Puntos de vista

 

Entrevista a Martín Padrón, Director del Centro Coreografico de La Gomera para la elaboración del Plan Estratégico de las Artes Escénicas (Teatro y Danza) y de la Música de Tenerife.

Estrategia Insular de las artes escénicas y de la música de Tenerife logo-vector-cabildo-tenerife copiapor encargo  del Cabildo de Tenerife. Entrevista en profundidad a Martín Padrón. Julio de 2016

 

Valoración General de la situación del sector:

• Valoración del sector de las artes escénicas y musicales de los últimos años, comparativa desde hace diez años con la actualidad: ¿mejoría, empeoramiento, se mantiene igual? ¿Por qué motivos?

Si quiero hacer una valoración del sector de las artes escénicas musicales necesito tener en cuenta dos aspectos:

– El aspecto cuantitativo de la producción, difusión y exhibición de los productos.

– El aspecto cualitativo de los productos. Un diagnóstico objetivo de estos dos aspectos demandaría un estudio profundo. Estas son tareas alejadas de mis ocupaciones actuales.

Valoración del efecto de la crisis en el sector: ¿Cómo ha afectado, que ha supuesto para el sector, ha producido cambios relevantes?

La crisis hace más visibles las desigualdades sociales y la vulnerabilidad de las clases desfavorecidas. Creo que el sector dependiente de subvenciones del Estado y de la Comunidad Autónoma de Canarias se ha cuestionado sobre las prioridades del gasto público.

Un cuestionamiento sobre la necesidad objetiva del producto o hecho artístico y de su repercusión en la sociedad. Un cuestionamiento que fomenta indirectamente reflexión y crecimiento en el aspecto cualitativo del producto o hecho artístico.

Valoración de la situación actual: ¿Desde una perspectiva global del sector, cuáles son los principales problemas que sufre el sector actualmente? ¿Cuáles son los principales aspectos positivos que se deberían mantener y fortalecer?

Actualmente el sector pensante de las artes escénicas sufre de una crisis de identidad. Entendiendo que la cultura es un bien preferente y de Interés General tal y como figura en nuestra Constitución, el sector busca nuevas herramientas para actuar en estos nuevos panoramas y contextos. Esta búsqueda, creo, es un aspecto positivo que debería fortalecerse.

Valoración desde la cadena de valor: ¿Dónde sitúa los principales problemas (formación- creación-producción-exhibición-regulación)? ¿Y los puntos fuertes?

Específicamente con relación a las artes del Movimiento y a la Danza creo que las carencias, disfunciones y principales problemas que puedan existir en los ámbitos de regulación, exhibición, producción y creación surgen de la gran carencia en formación.

Por suerte existen proyectos puntuales y específicos consistentes que son posibles gracias a la profesionalidad y al savoir faire de personas formadas fuera de nuestra comunidad.

Formación-Creación-Producción:

• ¿La formación existente es adecuada? ¿Está enfocada a las necesidades que tiene el sector?

La formación académica reglada existe en Música y Arte Dramático. No es el caso aún para la Danza. La Consejería de Educación proyecta la implantación de dos Centros de Enseñanzas Profesionales de Danza, E.S.O y Bachillerato de Modo Integrado. La intención de la Dirección General de Formación Profesional, de la que dependen las Enseñanzas Artísticas, es de construir unos currículos que vayan al encuentro de las necesidades que el Sector de la Danza encuentra en la actualidad y las décadas a venir.

• ¿Y el acceso a la formación? ¿Se necesitarían ayudas específicas para promover la excelencia?

Con relación a la música y al teatro el acceso a la formación es al de cualquier Centro público de Enseñanzas regladas. Lo será pronto también para la Danza en el Grado Profesional. Promover la excelencia en nuestra comunidad es posible cuidando los contenidos curriculares de los centros formativos. La excelencia es la Esencia. La Esencia se consigue trabajando los Elementos Fundadores Básicos, los fundamentos, las bases, la coherencia, la objetividad. Esta formación fundamental puede abrir oportunidades a la aparición de la Excelencia

• Caracterice la oferta creativa escénica y musical de Tenerife ¿La creación refleja diversidad, pluralidad y calidad?

Entendiendo la diversidad y la pluralidad en la creación como la existencia de diferentes géneros, éstos son aspectos cuantitativos medibles relacionados con el número de centros de formación y las diferentes especialidades impartidas.

La calidad de la creación está supeditada a la calidad de la formación. Solemos relacionar la calidad con la excelencia. Debemos relacionar la excelencia con la esencia.

En general (excepto casos puntuales) la formación carece de ese conocimiento de lo esencial, de lo fundamental, de las bases que puedan dar lugar a la calidad, a la originalidad, a la sinceridad, a la innovación ,al fomento de la convicción y al cuestionamiento de la convicción.

Una formación con fundamento para el artista hace posible la desaparición del ser sociopolítico en el que se ha convertido para dar nacimiento al ser profundo que es.

Esa aparición del ser profundo en el acto performativo produce calidad.

Calidad sea cual sea el género artístico.

• ¿Los proyectos y colectivos de creadores emergentes disponen de estructuras de apoyo suficientes para su desarrollo (becas, residencia, acompañamiento)? ¿Existen cauces para que las propuestas innovadoras y experimentales puedan materializarse?

Las estructuras de apoyo son escasas y esporádicas. El sector necesita la normalización y la institucionalización de residencias, becas y acompañamiento. Las estructuras contenedoras de estas fórmulas necesitan a su vez planteamientos teóricos que hagan posible estas nuevas prácticas. Sería enriquecedor para el sector creativo emergente estructuras donde la acogida y acompañamiento de proyectos inviten a la reflexión sobre el fenómeno de la creación, sobre su aportación a nuestra comunidad

• ¿La crisis económica ha limitado la emergencia de nuevos creadores?

La crisis no afecta a la aparición de nuevos creadores. Generalmente la aparición de nuevos creadores depende la existencia de Centros de Formación.

• ¿Se aprecia recambio generacional y renovación tanto entre los colectivos creadores como en las compañías? ¿El tejido sectorial es dinámico? ¿Está estructurado?

Si entendemos por recambio generacional y renovación en colectivos y compañías el hecho de que en un mismo colectivo o compañía esté formado por diferentes generaciones, no es el caso. Los colectivos o compañías suelen hacer por la vocación personal de artistas y desaparecen cuando éstos abandonan. Los proyectos que forman el tejido sectorial deben ser dinámicos para existir, si no lo son desaparecen. No hay una real estructura del tejido. Existen proyectos puntuales con mejor o peor estructura que perduran más o menos tiempo.

• Valore el apoyo público al sector privado en relación a las ayudas y mecanismos existentes en la actualidad orientados a la producción en términos de suficiencia y eficacia. ¿En qué aspectos/ámbitos se deberían enfocar? ¿Echa en falta otras fórmulas de financiación?

Creo que el apoyo público al sector privado debe velar por el aspecto cuantitativo del aprovechamiento de los contribuyentes del producto subvencionado y por el aspecto cualitativo de estos proyectos artísticos.

Estos nuevos enfoques dados por la administración pública necesitan de apoyos teóricos que fundamenta en estos nuevos panoramas que se alejan de los contextos de décadas pasadas. Si por fórmulas de financiación se entienden las bases y criterios para poder beneficiar de ayudas, sí echo en falta nuevas fórmulas que tengan en cuenta los nuevos marcos donde la cultura (bien común) debería llegar y no llega. Los proyectos subvencionados deberían poder atender (con nuevas estrategias) a un mayor número de contribuyentes. La apropiación de la cultura como vehículo transmisor de valores necesita nuevos contextos de actuación que no van al encuentro de construir sólo consumidores de Arte con la construcción de públicos sino hacer posible que un mayor número de ciudadanos vivencien y experimenten el Arte, vivenciando y experimentando los Elementos Fundadores Básicos de las Expresiones Artísticas, fomentando así la cohesión social y la inclusión.

Programación-exhibición-públicos:

• ¿La programación de la red de espacios de exhibición de cultura en vivo de Tenerife permite el acceso a una oferta de calidad y variada?

Esta Red fomenta la relación entre espacios públicos y privados. Esta relación fomenta un crecimiento de criterios objetivos en las programaciones Insulares que generan variedad y propician la calidad de propuestas.

• ¿El acceso a la oferta cultural en vivo es equilibrado desde el punto de vista territorial?

Uno de los objetivos de esta Red es el de descentralizar la cultura. Esta Red hace posible que las ofertas culturales no se centren en el área metropolitana. La constitución de la Mesa Insular de Cultura, será una herramienta para la descentralización de las ofertas culturales.

• ¿La oferta local tiene espacio en la red de programación-exhibición?

La presencia de ofertas locales en la programación es un dato cuantitativo que no puedo valorar.

• Valore el papel de las salas (públicas y privadas) y los festivales. Indique los problemas y puntos fuertes de la red de programación existente.

El papel, el rol, la razón de ser de las salas públicas o privadas y de festivales, es hacer llegar y acercar a la cultura al mayor número de ciudadanos. El deber de estas estructuras es el de encontrar nuevas fórmulas de actuación que tengan en cuenta los nuevos contextos culturales, políticos y sociales. Los problemas y puntos fuertes de la red de programación existente carece de tradición y savoir faire porque es joven; está respaldada por la Mesa Insular de Cultura y ésta está diseñada y respaldada por un Director insular de Cultura, inteligente, sensato, sensible y conocedor de forma de hacer nacionales e internacionales que han dado buenos resultados.

• Valore el apoyo público al sector privado en relación a las ayudas y mecanismos existentes en la actualidad dirigidos a la exhibición (salas privadas, festivales) en términos de suficiencia y eficacia. ¿En qué aspectos/ámbitos se deberían enfocar?

Creo que el apoyo público al sector privado debería tener en cuenta un aspecto muy básico: tal y como figura en nuestra constitución, la cultura es un bien preferente y de Interés General.

Los criterios para poder acceder a estas ayudas deberían contemplar exigencias porque este bien preferente, la cultura, pueda ser accesible a más personas. Estos criterios deberían ser revisados y recontextualizados. Nuevas fórmulas para nuevos contextos.
• Hablemos del Circuito Insular de Teatro y Danza de Tenerife: valoración, problemas y puntos fuertes de los últimos años

El Circuito Insular de Teatro y Danza de Tenerife es una estructura que hace más posible la programación y la exhibición de espectáculos. El propio Circuito hace público (con buen rigor) datos indicadores de su evolución en los últimos años sobre aspectos presupuestarios y cuantitativos de frencuentación de público, de contrataciones de Compañías Insulares, Canarias y foráneas, número de funciones en salas y de calle y muchos otros detalles que hacen posible una valoración objetiva y coherente.

• ¿Qué opinión le merece el funcionamiento del Circuito Canario Islas de Música, Teatro y Danza (Gobierno de Canarias)?

El Circuito Canario Islas de Música, Teatro y Danza es una estructura fundamental para la industria cultural de Canarias y una herramienta básica para que Cabildos y Ayuntamientos mantengan una oferta cultural de calidad. El Circuito hace posible la programación de artes escénicas y de música en las islas no capitalinas. Es imprescindible su continuidad para que el sector dinamice su actividad y para que los habitantes disfruten de ella. Una vez más podríamos cuestionar el aspecto cuantitativo de la repercusión, frecuentación y aprovechamiento de esta oferta. Creo que una reflexión sobre la necesidad de recontextualizar las herramientas de divulgación, visibilidad y acercamiento a las Artes Escénicas y la Música al ciudadano, debería llevarse a cabo.

El porcentaje de personas que visitan los lugares de exhibición y programación en el que el Circuito se propone, es exageradamente bajo con relación a la totalidad de habitantes en nuestra Comunidad Canaria.

Por ello, el Gobierno, Cabildos y Ayuntamientos deberían trabajar en buscar soluciones para poder acercar la cultura a un mayor número de ciudadanos. La cultura en estos nuevos contextos.

Estos nuevos contextos Sociales, Económicos y Culturales deben ser estudiados por agentes vinculados a la Sociología, Antropología, Psicología, Educación y Sanidad.

Políticas Sociales, Sanidad y Educación son consejerías que deberían estar vinculadas a esta reflexión.

En definitiva: El Circuito debe continuar.

Su continuidad necesita estar acompañada de una recontextualización para poder lograr sus objetivos que son, no lo olvidemos, hacer de la cultura un bien común.

Si su disfrute se convierte en el disfrute de algunos, de pocos, de minorías entonces hay que encontrar nuevas fórmulas.

• Valore las iniciativas de creación de públicos existentes (políticas de socios, descuentos, bonos, mediación…) ¿Son suficientes? ¿Son adecuadas?

Debemos aclarar por qué fomentar las iniciativas de creación de públicos.

La creación de públicos puede favorecer el avance de la industria cultural siendo éste un aspecto mercantil y económico.

La creación de públicos puede participar al acercamiento del ciudadano a la cultura y a las Artes en general cumpliendo así con la labor de las Estructuras Culturales Públicas.

Las políticas de socios, bonos y descuentos están dirigidos a un tipo de ciudadano, al consumidor de Cultura.

Para este tipo de ciudadano es importante encontrar facilidades de acceso a este fenómeno cultural de las Artes Vivas.

Este ciudadano no despierta mi interés en esta respuesta. Es el ciudadano que no consume cultura el que necesita atención. Todas estas políticas de descuentos, bonos y múltiples facilidades son ineficaces para el ciudadano desfavorecido, el que no frecuenta los círculos culturales.

Es en ese ciudadano en el que deberíamos centrar nuestra atención.

Al decir deberíamos me refiero a las estructuras públicas y al sector cultural.

Este ciudadano no consume cultura porque tiene otras necesidades. Este ciudadano ignora los beneficios de la cultura.

¿Las estructuras públicas conocen los beneficios de la cultura para este tipo de ciudadano, generalmente desfavorecido?

Si la respuesta es sí, entonces hay que trabajar para encontrar nuevas fórmulas que hagan posible la igualdad de oportunidades, la Inclusión.

La simple gratuidad o facilidad de acceso a los núcleos culturales no aseguran la igualdad de oportunidades.

Si la construcción de públicos tiene como objetivo además del económico, el social, entonces las políticas sociales y la Educación deben trabajar en colaboración con la cultura

• ¿Los medios de comunicación se hacen eco de la oferta local? ¿Se hace uso de las redes sociales para difundir las propuestas?

Los medios de comunicación y las redes sociales son herramientas para difundir las ofertas culturales.

Una vez más nos encontramos con la tarea de hacer llegar la cultura a dos tipos de ciudadanos:

El ciudadano A

El ciudadano B

El A es el que accede a los actos.

El B es el que no acude.

El A tiene los códigos de acceso a las ofertas culturales, al consumo de la cultura.

El B no tiene códigos de acceso, es un extranjero del fenómeno cultural. Incluso con publicidad y gratuidad.

El ciudadano A necesita estar informado de los actos culturales para que asista.

El ciudadano B necesita nuevas fórmulas para hacer posible un acercamiento a la Cultura y a las Artes en General.

Las próximas décadas necesitarán que la estructura pública y el sector cultural trabajen por este “Bien Común” y no de “Algunos”.

• Valore los espacios de coordinación existentes entre los sectores de las artes escénicas y la música y los agentes públicos. Identifique los principales problemas y puntos fuertes.

Actualmente existe, mayoritariamente, relación entre el sector de las Artes Escénicas y de la Música y las Consejerías de Cultura del Gobierno de Canarias y de cada Cabildo Insular además de las Concejalías de Cultura de los Ayuntamientos en General. Estas relaciones suelen ser, generalmente, vínculos mercantiles y ventas de productos, patrocinios y subvenciones. No sólo las relaciones entre estos agentes culturales públicos y el sector deberían casi cambiar radicalmente sino que deberían abrirse relaciones con Política Social, Educación y
Sanidad. Este panorama de relaciones me parece necesario para un fomento coherente y demográfico de la cultura en nuestra sociedad Canaria.

• ¿Qué relación hay entre los sectores de las artes escénicas y la música y el ámbito de la formación?

Los Centros de Formación Reglada y Privada hacen el sector. El sector contribuye al avance de los Centros de Formación. Ambos se retroalimentan.

• ¿Y con los medios de comunicación?

El sector de las Artes Escénicas y de la Música utiliza los medios de Comunicación como herramienta para publicitar actos performativos.

Creo que estos medios serían una herramienta eficaz para sensibilizar, educar y acercar a los fundamentos que hacen posible estas expresiones artísticas.

Estos planteamientos harían posible un aumento cuantitativo de la educación cultural.

El sector debería poder estar más presente no sólo con ánimo mercantil sino también con el objetivo de Educar.

Alguien debe ver esta necesidad para hacerla realidad. ¿Los agentes públicos? ¿El propio sector? ¿Los cargos políticos?

¿Los técnicos o jefes de servicio? ¿Quién?

• ¿Con qué otros sectores sería importante entablar o fortalecer las relaciones?

Sería necesario que el sector de las Artes Escénicas y de la Música construyese relaciones con las consejerías y concejalía de Política Social, Educación y Sanidad.

Estas expresiones artísticas podrían contribuir al avance de estas consejerías.

Estas relaciones necesitan ser construidas por profesionales teóricos y practicantes especialistas.

• Propuestas de actuación

Aunque estemos en la fase de diagnóstico, quería preguntarte sobre algunas propuestas de actuación. Nos ayudaría a detectar los principales problemas y necesidades del sector y qué déficits tienen las respuestas que se están ofreciendo actualmente.

• ¿Qué ámbitos considera que son los prioritarios, sobre los cuales habría que incidir primero? ¿Dónde pondría el acento, en crear y producir o en promover, distribuir y difundir?

Creo que el sector tiene un gran potencial de actuación, en beneficio de la sociedad. Hay terrenos potenciales que podrían beneficiarse de las aportaciones del sector. Este potencial podría hacerse efectivo si los planes de acción se reestructuran.

En líneas anteriores hacía alusión al ciudadano B como aquel que no tiene las claves de acceso a la cultura. Creo que la prioridad está en cómo actuar para paliar este desequilibrio y desigualdad.

Las expresiones artísticas son posibles gracias a sus elementos fundadores básicos. Cada expresión tiene sus fundamentos. Tomemos una expresión artística en particular, la Danza y las Artes del Movimientos Sus fundamentos son el cuerpo, el tiempo y el espacio.

El artista del movimiento expone su cuerpo en el acto performativo. El artista puede hacer del ciudadano A, un consumidor de su acto performativo. Hacemos referencia aquí al espectador convencional por el que los agentes públicos y el sector trabajan con el ánimo de facilitar la oferta cultural.

Pero no olvidemos al ciudadano B, para el que estas formas no tienen sentido. Estas formas de consumo no les interesa.

Este ciudadano necesita también la cultura y el arte. ¿Cómo dárselo? Como acto performativo no funciona.

Entonces nos quedan los Elementos Fundadores Básico de este arte del Movimiento. El cuerpo, el tiempo y el espacio.

Se trata de precisar dónde, en qué contextos podemos tener acceso a ese ciudadano B para poderle acercar a la vivencia y experiencia de su propio cuerpo en el tiempo y el espacio.

Estos nuevos terrenos necesitan una revisión radical de las convenciones.

Para que esto empiece a estructurarse y a experimentarse serán necesarias grandes convicciones por parte de los agentes públicos y del propio sector.

Esto puede dar lugar a nuevas formas de crear, producir, promover, distribuir y difundir en las Artes Escénicas y la Música.

 

 

13072777_942095732555143_8004815819276998685_oProgramación Expandida TRC Danza Pre-Textos en relación a “la figura del maestro” Martín Padrón

La figura del Maestro en Danza (razón de ser, misión, deber, utilidad)

“Maestro es aquella persona de la que se reciben enseñanzas muy valiosas sobre el movimiento, que destaca por su perfección dentro de su género: el movimiento.

10304494_661144857316900_468962069184977978_n copiaPersona de gran experiencia, sabiduría y habilidad en una materia y que ha llegado al grado máximo de conocimiento en su oficio de enseñar el movimiento.
El maestro reflexiona sobre los fines de la enseñanza y de la educación, reflexiona sobre el destino del hombre, sobre el puesto que ocupa en la naturaleza, sobre las relaciones entre los seres humanos.

El maestro reflexiona sobre su labor pedagógica entendiendo que la Pedagogía es la reflexión sobre el proceso educativo, sobre su finalidad y sobre sus repercusiones psicosomáticas y sociopolíticas.

En Pedagogía se enseñan contenidos, los contenidos deben ser entendidos conceptual, procedimental y actitudinalmente.

Saber, saber hacer y saber SER.

La tarea, la utilidad y el deber simbólico y deontológico del maestro es hacer llegar al alumno a la experiencia y vivencia del aspecto actitudinal del contenido.

Es competencia del maestro hacer posible en el alumno la comprensión actitudinal de los Contenidos de la Danza. Pasar de saber la Danza a saber hacer la Danza para acceder a Saber Ser la Danza.

En las diferentes etapas del período formativo del alumno en Danza, cada maestro adapta sus propuestas docentes, contenidos y objetivos a cada etapa evolutiva del alumno utilizando una pedagogía donde el fracaso no existe, donde las propuestas docentes están relacionadas con sus conocimientos y adquisiciones corporales, espaciales y temporales.

En cada etapa del período formativo el alumno avanza resolviendo tareas relacionadas con el movimiento, tareas donde él puede estar por encima de la situación.

El alumno juega a resolver cuestiones corporales, espaciales y temporales. Juega tranquilo a resolver tareas porque dispone de las herramientas que el maestro le ha aportado. De esta tranquilidad puede surgir la experiencia de la Danza.

La Danza va surgiendo aumentando los niveles de dificultad y complejidad según se avanza en el período formativo y académico del futuro bailarín profesional.

El maestro que forma al futuro bailarín profesional entiende que Bailar es conectar con un estado emocional que surge de la experiencia psicosomática del verbo de acción.

Ser el verbo de acción. La acción espacial. La acción temporal. La acción corporal.

Ser el verbo que agrupa estos tres factores que, unidos, conectan con frecuencias del inconsciente para crear una emoción en la que el SUJETO (sujeto social, político, alineado y dependiente emocionalmente de su entorno afectivo) se convierte en un ser tranquilo que es la existencia pura, sin contaminantes. El sujeto pasa a ser partícipe de la experiencia somática que ese OBJETO (SU PROPIO CUERPO) le regala. Ese objeto-sujeto pasa a ser el canal psicosomático que permite la posibilidad de esa experiencia terapéutica, equilibrante y paliadora que sublima la presencia del ser humano en este planeta.

El maestro, apoyándose en la enseñanza de los códigos académicos hace posible que el alumno vivencie la experiencia de la Danza.

Los fundamentos de la Danza giran en torno a verbos de acción espaciales, corporales y temporales.

El maestro conoce y respeta estos fundamentos esenciales en la pedagogía del movimiento y hace posible la formación de intérpretes que vivencian la experiencia de la Danza y hacen partícipes de su vivencia a otros (el espectador).

La labor simbólica del maestro en Danza es hacer posible este fenómeno.

El maestro forma a un bailarín teniendo en cuenta dos aspectos en el acto performativo:

La repercusión de la experiencia del movimiento en el que lo realiza (el bailarín).

La repercusión en el que lo presencia (el espectador).

El maestro reflexiona sobre las repercusiones intra e interpersonales del acto performativo en aspectos psicosomáticos y sociopolíticos

El maestro reflexiona sobre cuál es el posicionamiento afectivo del intérprete bailarín ante el hecho artístico, ante el acto performativo.

El maestro entiende la relación del posicionamiento afectivo con el posicionamiento corporal.

El maestro entiende la necesidad de hacer consciente al intérprete de que de su posicionamiento corporal surge un posicionamiento afectivo y viceversa.

El intérprete se cuestiona sobre la importancia de poder autoevaluarse física y afectivamente.

La tranquilidad, la preocupación, la inseguridad, la vanidad, los complejos, el respecto, la confianza, el servilismo, la honestidad,… son posicionamientos afectivos que se traducen en posicionamientos corporales.

Gracias a la cinestesia* el intérprete percibe cinestésicamente incluso lo imperceptible visualmente: el ejecutante siente lo que el espectador no ve.

El maestro prepara al intérprete para que pueda tener acceso a controlar estos aspectos para poder autoevaluar su propuesta artística, evaluar su producto.

Puede haber un mal entendido entre el artista y él mismo, un mal entendido entre el sujeto y el objeto en el que se convierte éste, durante el acto performativo.

Estos posibles malos entendidos pueden fomentar un desequilibrio entre la práctica y el discurso del sujeto.

El maestro participa a un mayor acercamiento entre la práctica del artista y el discurso del artista sobre su práctica.

Durante el acto performativo en Danza surgen dos posibilidades: Dar a ver el cuerpo del sujeto-objeto víctima del acto.
Dar a ver la carne del sujeto que trasciende del acto.

El maestro acerca al bailarín a la conciencia profunda del posicionamiento afectivo ante lo que hace.

Un posicionamiento u otro hará del acto un producto más o menos tóxico.

El MAESTRO hoy, intuye y contempla nuevos contextos laborales y socioculturales para el sector profesional de la Danza. El MAESTRO hoy colabora a la construcción de nuevos currículos que dotarán al bailarín profesional de herramientas para hacer frente a nuevas necesidades laborales en futuros panoramas políticos, económicos, culturales y sociales.

Ser MAESTRO …
¡ Qué gran responsabilidad !”  Martín Padrón. Director Centro Coreográfico de La Gomera.

*Cinestesia: conjunto de sensaciones de origen muscular o articulatorio que informan acerca de la posición de las diferentes partes del propio cuerpo en el espacio.

II. Jornadas Mugalariak: Artistas, gestores de cultura y profesores, a la búsqueda de nuevas maneras de relacionarse.

PONENTE: MARTÍN PADRÓN. “LA EXPERIENCIA DE LA PAUSA EN EL CUERPO COMO CONTENIDO CURRICULAR”

dss2016eu_esrEl 27 y 28 de abril tuvo lugar en el Espacio 2016 las jornadas Artistas, gestores culturales y profesorado: nuevas maneras de relacionarse.

Ana Eulate, Carmen López, Catherine Leconte, Xabina Claverie-Urruty, Filgi Claverie y Martín Padrón compartieron experiencias del ámbito de la creación y la mediación artística como las lideradas desde el Centro Coreográfico de La Gomera; las del espacio Anis Gras, un Centro de Creación del entorno de París, los proyectos artísticos participativos De un papel blanco, de Ana Eulate, coordinado con El Mercat de las Flors, en Barcelona.

Enlace : Ponencia de Martín Padrón

 

Martín Padrón (Director del Centro Coreográfico de La Gomera). Comparecencia  en comisión de la Situación de la Cultura en Canarias y su contribución al desarrollo económico y social de las islas (23 mayo 2016).