de la creación de un lenguaje común.
– Incitar a la reflexión y al pensamiento crítico sobre las temáticas descritas anteriormente.
– Promover y difundir la danza contemporánea y su combinación con otras disciplinas artísticas, además utilizar ésta como una herramienta social.
– Trabajar la idea que venimos comentado durante este año para darle más forma a nuestro proyecto.
– Afianzar la idea de igualdad de género en la danza contemporánea así como en todas las artes. Testear. Compartir con el espectador para recibir e integrar opiniones e impresiones.
Ricardo Buscarini (31 Certamen Coreográfico de Madrid) (2-14 julio 2018)
«EYELANDS-LA GOMERA»
Eyelands es el título de mi proyecto itinerante dedicado a las islas y sus propia cultura.
El juego de palabras entre “i” (yo) y “eye” (ojo) y “lands” (tierra) tiene la intención de sugerir un trabajo sobre la identidad y el aislamiento con una especial observación, como un estudio profundo, científico. En cada isla mi intención es reflexionar sobre una característica específica a ese lugar directamente con sus habitantes para crear una pieza a través de la colaboración de participantes locales.
La residencia en el Centro Coreográfico de La Gomera es el primer capítulo del proyecto.
Mi curiosidad inicial era trabajar sobre el silbo gomero y el movimiento de cada persona como lenguajes que pueden ser compartidos, códigos que generan una red y definen una comunidad. He conocido algunos habitantes de la isla -un antropólogo, alguno expertos y muchos otros- he hablado con ellos para saber más sobre el silbo, su orígenes, su función y su significado. He observado la isla, un lugar que con sus montañas y barrancos, no parece fácil para nada.
He descubierto que las características del silbo que me fascinan más son su funcionalidad de extender la comunicación en un lugar hostil al movimiento y su fragilidad en ser un lenguaje que está desapareciendo como muchas otra tradiciones del mundo rural. Por un lado, este idioma tiene que ver con la extensión en el espacio, por el otro, su uso hoy tiene que ver con la extensión en el tiempo. Imagino la frecuencia del silbo como un elástico entre “aquí” y “ahí” y entre el pasado y el presente.
A través de esta residencia he observado que los isleños a menudo tienen la tendencia a conservar sus tradiciones y a contemplar la belleza de sus raíces con orgullo, dignidad y nostalgia. He descubierto que Eyelands es un proyecto sobre el valor de la pertenencia a un lugar y he podido comprobar una vez más el poder sin limites del movimiento de conectar identidades diferentes. Me voy de esta isla con muchas preguntas más que respuestas. Significa que este tiempo ha sido útil y inspirador.
La presentación final es un estudio de movimiento que se inspira a la imagen de un coro. Christel, Daniela, Manuel y yo, cuatro personas de edad, origen, cultura diferente juntas por estar aquí, formamos un conjunto de cuerpos que se encuentran, se afinan y se entrelazan a poco a poco formando una comunidad. En un espacio predefinido que dicta órdenes como si estuviera representando esta isla, el público es testigo y protagonista de la negociación entre los cuerpos.
Muchas gracias a José, Kico, Isidro, Eugénio, Martín, Gregory, María, Estefanía, Christel, Daniela, Manuel, Centro Coreográfico de La Gomera y a Paso a 2 Certamen Coreográfico de Madrid por el apoyo a mis reflexiones.
La segunda tapa de Eyelands será en Malta desde el 16 hasta el 28 de septiembre 2018 en el contexto de la University of Malta.
Tracy Wong Choi Si y Mao Wei (22Masdanza) (18-30 junio 2018)
Supported by the Arts Development Fund of the Home Affairs Bureau, the Government of the Hong Kong Special Administrative Region.
«PARDON»
En este proyecto de investigación, se define por dos partes, que son independientes pero tienen indivisible relación.
Investigación corporal: Nos enfocamos principalmente en la excavación de la esencia y la humanidad. Volver al cuerpo humano normal en sí mismo, buscando el movimiento orgánico del cuerpo, la razón por la cual y cómo nos movemos. En nuestra investigación de movimiento, no hay especificaciones y sistemas fijos, queremos que el movimiento natural suceda por sí mismo.
En nuestra práctica, nos pondremos en el verdadero estado emocional, para tratar de comprender cómo se refleja el cuerpo a través de nuestra emoción, y cuál es la «real» reacción (movimiento) de nuestro cuerpo. Para analizar por qué y cómo vemos un movimiento como un «movimiento real» en lugar de un movimiento. Investigación de coreografía: Basándonos en nuestra propia experiencia de vida, siempre vigilamos el movimiento actual, nos preguntamos por qué nos influyen las cosas o las noticias que ocurren en nuestra sociedad. Seguiremos grabando y recordando 
todos esos Fragmentos de recuerdos. La razón por la que enfatizamos «Real» es porque nos gustaría compartir los pensamientos en nuestra mente con todas esas personas (audiencia) que se cruzan en nuestra vida, para recordarles su propia experiencia y darles un espacio para repensar, es importante para nosotros que nos volvemos «Uno» cuando ven que bailamos, «Uno» significa que no ven una actuación como un «público», sino que significa que están viviendo en el mismo movimiento con nosotros, para sentir lo que sentimos pero relacionado con sus recuerdos y experiencias, para oler y respirar juntos con nosotros. Una investigación de lo que es «audiencia», «actuación», «danza», «movimiento» y «mover».
Fyrial Rousselbin Bohere (4-18 junio 2018)
«OIKOLOGÍA»
El punto de partida del proyecto es la sensación de plenitud que me da tomar el tiempo de observar lugares. La posibilidad de mirar las vibraciones que comunican alrededor nuestro me hizo querer intentar expresarlas en movimiento, entregarlas y ver qué pasa. Aquí he visto, sentido, escuchado, preguntado, escrito, dibujado y el movimiento es el hilo que traduce y junta. Presento un pequeño experimento de improvisación, de varias energías del movimiento y diferentes lugares en el cuerpo que he explorado en esta residencia.
La idea es de devolver una experiencia y de hacer de esta devolución “en directo” otra experiencia de intercambio y de entrega. Hablar de lo que se ve, de quién lo ve y quién recibe pero también de quien es quien entre público y performer.
En el futuro, este proceso que se desarrolló aquí se haría proyecto itinerante, yendo de pueblo en pueblo para bailar cada lugar ofreciéndome, ofreciendo mi consciencia de cuerpo componente de un amplío tejido de mil y un colores que a la vez soy, y somos.
Oikos en griego es la casa y el logos el entendimiento.
Ana Rosa Manzanero Serran (Conservatorio Superior de Danza de Valencia) (14-27 mayo 2018)
«CHANCER»
Chancer es un título que aparece al sumar dos palabras, la primera palabra es «chance», una palabra inglesa que significa oportunidad, y la segunda palabra es «cáncer». Juntos aparece Chancer, una palabra inventada que me interesa por la confusión que produce, donde la oportunidad, o chance, y el cáncer parecen estar enlazados o unidos como un hecho natural, llegando hasta el punto de ser normal.
Este proyecto acoge la idea de transformar el cáncer en un acto performativo, unida a la reflexión sobre la constancia y la prosperidad que está cogiendo esta enfermedad en nuestra sociedad. Durante la residencia se explora el cáncer de manera artística como un sistema que crece, se desarrolla y que no termina de existir. Este sistema lo corpoeriza y experimenta un personaje, llamado Chancer, que durante su desarrollo se encuentra en un juego de control y poder hasta el punto de querer abandonar el juego.
Este proyecto está en sus inicios, abierto a la transformación y en proceso de creación. En la muestra compartiré pinceladas de lo que ha ido saliendo durante la residencia, una posible estructura hallada, cualidades de movimiento y un personaje que se va descubriendo cada vez más con la improvisación.
De forma breve, me gustaría decir que antes de la residencia, inicié una búsqueda de información y documentación en relación a la continuidad del cáncer y su cura, lo cual me dio a entender que hay un desinterés por eliminarla por el poder económico que produce, y que existe una red de manipulación y corrupción que está a favor del cáncer.
Nazaret Oliva y José Contreras (Premiados en el 27º Certamen de Coreografía de Danza Española y Flamenco (4-14 abril 2018)
«TIME-LAPSE»
El proceso creativo que estamos llevando a cabo es la ampliación de una pieza ya estrenada en el «26 Certamen Coreográfico de Danza Española y Flamenco» de Madrid y con la que pretendíamos plasmar una pequeña parte del desarrollo del baile flamenco a lo largo del tiempo, así como aventurarnos a soñar con su futuro…en tan sólo en 15 minutos. Incluimos entonces y a grandes rasgos el paso del flamenco por los cafés cantantes, jugamos con la falta de gravedad en el cuerpo y desarrollamos algunas de las tendencias del panorama flamenco actual.
Gracias a la investigación que estamos llevando a cabo aquí en el Centro Coreográfico de La Gomera, estamos ahondando en las raíces de la danza española, incluyendo el folclore andaluz o los bailes preflamencos, así como la progresiva tecnificación y codificación de los palos y movimientos propios de esta rama de la danza. También hemos hecho lo propio con las tendencias actuales (como la improvisación o la influencia del jazz) y con las que podrían ser en un futuro, imaginando mucho más allá.
Por otro lado, estamos teniendo la oportunidad de estudiar más a fondo el movimiento, analizando cómo nace y por qué. Nuestra propuesta para ello ha sido el trabajo conjunto con José Contreras, profesional de la fotografía, que está captando todo el proceso creativo, tanto para documentarlo como para desarrollarse artísticamente.
David Phiphak y Berenise Dupuis (12-25 marzo 2018)
«ZONAS DE CONFLUENCIA»
El trabajo de investigación que estamos restaurando gira en torno a una reflexión sobre nuestro primer baile: Breakdance.
Compagnie Circul’R –
Chorégraphes & Interprètes : Bérénice DUPUIS et David PHIPHAK – Compositeur : Loïc GHANEM – Création lumière : Guillaume GIRAUDO – Dans le cadre du Festival Désolé Maman – Production Garde Robe – A Main d’oeuvres à Saint Ouen – Le 11 mars 2017 – Photo : Benoîte FANTON
Las características esenciales de este baile se ponen en cuestión en la búsqueda de nuevas sensaciones:
Hacemos un trabajo para alargar el espacio y el tiempo de este baile, a veces reemplazamos la energía explosiva y rápida que lo caracteriza por una suavidad paciente o nuevas cualidades
de movimientos, preferimos trabajar en las declinaciones de pequeñas transiciones sutiles en lugar de solo en las hazañas acrobáticas que lo hacen famoso.
El objetivo de nuestro lenguaje coreográfico es utilizar el espacio escénico para viajar libremente y ampliar el movimiento a nivel de los ojos y luego vivir hasta el final.
Pero, sobre todo, nuestro trabajo en conjunto nos ha llevado a revisar una danza individualista que requiere trabajar en sus sensaciones privadas, un trabajo por descubrir, un trabajo para distinguirse, un trabajo para bailar solo.
En esta restitución, nos gustaría compartir con usted los arreglos hechos para encontrar una base común con el único lenguaje de sensaciones.
Viajamos en este dúo temporal, lugares y momentos de correspondencia, zonas y trayectoria de convergencia, correlaciones e interferencias en un juego con diferentes grados de fuerzas, influencias, repulsiones y atracciones.
Nuestro trabajo es sobre todo un trabajo de escucha, que requiere un alto grado de presencia para el otro, presencia que cada vez es más rara en la actualidad.
Nuestro dúo también explora esta comunión instantánea de cuerpos, intenciones y sensaciones que siempre resalta el gran vacío en nuestro entendimiento mutuo basado en el lenguaje.
Roberto Torres, Paula Quintana, Paloma Hurtado y Daniel Morales (Compañía Nómada) (5-11 febrero 2018)
“DULCES BESTIAS”
El hombre se viste con tributos animales para trascender su condición de hombre. Mis ganas de volar me dan ganas de ser pájaro, poder ver en la noche los misterios que escondo, algo que voy perdiendo como ser, lejos de la naturaleza a la que pertenezco y de la cual cada día estoy más ajeno.
Me reconozco en los dientes de carnívoros que arrancan la carne de otros en mi venganza y mi odio.
Me reconozco en otras bestias que con uñas, garras o cuernos se defienden cuando como víctima me siento acorralado.
Nuestros animales, esos que hemos soñado, que nos han atraído o rechazado forman parte de mi ser imaginario.
He imaginado alcanzar altas cimas solo o acompañado.
Imaginarme ser uno de ellos ha hecho que haya deseado algo se su alma para conocerme, reconocerme y aceptarme. Hoy vivo en una jungla de ruidos y asfalto, en un mundo de encuentros y desencuentros, desencuentros con otras dulces bestias, añorando un aire limpio, un cielo repleto de estrellas y olor a tierra que me despierte los sentidos y me devuelva a la naturaleza a la que pertenezco y renuncio a ella como dueño. Desnudo, sin disfraz de hombre mi animal despierta.
Ana Sagrera y Carla López ( Colectivo KA) ( 8-20 enero 2018)
«Que no te he dicho»
Habla de la estrecha línea que separa una relación materno-filial sana y una relación de sobreprotección, un concepto que queda en entredicho por medio de situaciones familiares cotidianas.
Es una pieza de danza contemporánea con toques de teatro que empieza de manera reflexiva. Ponemos en escena las dudas de una madre primeriza presentando el personaje y escuchando una voz en off recitando un texto claro y directo.
Una pieza que propone dos personajes enmarcados en una atmósfera infantil. Una atmósfera que engloba un viaje a través de la imaginación de la pequeña yger a un hijo? ¿Puede tal acto conllevar secuelas durante la madurez del mismo? ¿Hablamosde un acto voluntario o de una reacción instintiva fruto del amor materno? la vivencia del miedo de la progenitora.
El Centro coreográfico nos ha ofrecido un espacio de reflexión y dedicación a tiempo total.
Que no te he dicho es una pieza que ha requerido des del inicio una visión amplia de las relaciones parentales y una visión especifica de los roles de cada personaje, lo que implica un trabajo más allá del movimiento. La organización del tiempo ha estado la clave para generar la pieza. Cada día ha ido dirigido al trabajo de una parte de esta, lo cual nos ha permitido
entrar dentro de cada escena y investigar que era aquello que queríamos transmitir.
¿Qué significado connota el papel de burbujas a lo largo de la pieza? ¿Qué hay de la luz encendida dentro de la cabaña? El deseo de hacer llegar el mensaje con claridad al público, nos ha inspirado a desarrollar un lenguaje no solo corporal, sino también simbólico.
Hemos trabajado en generar una atmósfera casera, una relación cercana y a la vez excesiva, entre una madre primeriza que cría sola a su hija y una niña con una desarrollada capacidad imaginativa.
¿Es moralmente correcto sobreprote“Hay quién dice que traer una vida a este mundo es el mayor acto de egoísmo que una persona pueda cometer. Quizá sea cierto, pero estarás de acuerdo conmigo que también es el acto más desinteresado del que la humanidad ha sido, es y será capaz en toda su historia. Es cierto, el mundo puede llegar a resultar un lugar muy cruel, enorme y aterrador, tan inmensamente lleno de posibilidades, tan abrumador y tan solitario a veces.”
Que no te he dicho es un proyecto construido en base a distintas colaboraciones, de las cuales podemos destacar; El texto escrito por Ana Villar Domingo y la música creada por Martha Wood.
RESIDENCIAS ARTÍSTICAS
2017
Alma Martínez, Alicia Botía y Lucía Jaén (Colectivo Lloc Incert) (2- 14 enero 2017) Arthur Bernard Bazin (20 febrero- 5 marzo 2017) Naïma Marilyn Mazic , Ruben Martinez Orio , Margaux Marielle-Tréhouar y Lola Drubigny (3- 15 abril 2017) Natalia Navarro y Carlos Ayuso (17-28 abril) Clara Pampyn y Alberto Alonso (8- 20 mayo 2017) Adonis Neibe (29 abril- 4 mayo) Esther Tablas (26 junio- 8 julio 2017) Alejandro Molinero, Nazareth Martínez y Cristel Muñóz (3- 18 septiembre 2017) Nadia Pesarrodona y Mireia Piñol (18- 30 septiembre 2017) Julia Nicolau (9- 22 octubre 2017) Vanesa Aibar (30 octubre-11 noviembre ) Piergiorgio Milano y Florent Hamon (29 noviembre-6 diciembre) Laura Marrero y Carmen Macías (12- 23 diciembre)
Laura Marrero y Carmen Macías (12- 23 diciembre)
“Irreverente”
La irreverencia se presenta como una parada, en este caso, una “falta de reverencia” hacia la realización de acciones incesantes, inconscientes o una “falta de respeto” (Etimológicamente: “esa cosa del pecho”) hacia el hacer por hacer sin reflexión, y sobre todo, sin sensación.
Durante la Residencia Artística en el Centro Coreográfico de La Gomera, hemos experimentado, reflexionado y cuestionado qué es esto del silencio: ¿un valor?, ¿un estado?, ¿una sensación?, ¿una emoción?, ¿hay alguna parte del cuerpo que acoja este silencio?, ¿y el silencio con el espacio?, ¿la velocidad?
Así cada día nos hemos entrenado en un cuerpo que se posiciona en este lugar a través de un entrenamiento en el que intentamos que toda nuestra atención-tensión se coloque en lo que “estamos haciendo”. Para ello, usar el movimiento, el tiempo, la respiración y la velocidad hacia la acción que realizamos.
¿Cómo nos afectan como intérpretes otros factores y puntos de vista a la hora de investigar sobre este hecho en la escena?, por ejemplo, ¿cómo respiramos?, ¿qué miramos?, ¿cuál es la luz, qué color tiene el silencio?, etc.
Finalmente esta residencia, ha sido un tiempo y un espacio para investigar y poner en práctica este lugar, que es el silencio. “Irreverente” es una pieza escénica, que se presentará también junto a un taller impartido por nosotras, donde podamos compartir y seguir profundizando en herramientas como el cuerpo, el tiempo y el espacio, en escena y fuera de ella.
“Es tiempo de silencio, para cambiar la mirada y percibir la sensación, para agarrar el tiempo y vaciar los espacios. Un momento de exploración en el que los cuerpos se dejan cautivar por el silencio, como un estado de irreverencia para el cuestionamiento y la búsqueda”
Piergiorgio Milano y Florent Hamon (29 noviembre-6 diciembre)
» A GOOD TITLE»
Para esta residencia hemos partido del libro “Gramática de la Fantasía” de Gianni Rodari. Se trata de una selección de procedimientos para inventar, historiar, cuentos y juegos de imaginación y también de una reflexión sobre la naturaleza además del papel y de la repercusión pedagógica de la imaginación.
Este libro constituye una obra esencial para todos aquellos que se interesen a los procesos de la imaginación.
El foco de esta residencia ha sido crear una metodología de trabajo que pueda acercar la reflexión previa a la creación artística y la puesta en práctica de esta creación.
Hemos atravesado varios conceptos como por ejemplo la idea de binomio o de prefijo fantástico, del error creativo y de la utilidad de un punto de vista poético de la escritura previo al trabajo de escenario. La presentación en esta muestra pública es un conjunto de experiencias sucedidas en esta residencia.
Vanesa Aibar (30 octubre-11 noviembre )
Premiada en el 26º Certamen de Coreografía de Danza Española y Flamenco
«LA DAMA DE BLANCO»
La Dama de Blanco es un trabajo en proceso que nace como eco de la pieza Mujer en Azul, aquella, que me sirvió a modo de ensalmo me hizo cuestionarme sobre las pasiones del alma y cómo las vivencia la mujer que estoy siendo, la danza como rito, la transformación, lo sagrado.
Así como una de esas danzas cantadas gomeras cuyo tambor hace de canal hacia regiones de irracionalidad, es ésta una búsqueda de lo atávico, de la dama de blanco.
Julia Nicolau (9- 22 octubre 2017)
«DESAPARECER EN TRES ACTOS»
“Desaparecer en tres actos” es el resultado final de un proceso exploratorio sobre la desaparición del cuerpo a través del movimiento.
A raíz de mi propia necesidad de desaparecer (que me llevó a mudarme de España a Inglaterra, de Inglaterra a Francia, y más tarde de Francia a EE.UU) comencé a dar forma a una partitura corporal y textual, ambas inspiradas también por la sonoridad de las distintas lenguas en las que tuve ocasión de desarrollarme. Es por ello que la pieza final, con respecto a la dramaturgia de las palabras, está construida en diferentes idiomas como son el español, el francés y el inglés. Así mismo, “Desaparecer en tres actos” se sustenta en tres conceptos que, a mi entender, me acercan a esta des-subjetivación, a este silencio y a la desaparición. El primero es la espera: aquella espera que nos conduce al tedio, a lo que se estanca y redunda. El segundo es La ausencia de lo otro; el vacío provocado por alguien o algo que desaparece, y la sensación de vacío repentina, incluso cuando no sabemos exactamente qué es lo que ya no está.
Y por último, La felicidad; inspirada por los momentos de mi vida en los que experimenté el éxtasis y pude por fin atisbar la verdadera desaparición.
“Desaparecer en tres actos” es solo un momento en el que mis pies dejan de tocar la tierra y casi puedo sentir que vuelo.
Nadia Pesarrodona y Mireia Piñol (18- 30 septiembre 2017)
«ANIMUS BOX»
Cuando el miedo nos domina, nuestro corazón se desboca, nuestro cuerpo se tensa y nuestro cerebro deja de funcionar. En ese momento sentimos que nuestra vida peligra y atacamos, nos aislamos o huimos. Es unos de los sentimientos más primitivos que existen; existen miedos innatos, relacionados con nuestra supervivencia y miedos adquiridos, que condicionan nuestra vida. Ninguno de estos miedos nos permite reaccionar racionalmente y pueden incluso llegar a ser incontrolables alejándonos de nuestra esencia y del mundo que nos rodea. ¿Somos esclavos de nuestros miedos?
Os presentamos una pequeña muestra de nuestro proceso de creación donde hemos estamos realizando una investigación de fusión entre la danza contemporánea y el contact, las artes marciales, algunos estilos urbanos, acrobacias/movimiento acrobático, teatro físico, técnica de clown y marionetas.
Alejandro Molinero, Nazareth Martínez y Cristel Muñóz (3- 18 septiembre 2017)
“ADM”
Esta vez tengo el deseo de investigar mis posibilidades como coreógrafo y bailarín en “casi” solitario, y, preguntándome porqué bailo, creo que la respuesta debe estar en mi ADN.
El ADN es la información más primaria que puede ofrecer un ser humano de sí mismo y yo no imagino mi existencia sin danzar, por eso bajo mi forma de entender la escena y traduciendo al igual que el ADN la información del ser humano, el objetivo es buscar una visión contemporánea de la Danza Española aunando tradición y vanguardia.
ADN es el resultado de la investigación del coreógrafo como bailarín, de las posibilidades artísticas de la Danza Española sin dejar de serlo y de demostrar de una manera diferente los múltiples factores que componen el SER de un artista y lo diferencian de los demás.
Esther Tablas (26 junio- 8 julio 2017)
NORA
Nora, vive en una cárcel forjada por ella misma. Una cárcel con forma de muñeca rusa, una muñeca dentro de otra muñeca y ésta, a su vez dentro de otra. La cárcel de la auto-represión, la cárcel del “qué dirán”, la cárcel física de su casa donde transcurre toda su transformación, y el propio espacio escénico que es otra caja estanca que contiene todo lo demás. Nora, no es libre, ni desea la libertad, se ve avocada a ella, al tener que enfrentarse a las consecuencias de sus actos, bienintencionados, pero ilegales. Esta mujer cosificada, va descubriendo en el transcurso de la trama, su propia personalidad mediante una lucha interna entre lo que piensa que es bueno y la norma establecida. La tensión va a más hasta que se desencadena en ella una ruptura total con todo el mundo que la rodea.
Mediante un profundo análisis y estudio del personaje voy a buscar la relación que tiene la personalidad de Nora con el movimiento y el espacio. La resultante de esta investigación es dotarla de una calidad de movimiento y utilización del espacio propia y con este material construir las coreografías, escenas, que cuenten su transformación psicológica. Es mi intención asociar esta evolución de Nora a los distintos estilos de la Danza Española desde el más académico y clásico hasta el que permite el movimiento más libre, flamenco – contemporáneo. Todo esto en estrecha colaboración con el guitarrista y compositor Josete Ordoñez, y el director de escena Antonio C. Guijosa.
Clara Pampyn (8- 20 mayo 2017)
(premiada en el 30 Certamen Coreográfico de Madrid)
«CONCIERTO»
Laimperfecta. Clara Pampyn
Todo empezó siendo un propuesta teórica que venía de mi observación y fascinación sobre cómo el sonido atraviesa los espacios y desde la pregunta ¿mi cuerpo podría extenderse así también? Lo pensaba como un trabajo sobre la presencia del cuerpo y de la voz, tratada como extensión y como herramienta para llegar a donde el cuerpo no puede.
Durante este tiempo he tratado de desentrañar qué es que quiero contar yo realmente y por qué esta idea de extender o de llenar un espacio me resulta tan atractiva.
Paralelamente he estado investigando sobre algunas músicas floklóricas hasta llegar al blues americano y a las músicas de trabajo, que nacieron como forma de defender su lugar en el mundo.
Y entonces pensé: Ésta no es más que mi particular manera de decir lo mismo.
“ ¡Vamos, somos valiosos para este mundo!”
Natalia Navarro Mir y Carlos Ayuso Márquez (17-28 abril)
“MÉTODO DAMU”
Se considera que existe una laguna entre la danza y la música que impide intercambiar ideas de manera directa y espontánea. Es por esto por lo que se decide crear un vocabulario que permita la comunicación entre los distintos intérpretes de una pieza improvisada sin la necesidad de crear para cada obra un código específico.
La intención del proyecto es la creación de una obra basada en la improvisación, que parta del vocabulario desarrollado para el intercambio de ideas entre percusión y danza. Se representarán distintas situaciones, dinámicas y pautas de movimiento para poder mostrar la amplitud del campo a tratar.
El objetivo principal de este proyecto es el desarrollo de un lenguaje suficiente para que la comunicación entre un bailarín y un baterista sea fluida y espontánea, atendiendo a las pautas habituales de comunicación; emisor, receptor, mensaje y medio; siendo el emisor y el receptor los intérpretes indistintamente. El mensaje será algo variante y el medio será un vocabulario diseñado para ser comunicado mediante ritmo, sonido y movimiento.
Este proyecto se considera la primera fase de una investigación que, en fases posteriores, se procuraría ampliar a más instrumentos, introduciendo conceptos como armonía y melodía. Esta investigación pretende alcanzar un nuevo método de creación entre ambas disciplinas.
Naima Mazic, Rubén Orio, Lola Drubigny y Magaux Marielle-Tréhouart (3 – 15 abril 2017)
“ABIERTA”
Abierta es un ecosistema donde diferentes organismos coexisten en un mismo espacio. Tres disciplinas artísticas actuando como entes vivos hace que cada una de ellas se re invente en su mismo ser, creando un ecosistema único en cada representación.
Abierta se inspira en el lugar de búsqueda y creación. Al ser La Gomera uno de estos lugares, y el silbo una particularidad única de la isla, este se convierte en el común denominador de lo relativo al sonido, al movimiento y a lo plástico/visual. El Silbo, como cualquier otra lengua, articulas sus bases en el entendimiento, en el transvase de significado, emisor/receptor. Esta es la base para la interacción de las diferentes disciplinas artísticas.
Abierta representa el silbo no solo como una expresión semántica, sino sonora también. Lo transforma en un fenómeno físico acústico, utilizando música electrónica como una deshumanización del gesto musical que mana de un ordenador: tonos y frecuencias puras que vibran, oscilan y friccionan. Tres características que abordan también video y movimiento. Cuando la música electrónica esconde su fuente de sonido, el video recoge esta falta de representación y la danza construye polirrítmias visibles creadas por dos frecuencias próximas al unísono.
Abierta se inspira en la fuente oculta. La danza niega visualmente la fuente del silbido, los labios, descubriendo así nuevos tipos de movimientos y cualidades corporales, en una difícil visibilidad de 360º. El video interpreta el sonido como una partitura viva, la imagen esconde y revela al mismo tiempo sus gestos musicales, haciendo que la percepción visual juegue entre paisajes y primeros planos.
Abierta transforma los elementos como si de una mutación biológica se tratara, una necesidad de pregunta/respuesta entre intérpretes y audiencia.
Naïma-Marilyn Mazic – Ruben Martinez Orio – Margaux Marielle-Tréhouar – Lola Drubigny
Arthur Bernard Bazin (20 febrero- 5 marzo 2017)
“FAÇASUA”
El ser humano es una isla en un océano de siete mil millones de personas. Existe como emergido de un seísmo submarino, anclado unos segundos a los abismos por el cordón umbilical. El trauma de esta experiencia no caduca. Si la mujer lo sobrelleva parcialmente volviéndose madre, el hombre queda sin consuelo.
Cada uno de nosotros es una isla porque está aislado. Cuando se sufre, se sufre solo. Podemos pertenecer a una colectividad, pero nadie sabrá rebajar el disgusto y la amargura. ¿Podrá jamás entender el sentido del aislamiento cualquiera que no ha nacido en una isla? …esta sensación de no poder cruzar porque el mar es demasiado bravo.
Es cierto : helicópteros y ferris han hecho puentes, y parece que el aislamiento quedo relegado a una edad pasada. Sin embargo, todavía existen “líneas no rentables” e islas desconectadas (al menos durante los meses de invierno).
Del mismo modo, a pesar de los medios modernos de comunicación y las terapias, seguimos inexorablemente solos, frentes a un océano indomesticado, sujetos a las fluctuaciones meteorológicas de los sentimientos. Cara a cara con uno mismo.
El Arte supo a veces mostrar el carácter único del hombre-isla. Gracias a este acontecimiento, podemos revisitar algunas islas que quedaron inolvidables, redescubrir su belleza y revindicar lo valioso de uno mismo, junto con André Gides : “Nathanaël, ahora deshazte de mi libro […] y crea en ti, con paciencia o impaciencia ¡ah! el más irremplazable de los seres.”
(Inspirado del texto de Vassílis Vassilikós “Island Man”)
Alma Martínez, Alicia Botia y Lucía Jaén (2- 14 enero 2017).
«Generación perdida o el delito de nacer»
Alcanzamos la edad adulta con el cambio de milenio, en plena prosperidad económica y todas nuestras necesidades cubiertas. Nos topamos con un sistema de convenciones caduco y obsoleto. La colisión es tan fuerte que nos vemos inducidos a un estado de apatía inconmensurable.
¿Qué hubiera pasado si este sistema hubiese crecido con nosotras?
¿Qué queda cuando no queda nada?
Érase una vez hace mucho tiempo cuando las mareas subieron y soplaron los vientos cuando las estrellas exhalaron espirales de fuego a traves del cielo; todos los lunáticos vieron todos los lunáticos supieron que los dos ojos de Dios se habían alineado en el cielo para darnos un pequeño dislumbre de lo divino.
Y aunque los sanos nieguen que miramos a través de los ojos de Dios y afirmen que fue un fallo neuronal o una grieta en nuestras mentes; nosotros sabemos que es verdad que compartimos la visión de algo demasiado hermoso como para ser explicado. Y eso no nos lo pueden quitar ni a ti ni a mi.
Traducción del poema ”Starry Nights” – de Paul Dalio.
RESIDENCIAS ARTÍSTICAS
2016
Paloma Hurtado,Reinaldo Ribeiro y Daniel Rosado (del 7 al 16 de enero 2016 ) Laila Tafur y Karolina Richlik ( del 15 al 27 de febrero 2016 ) María de Dueñas López e Ivana Spodniakova ( del 16 al 29 de marzo 2016 ) Valentina Campora ( del 4 al 16 de abril 2016) Janet Parra ( del 2 al 14 de mayo 2016 ) Olga Santin ( del 6 al 17 de junio 2016 ) Sandra Fernández ( del 27 de junio al 9 de julio 2016) Daniel Morales ( del 18 al 30 de junio 2016 ) Haruka Kajimoto ( del 1 al 30 de septiembre 2016 aplazado)Jochem Eederkens y Zehra Proch (del 14 al 29 de septiembre 2016) Simón Feltz (del 2 al 23 de noviembre) Julia Robert ( del 5 al 17 de diciembre 2016 aplazado) David Guerra ( del 19 al 31 de diciembre 2016 )
David Guerra y Cristian López ( del 19 al 31 de diciembre 2016 )
“NEXUS”
NEXUS, nace de la idea de la unión, que se plantea desde el gesto del abrazo de dos personas y el desarrollo en movimiento de ambas partes sin la desconexión física y sensorial, planteada como vínculo de uno con el otro.
Para realizar este proyecto el coreógrafo David Guerra trabaja junto a Cristian López, dónde a través del movimiento quiere reflexionar e indagar en este concepto del nexo común entre dos partes (abrazo) como punto de partida. Entrelazar los cuerpos conectados por las extremidades superiores, creando caminos, como si de un ritual de vaivenes se tratase, dónde cuerpo a cuerpo luchan por el poder de la fuerza y la dominación del uno sobre el otro.
El abrazo entre dos personas es algo que me llama la atención en mi día a día, tanto si los doy o si los recibo, o también si los observo como ojo externo entre otras personas ajenas o cercanas a mí. Es un acto humano que me gusta, que me llama la atención y pienso que trasciende más que del acto en sí.
Poder sentir alguna sensación física o emocional, de una persona, cuando te da un abrazo, hoy en día aún sigue siendo gratuito, pero cada vez parece que nos da más miedo acercarnos a otras personas y tener alguna sensación de aceptación o rechazo. A veces, estas sensaciones, no sabemos digerirlas bien y preferimos eludirlas antes que afrontarlas.
Simón Feltz, Adriano Coletta, Antoine Roux-Briffaud y Camille Revol (del 2 al 23 de noviembre)
«ENTRE DEUX RIVES»
En torno a la Eutanasia
¿Hasta qué punto somos dueños de nuestro propio cuerpo? ¿Cómo podemos juzgar el estado físico y emocional de una persona y decidir por ella? Sabemos que la subjetividad está presente cuando se trata de percepción, de emoción, de dolor,…
Entonces llegados a una situación de impasse, de no solución de problema que no progresa, ¿es a cada uno de elegir? ¿No queremos ser libres?
Metodología de trabajo
El proceso de creación en esta residencia ha comenzado por un trabajo de documentación sobre la Eutanasia. Seguidamente, conversaciones con los bailarines han sido necesarias para poder compartir sus sentimientos sobre este delicado tema.
Para la escritura coreográfica, los bailarines han explorado partiendo de pautas propuestas por mí y realizadas con sus propias y personales formas de aprehender, de percibir, de concebir el movimiento.
Con estas propuestas quisiera fomentar en el intérprete la posibilidad de un encuentro con él mismo.
Esta experiencia ha ido creando y dibujando poco a poco la dramaturgia y la coreografía de esta pieza. Simon Feltz
Jochem Eederkens y Zehra Proch (del 14 al 29 de septiembre 2016)
«GARA Y JONAY»
Un día empezó.
Otro día había acabado.
Todo lo que pasó entre los dos valió la pena por la belleza que un segundo puede contener.
Son los dos que saben que un segundo puede perdurar.
Dos, uno Uno, dos.
Es como el verde puede ser azul.
Daniel Morales ( del 18 al 30 de junio 2016 )
«IRM»
IRM (Imagen por Resonancia Magnética) es un escáner de muchos aspectos personales de un individuo y de cómo, casi de forma 
masoquista, asume responsabilidades (o no). Un planteamiento de los procesos de transformación del ser humano y de cómo se refleja en sus actos, su cuerpo e incluso en su forma de moverse, la información que recibe.
Sandra Fernández Blanco ( del 27 de junio al 9 de julio 2016)
«MUJER TENÍA QUE SER»
“Mujer tenía que ser” es la nueva creación de la coreógrafa e intérprete Sandra Fernández Blanco. Propuesta que surge como consecuencia de la observación artística, en el que la autora reflexiona y se cuestiona los elementos que envuelven el panorama contemporáneo actual, en relación al rol de la mujer dentro de la sociedad.
Es un laboratorio de ideas emergentes que hacen referencia a la persona y a la razón de ser de la creadora como mujer. Trata así, de proporcionar un contexto de acción, donde, en los procesos generados, la protagonista es sujeto y objeto de estudio ofreciendo una visión retrospectiva y participante.
La obra nace para cuestionar arquetipos y situar a un personaje en escena que pueda representar y vivenciar las múltiples mujeres de esta sociedad. Ella es el eje central que brinda la oportunidad de expresar y comunicar a través del movimiento. Intenta recuperar su propio proyecto de vida, pretendiendo que los espectadores reflexionen sobre la importancia del género femenino mediante el lenguaje corporal y las diferentes expresiones artísticas.
Se busca una concepción espacial y escénica sólida, plasmando y analizando en todo momento el cuerpo. Juega con el movimiento y con la escenografía, para conseguir, que la danza responda al origen del concepto y que se materialice de forma concreta, real y coherente.
Olga Santín ( del 6 al 18 de junio 2016)
«LO QUE EL CUERPO SE ACUERDA DE AQUÉL BAILE»
Es el método de trabajo, que de forma totalmente intuitiva se ha instalado durante la residencia artística en el Centro Coreográfico de La Gomera.
Estas sesiones de trabajo permiten aproximarme a lo esencial de lo que fue aquél baile “Madrigal/Seguiriya” para traerlo al momento presente.
“Lo que se acuerda el cuerpo de aquel baile” muestra un cuerpo con los ojos entre abiertos y a veces casi en ceguera, que navega bailando para reencontrarse con aquellos impulsos vivos que hicieron posible aquella danza. Y en este devenir hecho danza, se va encontrando con el ritmo de la seguiriya, la voz del madrigal y con un cuerpo-memoria que anhela ponerse en contacto con los cantos flamencos y su cualidad vibracional.
Janet Parra ( del 2 al 14 de mayo 2016)
«QUIEN NO ES, NO HA»
Este trabajo es la continuación de un proceso de investigación que estudia los estados perceptivos dentro del cuerpo. La exploración de mecanismos a desarrollarse para ampliar la capacidad perceptiva. Cómo se construye ese estado y qué recorrido espacial y temporal dibuja, cuál es su coreografía. Un sólo cuerpo, el espacio y su relación con el tiempo. ¿De qué forma fija el cuerpo el tiempo?
*Escribía el poeta William Blake que la eternidad está enamorada del trabajo del tiempo. Busquemos pues la eternidad del cuerpo en el tiempo y su imposibilidad
La percepción como herramienta de escritura del cuerpo desde dentro hacia afuera, entrar en el espacio visible e invisible.¿Cómo la fuerza se pliega sobre sí misma generando una interioridad material?
Crear tiempo en el cuerpo, dar visibilidad a lo intangible. ¿Cómo percibe un cuerpo el tiempo? ¿Cómo podemos esparcir ése cuerpo: fragmentarlo, desordenarlo, manipularlo, perderlo, reencontrarlo?
El objetivo es descubrir nuevos comportamientos, nuevas percepciones, distorsionar las imágenes ya creadas, cuestionarnos la manera que tenemos de percibirnos, observar su actividad mental. El cuerpo y la mente buscan espacios donde alojarse a cada instante.
Me pregunto cómo hacer visible aquello que no está a la vista, cómo potenciar lo que no se ve, el interior de un cuerpo. Compartir no una idea sino una mirada, expandiendo así una pregunta, generando una inquietud.
Uno de los puntos bases de este trabajo esta relacionado con la percepción, por esto ha sido inevitable que debido al «cambio de casa», al trasladar mi trabajo hasta aquí, aparecieran cosas nuevas y se reforzaran otras. Creo que me ha aportado mayor claridad acerca de lo que estoy desarrollando y la oportunidad de encontrar nuevos puntos a profundizar.
Valentina Campora y Anna Sara Fierro ( del 4 al 16 de abril 2016)
IDENTICALITY
“Our nervous system is built to enable us to
make contact with the nervous system of other human beings and it allows us to experience the other as if we were inside their very skin, giving us the opportunity to understand their own intentions and to feel in our own body what they are feeling.”
(Ammaniti, Gallese, 2014).
IDENTICALITY is a dance duo in which the theme is the study of the relationship between two people.
The performers are two women, two dancers, both Italian linked by a similar dance study path.
The concept of IDENTICALITA‟ is based on a type of meditation that aims to reach a perception of the partner and of one‟s self at the same time; we are dealing with an impossible task. Indeed, the attempt by two people, to become the same image at the same moment can catastrophically reveal the differences that always marks us as unique human beings.
I am deeply interested in the idea of showing „failure‟ on stage. I find it intriguing and leading to a potentially creative state.
I also want to challenge myself by revealing on stage:
– the tension between two people attempting to move towards a state of being identical to the other.
– the achievement of a state of empathy that leads us towards (audience and performer) being perceived as the same person.
– I want to celebrate the phenomena of the motor circuit as “not anymore mere controller and generator of movements and behaviours but as a source of understanding on a pre-conceptual and prelinguistic level of the meaning of the things of the world”.
During this week we developed further the concept of IDENTICALITA‟.
We experienced how our common past experiences of the country of provenience, Italy, and of the dance world contribute in the meditation of IDENTICALITA‟ mentioned above.
We explored the creation of possible décor elements by manipulating materials that we find in the environment we live in.
We selected some set dance material and deepened in it taking as reference the physical relationship of being moved by the other or moving the other with our movements. As in mythology Narcissus pulls himself out of his own self in order to reach the reflection he sees in the water, we explored the initiation of movements as moving out of our own self pulled by the magnetic force deriving by the other.
Con la colaboración del Instituto Italiano de Cultura de Madrid
María de Dueñas e Ivana Spodniakova ( del 16 al 29 de marzo 2016 )
“UNTITEL BODY”
La base del trabajo sería la relación Cuerpo-Voz como vehículo con el que encontrar un lenguaje para buscar una autodefinición (como mujer). La búsqueda navega entre las cuestiones ontológicas y las autobiográficas.
¿Cómo es esa voz que «libera» o «revela» y que puede renombrar el cuerpo? Qué es lo que ilustra el sonido y cómo el cuerpo está involucrado en este acontecimiento? La voz transformando el cuerpo, el cuerpo transformando la voz, en comunión con el espacio.
Con esta investigación queremos revisar y quizás organizar este viaje orgánico, la relación íntima en la coexistencia entre el cuerpo, sus manifestaciones sonoras y su «movimiento»; entendiendo aquí la voz como la manifestación del movimiento constante que significa estar vivo.
Es un trabajo que ahonada en la naturaleza del ser, de mí misma y de misma como mujer.
Nos acercamos así a explorar la voz interior trabajando con el silencio. Observamos el sonido del silencio que se manifestará a través del cuerpo, pero que ya existe, está contenido, en el espacio. La contención y liberación de estas manifestaciones, de estas energías, de estas realidades que devienen factibles a través del cuerpo.
Laila Tafur y Karolina Richlik ( del 15 al 27 de febrero 2016 )
Descripción del proyecto: La danza y la música son las formas más efímeras del arte, abstractas, más instantáneas, cuya vida real es en el momento de „hacer”. ¿Qué las une? El cuerpo: las cuerdas vocales que producen el sonido, los brazos, tronco, piernas que producen el movimiento.
Este es el primer nive
l, y este nivel lo investigamos. Pero la voz tiene sus múltiples manifestaciones – la del canto, la de la palabra, la del respiro. Y el movimiento se codifica en gestos, formas, danza, composición o estructura. Estos son los siguientes niveles, y estos niveles también investigamos. Cada una tiene su centro de interés un poco desplazado, buscamos encuentros, pero nos permitimos desencuentros, intercambiando la información, compartiendo las conclusiones.
Paloma Hurtado,Reinaldo Ribeiro y Daniel Rosado (del 7 al 16 de enero 2016 )
«LABRANZA»El desarrollo de la metodología se establecerá a través de la propia experiencia en el cultivo de la tierra, la observación de su manera de trabajar y el estudio de sus cuerpos castigados por el esfuerzo. De sus acciones extraerán la línea dramática que se establece en un lenguaje común sustentado por: tres estados: en movimiento, en cultivo y en barbecho, el ciclo necesario para una nueva cosecha, un nuevo hacer.
RESIDENCIAS ARTÍSTICAS
2015
Pepa Cases (19-30 diciembre 2015)
“PORQUE YO LO BAILO”
Porque yo lo bailo” nace de la necesidad de volver a la esencia de mi trabajo, a mis inicios donde representar un solo era un reto cada función, donde la soledad me enseñó a valorar mis herramientas y a comprenderlas. En este año 2015 y tras una producción de gran formato donde
más de 30 artistas (bailarines, actores, músicos, técnicos y diferentes especialistas) dependían de mi dirección, retomo las riendas de lo sencillo, de lo necesario, de lo íntimo, personal e intransferible.
Empecé trabajando una idea sencilla sobre los disparos, sobre lo rápido que puede morir una idea, una ilusión, un proyecto o lo rápido que alguien lo puede matar… y lo presenté en calle en un festival en Lyon (Francia) en Junio. Tras el resultado seguí trabajando e incorporando material más poético lo que me llevó a encaminar el trabajo hacia una pieza de sala. Hice un par de muestras en público y tomé decisiones sobre concepto y universo y sobre vestuario y música, consiguiendo los derechos de uno de los temas “motor” de la pieza desde sus inicios del grupo Standstill. Más tarde, presenté una versión más avanzada del solo en el Festival Sagunt a Escena en Agosto llamada “Cantar, bailar, despeinarse…” donde fusioné la danza con mi lado de cantante y de donde he rescatado la necesidad de un partener en escena y un retorno conmigo misma en el movimiento y dirección coreográfica.
Roberto Torres (7-12 diciembre 2015)
«PARA REGALO»
Para regalo es una alegoría sobre angustia y miedos, y el fin último de la felicidad. Carmen Werner es la responsable de la dirección y la coreografía de la obra, interpretada por Roberto Torres. Carmen Werner, que fue prem
io Nacional de Danza en 2007, es una de las figuras principales en la danza contemporánea española. Con Provisional Danza, Werner ha puesto en escena más de 60 coreografías desde su fundación en 1987. Roberto Torres compagina la función de bailarín y coreógrafo con la de director del Teatro Victoria de Santa Cruz, uno de los últimos espacios escénicos privados que sobreviven en Canarias.
FICHA ARTÍSTICA: Dirección y coreografía: C
armen Werner, Intérprete: Roberto Torres, Diseño de iluminación: Daniel Abreu, Producción: Compañía Nómada. Este espectáculo tiene previsto su estreno el 23 de enero de 2016 en el Teatro Leal de San Cristobal de La Laguna, Tenerife.
Jann Gallois y Rafael Smadja (16-28 noviembre 2015)
“COMPACT”
Esta residencia en el CCG nos permitió avanzar en la escritura coreográfica, la composición musical de la pieza y la búsqueda técnica. Gracias a esta residencia estamos a la mitad del proceso de creación.
Después de dos creaciones de solos “P=mg” y “Diagnostic F20.9” quise confrontarme al ejercicio de duo con el fin de explorar como, esta vez, dos pueden hacer un solo, y como de un duo puede nacer un solo.
Dirigiendo mi búsqueda en un trabajo exclusivamente físico y corporal, mi intención sobre esta creación es de limitarme solamente a una misma obligación: el contacto permanente, la obsesión del contacto, que sea real o virtual, no deja de coger espacio en la vida contemporánea, que sea por vía de los avances experienciales de los medios de comunicación o vía las redes sociales. Su evolución se hace posiblemente en detrimento de otra 
forma de contacto, el de las almas. Este contacto espiritual entre dos almas, masculina y femenina, simbolizada por un contacto físico entre dos masas, dos materias, dos cuerpos que están tan estrechamente ligados y que se separan con dificultad, se convertirá entonces en algo compacto. Tuve suerte, gracias al premio Masdanza 2014 y al premio Hiveroclites 2015 ganado con mi primera pieza “P=mg”, de beneficiarme de varias residencias de creaciones: al Centro Coreográfico de La Gomera en Canarias, al Centro Dantzagunea Guipúzkoa en Espana y al C.D.C Les Hivernales a Avignon, que me van a permitir en parte llevar hacia delante este proyecto
María de Dueñas y Carles Casallachs (14-28 octubre 2015)
“En esta residencia me propongo investigar sobre la representación de la mujer asumiendo que ésta viene determinada por unos cánones sociales, cánones estéticos o de la moda, cánones culturales.. que le vienen impuestos desde fuera. En consideración a esto emerge la necesidad de una autodefinición, cuestionando donde reside nuestra identidad. Acercándonos como consecuencia al concepto de belleza y su relación con la feminidad y con la esencia de mujer-ser humano. Para ello me propongo indagar cuál es la naturaleza de la forma y las estéticas y su relación con el cuerpo.
Al mismo tiempo propongo una exploración de la voz como aquello que emana de nuestra realidad física. ¿Convierte pues la voz a nuestro cuerpo en un instrumento-objeto como el violín o por el contrario lo manifiesta en su naturaleza orgánica?”
María de Dueñas
Raquel Gualtero (29 septiembre-7 octubre 2015)
“BRUT”
BRUT es el resultado de mas de dos años de trabajo. Estos mas de dos años, no han sido de manera continuada por lo que el proyecto a sufrido muchos cambios durante el proceso.
Considero que todos estos cambios forman parte del proyecto, aunque algunos se verán reflejados y otros no.
En perspectiva y ya casi al final de este recorrido, entiendo que este no ha sido mas que un largo proceso de investigación sobre mi propio lenguaje. Al qu
e he querido llegar a la mas “simple” de sus conclusiones.
He querido visitar el punto de partida, mi principio.
En este largo recorrido he sido acompañada por varia gente, y visitado muchos centros. Centro Coreográfico de la Gomera me apoyo en su momento, mayo 2014. Me parecía especialmente interesante volver ha pasar por la misma casa, con el proyecto ya casi en su fin. Compartir en este momento del proceso con el Centro Coreografico de la Gomera dara una vuelta esencial a la historia de este trabajo, BRUT.
Irenne Russolillo (1-13 junio 2015)
“A LOAN”
En el Centro Coreográfico de La Gomera, después de una semana de residencia, el 10 de junio voy a mostrar algunos extractos de mi nuevo trabajo A loan. Inspirado por el blanco de este Centro y el aroma del océano que lo rodea (el cual esperaba desde meses), esta obra que nació en un ambiente oscuro (aunque yo tenía el mar en mis pensamientos) encuentra aquí una nueva luz y nuevas aperturas posibles, yendo delante, hacia el estreno en Italia el 27 de junio.
A loan es una conversación con la oscuridad, las faltas y los espíritus que nos rodean . En el centro, una figura que se revela poco a poco, que explica el amor y la soledad, hurgando en su debilidad, 
representando versos de Shakespeare en préstamo, vagamente en busca de una audiencia. El espacio, la luz y el tiempo también son en préstamo al sabio mundo *, con el pasado y la realidad futura que nos está planteando preguntas; sólo mediante la manipulación de los alrededores, podemos tratar de responderlas.
Anna Calsinna Forrellad, Benoit Armange y Quentin Manfroy (13-30 abril 2015)
“OBJETIF PLUTON”
Nuestro objetivo es desarrollar una forma, mitad improvisada mitad fija, donde los diferentes elementos, tanto de danza cómo de música, actúan en interacción activándose los unos a los otros. Si bien se mantiene abierta en su desarrollo, la obra, aunque sujeta a la improvisación, será el resultado de la disposición de fórmulas coreográficas y musicales predeterminadas.
Una imagen absurda y fantasiosa viene a la mente: ¿Qué pasó con el alma de estos gatitos jugadores y maliciosos que, después de una muerte precoz, se hicieron disecar por sus amos?
Con ganas de prolongar la vida solo prolongaron la muerte. Y la vida, la de verdad, tuvo que refugiarse en el más allá para continuar su movimiento lúdico e inmutable.
¿Cómo puede esta imagen convertirse en un pretexto para el movimiento? Dos seres en un espacio vacío se regocijan en un juego cruel y complaciente. Jugar es parte de su naturaleza, así que juegan. 
Sus cuerpos son movidos por una fuerza exterior. La voluntad ha abandonado este espacio de baja gravedad. No obstante, las reminiscencias del pasado, las imágenes mentales y los gestos de una vida perdida transmutan sus almas mecánicas en movimiento engullido por un presente hipnótico, como las ruinas inscritas en un cuerpo testigo de un espacio olvidado
RESIDENCIAS ARTÍSTICAS
2014
Ares D’Angelo y Martina Martínez Barjacoba (17-30 octubre 2014)
«HIBRIDOLOGY»
La pieza “Hibridology” nace como un manual de supervivencia cotidiana ante los constantes cambios sociales y tendencias “in” y “out” de cada momento, necesidades principalmente creadas por la manipulación de los medios de comunicación.
En esta frase experimental y de estudio, hemos tomado como sujeto la búsqueda de nuestro éxito personal y en este caso hemos elegido las siguientes estratègias físicas para alcanzarlo:
Escoger un movimiento y apasionarnos hasta encontrar su perfección. Trabajar en colaboración dentro de una micro-sociedad de dos personas. Experimentar la fama dentro de nuestro cuerpo. El placer del movimiento. La exposición pública de nuestro estudio.
“De momento seguimos teniendo miedo al fracaso, pero confiamos en el contínuo desarrollo y profundización.”
Anastasia Brouzioti y Alexandros Vardaxoglou (6-20 septiembre 2014)
ADDICT
La idea de las personas adictas, el uno hacia el otro, es que nunca pueden realmente estar felices. No permiten a sí mismos dejarse al momento o el uno confiar en el otro. Están atados con una cadena que cada uno de sus círculos es un barrera personal. Todos unidos se transforman en una cadena enorme que ata a las personas juntas. Su adicción existe y depende de todo lo que hacen, cada uno de ellos es realmente un esclavo de una situación que él mismo ha creado y es raro pero sólo entre este sentimiento puede sentirse feliz y libre. Así las personas viven atadas, atrapadas en un lugar que han creado ellos mismos y no pueden salir. Son adictos de algo que realmente les hace infeliz buscando la ilusión de la felicidad y la libertad. Eso es lo que los hunde. Cada día el espacio que deja el uno por el otro es más pequeño y todo el rato juegan con los límites de este espacio. Lo que buscan es cómo poseer todo el espacio del otro. Lo extraño de todo eso es que las personas adictas son personas que sólo bajo estas circunstancias pueden existir. No se separan, no pueden estar a parte, pueden sufrir juntos solo para encontrar un pequeño momento de paz para compartir. La lucha que les hunde no para, sólo tiene momentos de luz, pero aunque sufren solo compartiendo su adición se sienten libres.
Carlota Mantecón (14-27 julio 2014)
VACIAR
Acción: Estar… (en el vacío).
¡Hola!. Me presento. Soy un cuerpo presente. Se estarán preguntado qué es eso de un cuerpo presente…
Me refiero a que mi atención está en dos sitios a la vez. Por un lado estoy atenta a mi lógica sensorial y por el otro puedo ver lo que sucede fuera, a mi alrededor.
Éste tipo de lógica se llama cinestesia. Consiste en la capacidad de sentir y percibir nuestro cuerpo por dentro.
Cualquiera de nosotros puede poner esto en práctica ahora. ¿Cómo…? Llevando la atención a nuestro cuerpo interno. Observando nuestra estructura y nuestra musculatura.
Así que aquí estoy… haciendo-nos una invitación a sentir. Ofrezco presencia y un espacio para estar. Con el único motivo de existir aquí y ahora pero juntos a ser posible.
Ester Garijo, Paula Romero y Paloma Calderón (30 junio-12 julio 2014)
«Creatura»
«Creatura» pretende ser una obra de danza contemporánea en la que se muestra la convivencia entre tres elementos distintos que buscan la armonía atravesando conflictos varios. La idea surgió al observar a la persona humana como la unión de cuerpo, mente y alma. El cuerpo se deja guiar por los instintos básicos más animales, por las necesidades primarias de una persona. La mente trata de organizar y 
entender lo que ocurre a cada instante, mientras que el alma necesita la unidad de las partes para poder ser en paz. Es cierto que no es fácil hacer una división clara de las características de cada parte, pues la persona en su complejidad se ve afectada en cuerpo, mente y alma con cada acción o acontecimiento que le sucede.Durante estos días de residencia artística, hemos podido hacer un trabajo de investigación más profundo y detallado de cada personaje y hemos podido establecer las relaciones espaciales y rítmicas que definían tanto a los personajes como a sus conflictos. Hubo un trabajo previo, basado en improvisaciones en las cuales tratábamos de encontrar conflictos entre los personajes, y en las que también definíamos los caracteres de cada una. Esta pieza es una obra todavía en proceso. Se ha trabajado mayoritariamente en el movimiento del bailarín y en el espacio, pero quedan por explorar ciertos elementos más en profundidad.
Creación: Ester Garijo Cortés
Acción: Ester Garijo Cortés, Paula Romero Raga y Paloma Calderón Gambín
Raquel Gualtero y Louise Michel Jackson (19-31 mayo)
«no land(e)scape»
no land[e]scape; esperanzas e ilusiones de un nuevo cobijo. Éste proyecto quiere ser una mezcla “imposible” entre un escenario postapocalíptico, lleno de fantasía y sentido del humor, y un lugar para la esperanza. Nos acercaremos al drama del desarraigo, al que nos ha llevado la sociedad actual, en el que la soledad, la indefensión y el vacío, aparecen como sus principales señas y rasgos de identidad.
Álvaro Frutos, Cipriano López y Lucía Vázquez (14-27 abril 2014)
«MIRRA»
La mirra es una resina olorosa procedente de un árbol del medio oriente. Cuando brota del tronco presenta un color amarillo, y al oxidarse se vuelve de color rojizo, lista para quemarse y ser usada como perfume (antiguamente en embalsamamientos, en contextos eróticos, rituales…). Si por algo es famosa es por ser uno de los regalos que los reyes magos de Oriente ofrecieron al niño Jesús en Belén. Sin embargo, además de ser el tercer y último presente, poco se conoce su simbología: la de la naturaleza humana, remarcando el sufrimiento y la amargura. A partir de ahí nos proponemos iniciar un proceso de investigación hacia nuestra condición 
mortal, tomando como punto de partida el olor de la mirra y sus connotaciones. En ese viaje nos enfrentamos a nuestro pasado, a nuestros recuerdos, a nuestro espacio vital, como humanos eternamente en un tercer puesto. La espiral, el espacio vital a cuestas, la última posición, la resina derretida… nos acercan al caracol como un mundo de posibilidades corporales sobre las que indagar y construir nuestra alegoría.
Iraya Noble y Lukasz Bernacki (1-15 febrero 2014)
“IMPERMANENCE”
La impermanencia es uno de los temas centrales del budismo, el cual nos enseña cómo responder más sabiamente al cambio.
El cambio es inevitable y sin embargo podemos reaccionar frente a él de diferentes formas. Para algunos puede ser aterrador, intimidante o triste. Para otros excitante y alegre. Para otros ambos. Algunas veces aceptamos el cambio y otras nos resistimos a él.
Muchas veces nos resistimos al cambio porque lo que idealizamos en nuestra mente no siempre es lo que tenemos frente a nosotros. Aceptar la realidad es como recibir una bofetada en la cara. Significa aceptar que perdemos algo y renunciar a lo que tanto nos aferramos.
Pero perder también significa crear espacio para que cosas nuevas sucedan. Cuanto antes aceptamos el cambio antes dejaremos que nuevas cosas llenen nuestra vida.
‘Impermanence’ es una pieza de danza teatral que busca la exploración del proceso de cambio o en otras palabras del proceso de “dejar ir” cosas, personas, pensamientos o emociones a las que nos aferramos, y de las reacciones y cambios emocionales que éstos pueden producir en nosotros (ira, miedo, pánico, ansiedad, alivio, libertad, pena).
Mi objetivo es encontrar diferentes cualidades físicas que permitan mi “viaje” a través estos estados de ánimo, mediante el movimiento.
Esta muestra es resultado de dos semanas de residencia en el CCG en la cual he querido profundizar en las ideas que crearon la pieza original, así como replantearme ciertas cuestiones e incluir nuevos elementos tanto coreográficos como visuales.
Manuel Paredes, Chussa Alcaráz Sánchez, Juan Bernardo Pineda Pérez y Mireia Sobrevela (13-26 enero 2014)
“CONTRASTE”
La obra Contraste surge como resultado de la confluencia de varios factores aparentemente contradictorios. Por un lado, reune a 4 bailarines con una formación, estilos e intereses bien diferentes: Chussa Alcaràz (Murcia), Mireia Sobrevela (València), Juan Bernardo Pineda (Dénia) y Manuel Paredes (València) y, por otro lado, se basa en la propuesta compositiva de Manuel Paredes que pretende combinar dos conceptos coreográficos antagónicos: la emocinesis y la sensomoción. La emocinesis pretende demostrarnos cómo el simple movimiento basado en saltos, lanzamientos, caídas, rebotes, acogidas, empujones, rodadas, etc transmite y provoca al espectador una emoción. La sensomoción, por su parte, pretende demostrar que existe una inteligencia sutil que se manifiesta a través del movimiento corporal solo cuando la mente consciente cesa en su afán de control y se rinde y abandona a la mera escucha y observación corporales.
Así pues, Contraste es un experimento coreográfico que combina en una sola pieza diferentes extremos del movimiento corporal. Por un lado, nos ofrece un contraste entre estilos personales de danzas diferentes pero también un contraste entre propuestas coreográficas que navegan desde el movimiento prefijado sin intención argumental al movimiento improvisado que nace de las sensaciones.
RESIDENCIAS ARTÍSTICAS
2013
Nina Kov y Catarina Carvalho (2-14 diciembre 2013)
“VUONG 10 “
Es un ejercicio que estudia la resiliencia y el deseo por el contacto físico en la edad digital.
Es un dúo inspirado por la música que explora los métodos de transformación de análogo digital como un proceso de creación del lenguaje coreográfico de la pieza.
Originalmente es una pieza de ocho minutos compuesta de dos partes: una coreografía por MJ Harper y otra por Nina Kov y Catarina Carvalho. Hemos desarrollado esta ìeza en un programa más largo que haremos durante varias residencias.
Vuong 10 tiene la particularidad de presentarse con músicos en vivo porque la pieza está inspirada en una partitura de Leafcutter John y de Aurora Orchestra Max Baillie.
Vuong 10 es tanto un concierto bailado como una pieza de Danza con acompañamiento en vivo.
Laila Tafur (11-24 noviembre 2013)
“SUSOBRAS “
Lo que hoy está en el centro puede mañana ir a la periferia y al contrario, lo que va abajo ir arriba y lo que está dentro acabar fuera y viceversa. SUSOBRAS reflexiona sobre esto, qué queda en una pieza (entendida como resultado final, como producto) y qué no. ¿Por qué elegir una forma y desechar otra? ¿Es la forma lo que se elige? Si no ¿qué es lo que se elige? ¿Cómo identificarlo, cómo repetirlo? Todas estas preguntas hacen referencia al tema de la composición, de la coreografía. Y como suele suceder, uno termina 
por recurrir a su contrario para poder definirse a sí mismo. Así el concepto de coreografía fija su atención en la improvisación, como método o técnica pero también como concepto. ¿Cómo acotarse sin hacerse esclavo? Esa es la gran pregunta, o su contraria ¿Cómo estar abierto a la posibilidad con la actitud y concritud de saber exactamente qué viene después? Entonces, SUSOBRAS trata de formas, trata de códigos, fantasmales y reales, de cómo articular figuras en una estructura y cómo estructurar formas en un andamio sin llegar a cristalizarse, quiere estar fuera y dentro, recogiendo desechos, tirando reciclables.
Alioune Diagné (1-15 septiembre 2013)
“SIKI”
Cuando era un niño, vivía en la casa de mi abuela en la isla de Saint-Louis (Senegal).
Cada día, con mis amigos, pasábamos cerca de un bar en muy mal estado llamado “Battling Siki”. Este bar había sido cerrado varias veces por causa de varios asesinatos sucedidos en él. Las personas que salían de este lugar eran muy sucias y olían a alcohol. Siempre pensaba que las palabras “Battling Siki” eran la marca de una cerveza, de una pistola o de un cuchillo.
Es hacia 1992 que descubrí que “Battling Siki” era el nombre de un boxeador senegalés, campeón del mundo, fallecido en los Estados Unidos y que su familia había traído sus cenizas a Saint Louis.
Encontré su tumba abandonada, sucia y mal cuidada.
Como en ese momento era un jovencito, no me atrevía a comentar con los adultos mi deseo de proteger su tumba. Esto lo guardé dentro de mí hasta olvidarlo. Múltiples eventos en los últimos años de mi vida me han acercado de nuevo a él.
Con la colaboración de Casa África 
Manuel Rodriguez (13-25 mayo 2013)
Screensaver
Screensaver es un proyecto multidisciplinar donde se yuxtaponen reflexiones sobre los conceptos de paisaje, símbolo y cuerpo.
Cualquiera de estos tres conceptos son tratados como extensiones tecnológicas que el hombre ha desarrollado en su intento por entender la naturaleza del mundo y la suya propia.
Entiendo «lo cultural» como construcciones paisajísticas del hombre, un ser específicamente visual.
Save-screen es un collage plástico-temporal por el que la mirada del espectador se pasea, atónita y se descubre como cuerpo dentro del paisaje.
Abigail Borges y David Reyes (15-27 abril 2013)
ERGOSFERA
Dentro de la Ergosfera no existe el reposo. Es imposible que un cuerpo no se mueva, pues el propio espacio gira en torno a la singularidad por lo que la materia que se encuentre en esa región rotará junto a ella.
Espacio y tiempo unidos por este concepto en una danza infinita. El cuerpo que baila es tiempo a través de sus movimientos y el espacio se reorganiza constantemente generando propuestas a ese movimiento
Carlota Mantecón y Jessie Brett (11-23 marzo 2013)
FAITH
Faith es un proyecto de investigación escénica contemporánea de creación colectiva. El colectivo lo formamos Jesús Rubio, Carlota Mantecón y Jessie Brett. Ésta creación cuenta con el apoyo del Auditorio de Tenerife Adán Martín, Paso a 2 Plataforma Coreográfica/Certamen Coreográfico de Madrid y El Centro Coreográfico La Gomera. Actualmente la creación se está llevando a cabo en forma de residencia coreográfica en el Centro coreográfico de La Gomera.
Guido Sarli y Ares D’Angelo (14-16 febrero 2013)
STUNTMAN
“Que es un hombre más allá de sus ambiciones?
STUNTMAN sabe que es aceptado solo cuando ejecuta gestos increíbles y el público lo alaba. Pero en vez de sentirse feliz por ello, a cada paso alimenta el miedo de ser abandonado si no será a la altura del aplauso.
Mejora incesantemente y se convierte en un mentiroso incapaz de decir lo que realmente siente, monólogos de miedos y ansiedades. Decide quedarse en la fría y solitaria sombra, insensible a la calidez de la multitud que afuera lo aplaude y al calor de los focos que le mojan la cara.”
STUNTMAN es una creación de Umma Umma Dance con el suporto del Graner Fabrica de Creació (Barcelona), Mercat de les Flors, Centro Coreográfico La Gomera, l’Estruch de Sabadell, Auditorio de Tenerife y Paso a 2 Plataforma Coreográfica/Certamen Coreográfico de Madrid. Actualmente la creación se está llevando a cabo en forma de residencia coreográfica en el Centro Coreográfico de la Gomera.
RESIDENCIAS ARTÍSTICAS
2012
Mónica Cofiño (10-22 diciembre 2012)
ACCIONES EN EL PARAISO
Soy todavía un boceto.
Soy un intento de encontrar contexto y continuidad a la inquietud de accionar imágenes que por un instante contrastan la realidad impuesta; soy la necesidad de contar mini-historias, sin narrar mucho (o nada), hacer micro bailes, cotidianos, videoclips caseros, andar en pequeñas acciones, cambiarlas de sitio, de estado y sobre todo vislumbrar en los vertiginosos Paraísos posibles. Soy el acompañamiento de una inocente e imaginada película diaria. Soy el 
diario de película que nunca escribo. Soy un tour, soy isla, soy una y cien vueltas a una isla. Un bucle-ciclo-vuelta. Seré estar haciendo cosas absurdas. Soy lo que no controlo que soy. Seré un lugar lejano de donde soy. Pero soy.
Seré el paraíso, el que está dentro.
Era-se una vez un cuerpo que se recordaba a sí mismo y prestaba atención a las formas de poner atención que se repiten y respiran, no importa donde estés.
Olatz de Andrés (10-22 diciembre 2012)
PLAY – STOP (apuntes)
El vacío es a la escultura como el silencio a la música (J.Oteiza), como la pausa al movimiento. En esta residencia tomo como referente al escultor vasco J. Oteiza.
Intento, a través de lo que voy leyendo y estableciendo un analogía con su manera de hablar de la escultura y de la vida, buscar vías para crear vacíos y silencios en el movimiento y en la acción. Estos días de trabajo aquí, en La Gomera, estoy pudiendo experimentar con vaciar y silenciar tanto en el trabajo como en la manera de estar diaria
Sara Paniagua y Silvia Zayas (26 noviembre – 8 diciembre 2012)
CONVERSACIONES AL HILO DE UNA UTOPÍA INTERRUMPIDA
Este proyecto recoge inquietudes y preguntas entorno a las convenciones que se plantean en el lenguaje escénico de la danza y la forma. Una pregunta que se pregunta que se pregunta a sí misma. Al hilo de este primer encuentro, un encuadre de la totalidad.
El zoom en un primer instante como punto de partida de la pérdida (principio constante del movimiento) interrogantes. Los brazos en alto viniendo en sombras de lluvias torrenciales.
La sincronía del espacio empatiza con una lágrima. Todo lo que cae, sin más encuentra el abrazo del plano horizontal.
En mis notas, verticales se abren a la escucha de una posibilidad, prisma, poliedro. ¿Qué es la realidad?
Materia. Línea. Ruptura. Gravedad. Polisemia. La agitación en repeticiones, todo al tiempo, en el eclipse de un punto de luz. Un intento de desplegar el escenario en secuencias infinitas.
Mónica Smekot y Gabriela Sánchez (26 noviembre-8 diciembre 2012)
CEGUERA TEMPORAL
Es un trabajo que nace de un solo improvisado llamado “Lugar”, creado e interpretado por Gabriela Sánchez y ahora decide crear “Ceguera Temporal” una extensión de éste.
Este proyecto mira desde las relaciones humanas y como somos ante ellas, la individualidad, cuando el pensamiento se expande, observa al otro desde lo idílico, ¿un registro de los arquetipos de nuestra cultura? muchas veces ese antepasado psicológico no existe. La 
transformación, ¿lo que nos rodea nos hace cambiar? Es una búsqueda para encontrarse otra vez en este lugar con uno mismo, y volverse a hacer esas preguntas. Es un trabajo de experiencias personales, de lugares que a veces no existen (idealizar, soltar, imaginar) El drama de un individuo, el amor y el amor a uno mismo (el ego), el pilar del cual muchas veces nos sostenemos. Ceguera temporal, es la necesidad de encontrar un punto de reflexión sobre uno mismo frente a las relaciones. El cuerpo y la danza, la manera de enfrentarlas. El pensamiento nuestra reflexión, ese círculo al que regresamos cíclicamente una y otra vez
Aída Colmenero, Marion Blondeau y Juile Iarisoa (9-17 noviembre 2012)
THE 3 TRAVERSERS
L’art c’est de franchir une frontière pour aller à soi « Roch Carrier »
(El arte es cruzar una frontera para ir hacia uno mismo)
Nuestra creación «The 3traversers» es la expresión de todas las fronteras cruzadas, a veces negadas, a veces rotas, estas fronteras con infinitas definiciones, pero que al mismo tiempo nos permite 
sensibilizar nuestras diferencias y las de los demás. No se trata de confundir la complejidad y multiplicidad de las culturas, sino más bien mirar las cosas por lo que realmente son. Apertura a la diferencia, aprendizaje de la tolerancia hacia el otro, sin nunca perder la propia identidad.
Las tres defendemos el cruce de fronteras, la apertura a otras culturas, y la búsqueda de la identidad a través de la confrontación con la diferencia.
Con la colaboración de Casa África.
Dolma Jover y Arnulfo Pardo Ravagli (29 octubre – 10 noviembre 2012)
“SIN PALABRAS”
Silencio tras silencio una pausa entre dos cuerpos, comunicación silenciosa sin uso de la palabra sonora.
Juegos silenciosos que nos llevan a un entendimiento, pero a su vez nosdesembocan en situaciones incontrolables.
Candelaria Antelo y Rafael Ibáñez (15-27 octubre 2012)
un dos
Dos iguales sosteniéndose en dos suspiros.
Una pareja y doscientos un delirios.
Dos seres impacientes y también dormidos.
Un anillo provocando arrítmicos latidos.
Dos individuos moviéndose rectos y torcidos.
Una alianza que los mantendrá siempre unidos.
Amaia Pardo, Mar Rodríguez y Ellavled Alcano (1-13 octubre 2012)
“DEPENDANCE”
Seré breve: ven. Voy. Ya he ido y no puedo separarme. Adicta perniciosa, voy y vuelvo a ir…intento dormir, intento escapar, pero estoy atrapada por su tóxico encanto. Mañana quizá…mañana…
Coreografía: Amaia Pardo
Interpretación: Amaia Pardo y Mar Rodríguez
Música: Massive Attack, The Books, The black dog
«LAS ERRES”
De visión ecológica, vanguardista y experimental; Las Erres/Instalación Coreográfica, se define como una propuesta de danza con lenguaje contemporáneo, encaminado al entendimiento y sensibilización en la acción de re-usar diversos «desechos», que suponen haber llegado al término de su vida útil, introduciéndolos en un nuevo ciclo de reproducción, para ser expuestos de manera renovada en un espacio, donde el público interactúa con los objetos, percibiendo herramie
ntas de aprendizaje para fortalecer el acto del reciclaje y reutilización en su cotidianidad.
«Retornar, Reubicar, Reformar, Remover, Resuelve, Repartir, Reflexión…Recicla, Reutiliza»
Instalación e Interpretación: Ellavled Alcano
Música: Maui Chimes, de Jack De Mello Postudio Alla Terza Moglie, de Ennio Morricone El Sudor, de Pony Bravo
Ahmed Soura (9-21 abril 2012)
ECRASEMENT 100 SENS
Existir juntos en un espacio que creíamos desnudo, resistir a la opresión de los volúmenes. La materia surge sólida y fluida. Existencias paralelas coinciden… La resistencia es común pero solitaria. Estar tan cerca y a la vez tan lejos.
Con la colaboración de Casa África
Adonis Nébié (9-21 abril 2012)
me (TISSER)
La búsqueda en este proyecto artístico gira en torno al “Lugar que ocupamos”, la cuestión es saber si el “LUGAR” que ocupamos en la sociedad se nos atribuye o si cada uno de nosotros se hace su “LUGAR”.
“Hay SITIO”, frase recurrente de acogida, de bienvenida en nuestra civilización.
Nuestro “SITIO”, el lugar que ocupamos. Puede ser el reflejo de nuestra evolució
n, de nuestro éxito o fracaso pero también de la decisión de otros sobre nosotros.
La atribución de este “SITIO” – “LUGAR”, es a menudo el motor de cohesión o de conflictos en un juego, entre etnias, tribus o pueblos.
RESIDENCIAS ARTÍSTICAS
2011
Piergiorgio Milano y Florencia Demestri (28 noviembre-11 diciembre 2011)
“MI AMI?”
Espectáculo de danza y teatro físico libremente inspirado en el libro de Ronald D. Laing.
La opera de Laing es una inmersión en el interior, en el cuerpo concreto de una realidad psíquica, en la cual: enfermedad, esquizofrenia y neurosis, pasadas por el filtro lingüístico, se transforman en un lenguaje de gran claridad. Atravesar una puerta concreta para entrar en el dibujo de un niño. Dentro de una forma simple e infantil introducimos el juego de la crueldad adulta, la 
violencia del descreimiento y de la mentira, del seducir para someter. Decidimos imponernos un equilibrio delicado entre forma y contenido, apoyando un lenguaje corporal complejo, lúcido y bizarro sobre una estética minimalista rica en significados que a veces, pueda parecerse a un aiku japonés. Queremos confrontar al público con la fotografía explícita de una realidad doméstica desviada por un profundo delirio, renunciando a todo juicio de valor de manera que no pueda existir una única interpretación. Queremos inducir la imaginación del espectador hacia su mayor complejidad; dejando libre la posibilidad de establecer cuál es la verdadera llave de lectura del espectáculo.
Pere Faura e Iñaki Álvarez (7-19 noviembre 2011)
“DIARIO DE ACCIONES”
Un proyecto escénico-visual que propone nuevas miradas para entender y desentender la relación entre lenguaje y acción, entre palabra y movimiento, entre partitura y ejecución. A través de la utilización de recortes de prensa diaria como elemento motor del 
proceso de creación, el proyecto propone la escenificación de titulares de periódicos como manifestación poética y coreográfica. Un ejercicio físico, visual y poético que explora el espacio entre lenguaje y acción, entre partitura y ejecución, entre expectativas previas y realización final, entre literalidades lingüísticas y metáforas escénicas.
Sharon Fridman, Anat Grigorio y Damián Varela (19 septiembre-2 octubre 2011)
AnimaAnimus
Dos coreógrafos y un artista de audiovisuales se juntan con el objetivo de abrir un proceso de búsqueda sobre el punto de vista de 
un proceso.
No sabemos lo que pasará. No sabemos lo que vamos a sentir con lo que ocurrirá, tampoco sabemos lo que esta acción nos aportará. Pero confiamos en esta frágil realidad y por ello os invitamos a ser testigos de lo que va a ocurrir en este día en el Centro Coreográfico de la Gomera
Carmen Romero (5-18 septiembre 2011)
EL RUIDO
Día a día nos transformamos mientras todo permanece en perpetuo cambio.
El paso del tiempo puede volvernos de piedra o de agua, según elijamos… antes de ser de cenizas…
Esta es la historia de nadie en concreto y de cualquiera en general; es la historia de una búsqueda que nunca cesa o una pequeña fábula con moraleja: nunca es tarde para ser quien queremos ser, quienes somos en realidad. Solo hay que atreverse a aceptar que nuestra verdad puede ser dolorosa pero también liberadora…
Creación e interpretación: Carmen Romero
Música: “Dark Angel”, compuesta por Lucas Cantor y Emil Milan Karol
“Weather Record” compuesta por Pierre Langer y Scott P. Schreer
Edición de audio: Carmen Romero
Koldo Arostegui y Marina Colomina (11-23 julio 2011)
VOCABULARIO / ROCÍO Y NINO
La pieza proyectada, “Rocío y Nino” partió de la historia de una pareja que se vuelve torpe y extraña en el intento de seguir encajando, aferrándose a la idea de un amor que tal vez ya pasó.
A partir de esta idea fuimos creando un imaginario en el que poco a poco se fueron perfilando estos dos personajes y su fisicalidad.
Al trasladar esta historia al espacio en el que hoy nos encontramos, hemos querido conscientemente liberarnos de la narratividad inscrita en el movimiento. El patio del centro coreográfico nos ha 
sugerido transformar la relación entre ambos en algo más abstracto, en las formas creadas, en los cuerpos que pasan a ser figuras más que caracteres. Esto configura nuestro nuevo punto de partida. La necesidad de transformación, de desarrollo, de reflexión en un nuevo espacio nos ha hecho repensar y cuestionarnos la esencia de “Rocío y Nino” desde otro ángulo, tanto a nivel formal y compositivo como a nivel dramatúrgico.
No partimos de cero, ya que, con el bagaje que nos han dejado estos dos personajes, iniciamos una búsqueda en la que reflexionamos de otra manera sobre la mismas cuestiones que pueden darse dentro de la pareja. Nos desprendemos en parte del carácter narrativo de la historia para aproximarnos de una manera más formal al estudio de dos personas que habitan y comparten un espacio concreto, permitiendo que por momentos la esencia humana vuelva a la superficie.
Creación e interpretación: Marina Colomina y Koldo Arostegui
Texto: Marina Colomina y Koldo Arostegui
Iluminación: Israel Quintero
Fotografía: Terry
Arthur Bernard Bazin y Candelaria Anthelo (20 junio-10 julio 2011)
“TE ODIERO”
Érase una vez en un país muy muy cercano un inmundo salvaje y una dulza princesa. Se vieron se conocieron se enamoraron, todo era idílico en el país de los encantos. Ella lo amaba a el y el la amaba a ella. El mundo era azul y la vida feliz entre sus dedos, entre sus brazos, entre sus besos. Se querían tanto y tantísimo que nada les podía separar, pero, tanto ella como él poseían tristes defectos…
Y llego el día, soleado y tenebroso, el aire estaba cargado de divorcio. Ese día era uno mas, como todos los demás, y de hecho ocurrió lo que ocurría en los demás: la idílica armonía, que unía sus cuerpos, placida y machacada desde el alba de los tiempos, por un rayo de ira lanzado de la mano de dios derrumbó su concordia para hacerla pedazos.
Por un instante el caos resonó por la tierra, en un interminable abrazo, ambos dos atraparon la cotidianidad. Amenazados por si mismos, repetidamente inéditos y similares, la torpe confrontación de sus cuerpos intentarían resolver.
¿Que aspecto tienen las fantasías cuando nos embarcamos en ellas?
Un poco cuentos y un poco realidad, intentamos reinventar el mundo y reinventarnos a través de la confrontación escénica. Cuentos de nosotros, de cuerpos que cuestionan sus límites, movimientos que comparten sus deseos, formas que confunden sus sentimientos.
Guy Nader (1-7 junio 2011)
“WHERE THE THINGS HIDE”
Escondidos detrás de las cosas cotidianas, surgen nuevos mundos, nuevas dimensiones que alteran la percepción de una realidad inmediata. Lo absurdo, la paradoja, el humor se encuentran en nuestro cuerpo.
Un cuerpo cotidiano descontextualizado que no sólo es un reflejo de lo que hay, sino que también está relacionado con la conciencia de aquello que falta. Articulado detrás de su apariencia normal, reconocida y familiar para todos nosotros, esconde una cierta rareza que nos lleva a nuevas sensaciones y a diferentes percepciones.
“Innovación, creatividad y la belleza de la simplicidad son las señas de identidad de la pieza que ha resultado ganadora del primer premio del certamen de solos.” 15Masdanza.
Raúl Saldarriaga, Ellavled Alcano y Anna Lenartwoska (9-27 mayo 2011)
“ATRANTEE”
Es una obra de danza con aspecto de tira cómica. En diferentes viñetas escénicas se mezcla la danza con una estética visual de caricatura en la que los personajes hacen parte del espacio bidimensional e interceden hacia el mundo tridimensional con sus acciones, llevando y trayendo elementos de una dimensión a otra.
En las diferentes viñetas el hilo conductor son los mapas mentales que creamos a nuestro alrededor. Una cadena de imágenes a forma de efecto dominó donde una idea propone otra y esta a su vez otra y otra…
Coreografía: Raúl Saldarriaga Intérpretes: Raúl Saldarriaga , Ellavled Alcano y Anna Lenartowska Fotografía: Anna Lenartowska Video Animación: Raúl Saldarriaga
Julie Iarisoa y Yaya Sarria (9-29 marzo 2011)
“ESPACE – TEMPS”
Espace – Temps es la creación de una pieza coreográfica iniciada por dos bailarines coreógrafos: Julie Iarisoa de Madagascar y Yaya Sarria de Chad, durante su año de formación en el centro mediterráneo de baile contemporáneo de Túnez (CMDC) en 2007.
Es el fruto de un encuentro que tiene como objetivo, al margen de los cursos seguidos en la escuela entre dos bailarines coreógrafos de sus propias compañías con trayectos particulares, responder al espíritu de apertura cultural y de compartir más allá de los prejuicios sin distinción de raza ni de religión.
Era una voluntad, una deseo pero al mismo tiempo una obligación para ellos el estrechar este espacio muy ancho para poder dirigirlo bajo una forma de pieza coreográfica porque el tiempo (forzado interna y externamente, necesidades, deseos, conciencia, etc) no les permitió quedarse eternamente sobre dicho espacio. Estrechar un espacio geográfico aboliendo las fronteras y reducir el espacio. Liberarse de las limitaciones de la creación.
Decidieron trabajar juntos vista la similitud de sus objetivos: sueño común de inmortalizar el alma sagrada de la Danza, la voluntad de hacer evolucionar la creación coreográfica, de encontrar a nuevas técnicas en materia de danza contemporánea africana. Ambición de abrirse a los intercambios culturales internacionales. Esta residencia en el Centro Coreográfico de la Gomera quiere ser una herramienta para la continuación de este proyecto
Con la colaboración de Casa África.
Peter Nkoghé, Aurélie Berland y Jenny Braizat (11-24 febrero 2011)
“ILS SERONT 2 ET 3 POUR COMMENCER”
En la continuidad de una colaboración empezada en 2009 alrededor de la creación «Ayer y mañana», el colectivo NTENE, compuesto de Peter Nkoghé, bailarín coreógrafo gabonés y Jenny Braizat, artista poeta montpelliéraine, exploran la materia escrita entre dos formas artísticas, entre el baile contemporáneo de inspiración africana y la de la poesía sonora / slam. Interrogan el papel del gesto bailado que, devuelve sustancia a las palabras y su sentido. Después de su última creación titulada “VIZ’ IONS-XP” coproducida por el Centro Coreográfico Nacional de Rochelle / Poitou-Charentes / Kader Attou en 2009, este nuevo concepto coreográfico se inscribe en una búsqueda alrededor de la «poesía» y alrededor del «cuerpo».
Creación, sentido y emoción…
“Ils seront 2 et 3 pour commencer”, es una pieza coreográfica que abordará el texto y la danza en su dimensión corporal y sonora. Tres seres sumergidos en un mundo, frente a la inquietud, el miedo constante y delante de la necesidad de hacer, producir, responder…
Sobre la escena cubos son dispuestos, llevados, rodados, sobrepuestos, creando una danza tónica y transcendental entre declamación de textos y movimientos. Una danza a la vez fluida, stacatto y desestructurada.
Producción: Colectivo NTENE/Cie MBOLOH
Fernando Nicolás, Pelliccioli y Carlos Osatinsky (31 enero- 12 febrero 2011)
“INTERMEDIOS”
De repente un momento de detención. Una pausa donde te paras y ves. Y percibes que algo más allá se mueve, te convoca e invoca. Un espacio nebuloso, sutil, fantasmal. Entre. Es como cuando se camina por el pasillo del hogar paterno y tus ojos se posan en la foto de aquel familiar añejo. Una foto que parece emanar la perfecta felicidad. Y es entonces cuando un agujero de tiempo y desconocimiento entre tú y él se abre. Y te lanzas a imaginar, inventar, invitado por ese umbral del misterio, buscado cubrir, encubrir con alguna pregunta encarnada en ese gesto que se detiene a mitad de camino, inacabado. Pues ya te has abierto en ese espacio donde todo se mueve como pura duda, puro fantasma, pura certeza. 
Agua que mana entre tu orilla y la suya. O un día te levantas y aquel modo cotidiano de ganarte la vida, aquel trabajo, se ha transformado en una acumulación insensata donde tú eres solo tú en ese entre, esa pausa, recreo, vacaciones, retiro. Y te descubres proletario y burgués. Entre la producción y la creación, sujeto y libre. Pura entrada, pura salida. Puro movimiento sin propósito, sin recompensa. Un vaivén interior que nos lleva, alejándonos y acercándonos, debatiéndonos entre la premeditación y la entrega en un territorio donde existen reglas, barreras, límites puestos e impuestos. Pero también existen huecos, hendiduras y pasajes. Este proyecto se ocupa y adentra en estos sitios intermedios. Esos puntos que unen y separan, donde lo rígido fluye y la vida se condensa. Nuestros cuerpos ingresan en ese terreno compartido, la escena, entre supuestas ficciones y supuestas realidades, convergiendo y divergiendo en tránsito hacia algún punto de fuga. Y es quizás esa pausa justa y leve, un intervalo que puede dejarnos suspendidos en un instante de lucidez y silencio, esperando solo el próximo paso, la nueva dirección. Pues cuando algo acaba vuelve a empezar. Esto es una simple aventura en el medio.
Sonia Rodríguez y Carlos Collado (10-22 enero 2011)
“MABEL”
Mabel es un proyecto interdisciplinar en el que la danza, la música y la fotografía se encuentran para generar sensaciones e invitar a la reflexión. Mabel toma como punto de partida el personaje que encarna Gena Rowlands en el largometraje A woman under the influence (Jonh Cassavetes, 1974) porque quiere trabajar sobre el concepto de locura. De entre las múltiples aproximaciones posibles se centra en la relación entre el individuo y su comunidad.
Presentamos ahora lo que hemos trabajado en el Centro Coreográfico de la Gomera. Ponemos nuestra atención en el conflicto que vive el individuo cuando tiene que hacerse un lugar en la sociedad. Tomamos la analogía de la expulsión del paraiso del Antiguo Testamento para retratar la pérdida de la inocencia y también el comienzo de la confusión, el desamparo y los miedos.
Mabel es una persona que sufre fundamentalmente porque tiene una manera diferente de vivir y comunicarse. La locura en este sentido es similar a muchos otros comportamientos del individuo que lo convierten en un inadaptado social, en un elemento incómodo y perturbador. Revolucionarios, homosexuales, minorías étnicas y religiosas, etc. Todos chocan contra el Establishment, el sistema los margina o manipula para no perder el control sobre éstos. Cuestiones como «¿hasta qué punto es aceptable que la convención que marca la sociedad sobre lo normal y lo anormal, lo común y lo singular se traslade al terreno de lo correcto y lo incorrecto y por ende a la aceptación o el rechazo?», «¿qué relación existe entre el individuo y la sociedad en términos de libertad, control y poder?», ¿cuál es el precio razonable que ha de pagar el individuo para desarrollarse en su comunidad?» «¿qué formas de poder definen lo que está bien y lo que no?».
RESIDENCIAS ARTÍSTICAS
2010
Ariry Andriamoratsiresy (4-16 octubre 2010)
COMPAGNIE RARY Con sede en Antananarivo, la capital de Madagascar desde 1998, Compagnie Rary incluye 10 miembros permanentes: siete bailarines, dos músicos y un bailarín y coreógrafo Ariry Andriamoratsiresy. Compagnie Rary visita regularmente: Francia, España, Alemania (Berlín, Colonia, Düsseldorf), Portugal, Dinamarca (Copenhague), Holanda (Amsterdam), Austria (Viena), Italia, Francia (Lille) para talleres y programas de actuación. La compañía también ha hecho giras por África occidental y oriental.
Compagnie Rary ha ganado elogios de la crítica. En 2001, ganaron el segundo lugar en Sanga II: África y el Océano Índico Concurso Coreográfico, un festival de danza celebrada en Madagascar. En 2002, la compañía recibió el Premio de Danza de RFI, un premio concedido por Radio Francia Internacional para promover la creatividad de África, especialmente la danza contemporánea.
VATO
Vato o piedra, es una temática que ha inspirado a un gran número de artistas en diferentes épocas y países. En la cultura Malgache, los « Tsangambato » o mégalithes representan referencias históricas y temporales para la población: Cada piedra es un punto de unión entre los individuos de un mismo pueblo.
Un pueblo, cuantos más puntos de unión tiene, su cohesión es más fuerte y adquiere la imagen de una casa de piedra, este pueblo resiste a las intemperies de la vida actual.
La Compañía Rary comienza este proyecto desde enero de 2010. Las ganas de realizar una residencia en un lugar específico nacieron tras el paso de Ariry por La Gomera, en el encuentro coreográfico África – España organizado por el Centro Coreográfico de la Gomera en colaboración con Casa África.
La tierra rocosa, la población y el Centro Coreográfico de esta isla se enmarcaban bien con la continuación del trabajo de VATO.
Andriamoratsiresy Ariry
FANOMEZANTSOA Heriniaina Ruffin
LEONG SANG Géraldine
RAKOTOBE Lovatiana Erica
RAMAROSANDRATANA Nandrianina Miharivola Abel
ANDRIANANTENAINA Tojopaniriana Faliarinjaka
Con la colaboración de Casa África.
Sharon Fridman y Anat Grigorio (17-25 septiembre 2010)
JUST BEFORE, 4 días, 2 coreógrafos y 1 sola oportunidad de compartir
Sharon Fridman y Arthur Bernard (6-17 septiembre 2010)
BERNARD Y FRIDMAN ¿HASTA DÓNDE?
Diez días de residencia artística con el objetivo de encontrar un lenguaje común entre dos seres ¿qué surge de este encuentro? ¿Que ofrece el uno al otro? ¿Qué recibe el uno del otro?
Edurne Sanz, Mabel Aquerreta, Irene Vázquez y Belén Guijarro (26-31 julio 2010)
SACRO
“Sacro” se presenta como un espacio físico y emocional para que 4 mujeres investiguemos en el mismo lugar de donde nace la energía más instintiva y sabia que nuestro cuerpo alberga; una energía que nos mueve a actuar, a gritar, a rebelarnos, nos mueve a crear y a destruir…, a destruirnos a nosotras mismas cuando no entendemos el por qué de su existencia. Dicha energía nos empuja a trascender nuestros propios límites, colocándonos en la locura…, o más bien, acercándonos cada vez más a la cordura.
A nivel puramente físico, el sacro es, a nivel óseo, el lugar que “observa atento” el centro real de gravedad que atraviesa nuestro cuerpo, podríamos llamar al sacro algo así como el “centro base” corpóreo. Es a ese nivel donde situamos nuestra propuesta: jugaremos con imágenes, sensaciones y experiencias que nos conecten directamente con ese lugar físico que entiende de emociones. Entendemos que ese lugar es el centro desde el cual podemos encontrar nuestro equilibrio puramente físico en contacto con la tierra y con el mundo, pero a nivel simbólico, podemos comparar ese equilibrio físico con nuestro equilibrio emocional, de tal manera que sólo jugando con el desequilibrio y con la locura podremos avanzar en este mundo de manera equilibrada…
“Sacro” se presenta como una puerta a la expresión de ese lugar que las mujeres podemos asociar con la energía sexual, con el instinto maternal, con el instinto de pertenencia y por ende de supervivencia.
“Sacro”, como proceso de investigación, acaba de nacer, por lo que en este momento ofrecemos un apunte de este continuo viaje de recreación y construcción en el cual estamos inmersas. Así mismo, el tener la oportunidad de comenzar la creación de “Sacro”, en la isla de la Gomera, nos ha ofrecido la posibilidad de desarrollar y conectar con el movimiento, en diferentes parajes de esta isla paradisiaca, en ellos hemos realizado grabaciones e improvisaciones relacionadas directamente con la idea básica de creación y con la ayuda de la energía que este lugar nos regala.
Masu Fajardo y Alberto Barberá (5-24 julio 2010)
MICROFICCIONES
Desde hace año y medio, giro en torno a un proyecto que se encuentra entre lo corporal y la cultura visual como maneras diferentes de pronunciarse frente a la realidad. Viniendo de la danza, y una vez me sitúo en el terreno de lo corporal como espacio de pensamiento, me cuestiono ¿puede el cuerpo ofrecerse como un espacio alternativo de percepción? Sin dejar de aceptar que estamos inmersos en la dominante cultura visual, o mejor dicho, aceptando esta realidad, ¿cuál es el lugar del cuerpo dentro de su condición visual?
“Microficciones (cómo desaparecer en escena)” es el resultado del intento por responder a todas estas preguntas en forma de performance. Es una performance que explora, desde el cuerpo y la presencia, con elementos de danza, video y acción, los mecanismos generadores de imágenes. Pero también es el título d