Compañía Residente

Sin título

La Compañía Residente del Centro Coreográfico de La Gomera es un lugar de experimentación creativa, un laboratorio de ideas, un lugar en el que se cuestionan y replantean constantemente los factores que giran en torno a la presencia escénica contemporánea.

Su objetivo es el de sensibilizar al público a nuevos lenguajes corporales llevando la compañía hasta las poblaciones más pequeñas de la comunidad así como a espacios y festivales nacionales e internacionales.

La figura, la labor y la razón de ser del intérprete bailarín se cuestionan y se replantean también constantemente.

Los bailarines de la compañía residente necesitan una formación sólida y coherente, experiencia profesional y una gran comprensión del cuerpo humano en un aspecto psicosomático, susceptible de ser utilizada en múltiples acciones con diferentes colectivos del municipio, donde los objetivos giran en torno a la transmisión de conocimientos hacia la conciencia corporal. Los bailarines de la compañía residente tienen un contrato laboral anual.

La singularidad de las obligaciones de este contrato es que el bailarín no solo trabaje la creación coreográfica sino que participe, de diferentes formas, al funcionamiento general del Centro Coreográfico de la Gomera.

Esto hace posible llevar a cabo la campaña de sensibilización a la Danza y al Cuerpo que tiene como objetivo el CCG.

 

 

 

                            CREACIONES

 

Should they may be  (2017)

 

%22Should they may be they might%22FICHA ARTÍSTICA
Intérpretes: Gregory Auger y Martín Padrón. Creación y Música: Gregory Auger.

 

 

 

 

 

THE SECRET WORLD OF  TGWS  (en proceso- 2015-2016)

Creación:  Gregory Auger.

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Intérpretes: 
Natalia Medina, Helena Berthelius y Gregory Auger.

 

 

 

SNIMEHC – NOITXELFER (2014)

Sin título.pngjkiGeneralmente los conflictos son causados por desacuerdos sobre las formas (estrategias) de resolver una situación (satisfacer una necesidad) ya que las personas tienden a defender una posible estrategia o solución y apegarse a ella con la intensidad con la buscaría satisfacer una necesidad básica.

Identificar claramente qué necesidades tenemos en el momento es muy importante, porque nos da la oportunidad de revisar las estrategias que estamos empleando  y si éstas perturban nuestra relación con los otros o con nuestro propio bienestar.

Es necesario notar que la necesidad no es que el otro haga. La necesidad no es que el otro se apure. La necesidad  es la propia tranquilidad, buen humor y eficacia del otro.

El individuo   a veces crea una familia y se pierde al tenerla , su ser profundo desaparece para servir o para aferrarse a tareas en las que  no esta destinado. No significa que el individuo que vive solo consigue siempre alcanzar su “ser” y su “por qué” estar aquí y ahora en este mundo.

Lo ideal sería que tanto el individuo con familia, como el individuo sin familia, consiguieran contactar con su ser profundo y único y contar o hacer en la sociedad una parte  o la totalidad de la “tarea” para la cual finalmente ha nacido.

Ser madre, por supuesto, es ya todo un sentido y una razón de ser, pero a veces es necesario y valioso buscar otras tereas, otras metas a realizar para encontrar un ser único, individuo en una familia, sociedad…

El individuo al hacer su camino encontrará personas y nuevos objetivos, las personas no siempre le acompañarán, pero el ser interno y profundo nunca fallará. Si el individuo se deja llevar por medicamentos o drogas desaparecerá este ser tan valioso que ha nacido para descubrirse ante todo, para después estar acompañado, acompañar, nutrir, educar, amar…

Hay momentos en su vida en la que el individuo necesita ser asistido, pero estos momentos son ocasionales, como por ejemplo en la infancia. Son ocasionales porque el ser debe crecer, toda su vida estará creciendo…

Es el por qué sigo bailando y en mi proyecto sobre la familia hay un espacio en el que no explicaré por qué hago el material coreográfico de esta forma o de otra y tampoco explicaré el sentido de los movimientos.

Es un proceso muy consolidado de mis experimentos y buscada en danza o en cuerpo en movimiento. No tiene que ver con la familia y si tiene que ver con el individuo del que hablo, individuo que siempre ha perseguido y dejado vivir su ser profundo en todos los momentos de su vida.

 

Video de Promoción SNIMEHC NOIXELFER

VIDEO “SALIENDO DEL MAR” realizado por Edgar Suárez para la pieza “SNIMEHC”

VER VIDEO “SALIENDO DEL MAR”

 

DÍPTICO (2012)

Desórdenes en los códigos.

Mi casa mi piel 2.

 ” Posiblemente es cierto que somos incapaces de hablar con precisión de las cosas importantes. Palabras grandes como “amor”, “muerte”, “entrega”  o “espera” (por nombrar algunas) son, más que cualquier otra cosa, consensos fonéticos para referirnos a aquello cuya complejidad nos supera. Ante esta evidencia uno podría decidir callarse y permanecer en silencio asumiendo que nunca podrá hablar de nada relevante. Pero también cabe la posibilidad de narrar: por suerte, podemos contar historias. Las narraciones nos permiten explorar, nos permiten bordear todo aquello que se nos escapa.  Por eso, tradicionalmente, los cuentos son una parte fundamental del aprendizaje y el conocimiento humano.  De alguna manera, los relatos nos liberan del requerimiento absurdo de atrapar las cosas importantes en pequeñas palabras.

La danza teatral occidental está hecha de relatos. Aunque la crítica formalista hizo que, durante mucho tiempo pensáramos que la danza era sólo una cuestión de pasos y de formas de dar esos pasos, a lo largo del tiempo se ha hecho evidente que había algo más.  Y ese algo más quizás tenga que ver con todos los cuentos sobre los que se construyó eso que hoy seguimos llamando ballet.

 El ballet cuenta historias y al hacerlo consigue que aparezcan en escena esas cuestiones a las que, de otra manera, seríamos incapaces de referirnos. Por suerte, esa tradición narrativa, no se ha perdido. A lo largo de más de dos siglos, no hemos dejado de explorar posibilidades narrativas: más allá de la estructura tradicional del cuento, hemos conquistado formas más complejas y libres que han hecho que los “cuentos vivientes” de la danza teatral se hayan convertido en auténticos actos de conocimiento.

Gregory Auger nos cuenta un cuento. Mi casal, mi piel es eso, un pequeño relato con sus personajes, su trama, sus acciones, sus situaciones… La narración se convierte en el vehículo que permite que, ante nuestros ojos aparezcan imágenes insólitas que hablan de cuerpos cuya presencia se expande más allá de los límites de la piel; de encuentros extraños y reveladores; de relaciones imposibles pero inevitables; de estados de consciencia no cotidianos; y de un sinfín de cosas más que cada espectador deberá ir descubriendo con su propio cuerpo. Y quizás esa es la parte más interesante de Mi piel, mi casa: el espectador es ante todo un invitado que forma parte del fundamento del cuento. Sin la presencia visible de los que miramos, todo perdería su sentido. Gregory Auger nos llama para contarnos algo, algo importante, algo secreto que sus personajes han conocido y, ahora, nos lo quieren ofrecer. Oportunidad única.” Jaime Conde-Salazar Pérez

VER VIDEO PROMOCIÓN “DÍPTICO”

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Ficha artística

Título: DÍPTICO: “DESORDENES EN LOS CÓDIGOS”“MI CASA MI PIEL 2”.Creación: Corinne Genevieve Raymonde Auger (Gregory Auger) Director: Gregory Auger. Reparto: Gregory Auger , Martín Padrón y Tom Padrón Auger Escenografía: Gregory Auger. Realización escenografía: Manuel Padrón Diseño de vestuario: Gregory Auger. Realización de vestuario: Marta de La Rosa y Gregory Auger Diseño de iluminación: Gregory Auger. Diseño de foto y video: Gregory Auger. Realización de foto y video: Mónica Sánchez de Francisco Coreografía: Gregory Auger. Música: Alessandro Bosetti. Dramaturgo: Jaime Conde-Salazar.

 

 

 

 

“MI CASA MI PIEL” (2009)

La piel, el caparazón flexible y continuo de nuestros cuerpos, nos cubre por completo, como una capa. Es el más antiguo y el más sensible de nuestros órganos, nuestro primer medio de comunicación y nuestro protector más eficaz.

Creación e interpretación: Gregorye Auger

 

PROGRAMA DOBLE (2007)

“The show must go on?” y “El contexto, el sujeto y lo demás…”

The show must go on?

Creado e i_IGP0796nterpretado por Martín Padrón.

La razón que fundamenta esta acción es mi deseo de toma de conciencia, en grupo, sobre el caos de valores éticos universales en el que estamos inmersos conciente o inconcientemente.

¿Qué espero yo del público?

¿Qué espera el público de mí?

Una reflexión sobre lo que espera de un show el espectador y la razón por la cual el intérprete se expone.

¿Por qué invita el uno? ¿Por qué acepta la invitación el otro?  ¿Por qué se muestra el uno? ¿Por qué viene el otro?  ¿Qué esperan ambos que suceda? ¿Hasta qué punto este encuentro puede repercutir positivamente en el avance, en el devenir sostenible de la humanidad.

El contexto, el sujeto y lo demás…”

Creado e interpreta_IGP0826do por Gregorye Auger. Música: Vivaldi

“El cuerpo humano no es más que apariencia y esconde nuestra realidad. La realidad del alma” Víctor Hugo

 

¿Dónde está el alma?. ¿El alma está en el cerebro?. Pensamiento consciente
y decisiones inconscientes. Construir la realidad. Cosas que nunca deberíamos aprender. Lavar el cerebro. Educación emocional. Placeres y desgracias de la imaginación. Inteligencia creativa. ¿Qué nos hace felices?.

El contexto, el sujeto y lo demás…

Compartir, convivir, tolerar, apreciar, amar, escuchar, dar, recibir, pensar.

El Nisis Dominus de Vivaldi es para la obra como la piel para nuestro cuerpo. Expresión vigorosa de la voz, su sentido dramático, descriptivo, homogeneidad y colores calientes que nos inspira…

La voz captura el espíritu de beatitud, expresa un lirismo delicioso y emociones complejas.

La cercanía del espectador y su relación con la obra deja surgir una fuerza, una energía, una luz que mueve hasta el último rincón de nuestro cuerpo.

Es una reflexión sobre nosotros, una reflexión sobre nuestro propósito, sobre nuestro amor, sobre nuestras cicatrices, sobre nuestro pasado, presente y futuro…

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“EL DESIERTO DE LO REAL” (2006)

Esta acción artística hace vulnerable la posición simbólica del intérprete y del espectador. Este desequilibrio de uno y otro (interprete-espectador) se convierte en un ingrediente más de esta acción, invirtiendo a veces los papeles, produciendo una catarsis que rebota de uno a otro constantemente. Esta atmósfera va a veces al encuentro de una nueva posición que es ni ver ni ser visto, pero estar.

La obra transcurre en un espacio limitado que permite la proximidad entre el público y los intérpretes, lo que explica la necesidad de las limitaciones del aforo: 14 espectadores.

La trayectoria artística de Martín Padrón le lleva a cuestionarse sobre la expresión de las emociones en el hombre, lo simbólico de las posturas y lo que sugieren, su connotación.

Sin anatomía, las emociones no existirían. Los sentimientos son el pegamento que mantiene unida nuestra estructura, la historia emocional de la persona, las huellas dejadas por el amor, las ilusiones, las agresiones, los ataques, los desafíos y el estrés de la existencia.

Espectáculo no apto para menores.

FICHA ARTÍSTICA:

Título: El desierto de lo real. Director: Martín Padrón. Música: Thom Willems. Coreografía: Martín Padrón con la colaboración de Gregory Auger. Reparto: Gregory Auger, Martín Padrón. Diseño de iluminación: Mónica Sánchez de Francisco. Dramaturgo: Jaime Conde-Salazar. Escenografía: Martín Padrón . Diseño de vestuario: Martín Padrón. Gestión: Caridad Padrón


 BEST BEFORE (2004)

Esta acción artística tiene como objetivo la creación de conciencia sobre hechos básicos de nuestra existencia.

Este gesto artístico es una acción sobre el mundo y sobre la realidad en la que evolucionamos todos a la que llamamos humanidad.

Sin título.pngDRTextos escritos, textos hablados, cuerpos en movimiento, imágenes de video, diseño sonoro, vestuario, escenografía, …, son, entre otros, los ingredientes de esta puesta en escena.

Conceptos e ideas se cruzan y se mezclan creando una obra de arte en movimiento.

Martín Padrón.

Best Before7 Paco MedinaFICHA ARTÍSTICA:

AUTOR: Martín Padrón. DIRECCIÓN : Martín Padrón. INTERPRETES: Martín Padrón, Gregorie Auger (Ballet Jazz Art Paris), Beth Brtholomew(Washington Ballet), Fidel Orrillo (Ballet Nacional de Perú) y Nicolaas Marckmann (Compañía de Danza de Nacho Duato). ESCENOGRAFIA: Martín Padrón y Gregorye Auger. COREOGRAFIA: Martín Padrón y Gregorye Auger en colaboración con los bailarines Beth Bartholomew y Fidel Orrillo. MUSICA: Nori ESCULTOR: Manuel Padrón. CREACIÓN DE VIDEO: Mónica Sánchez , Martín Padrón Y Juan Manuel Arteaga (Escuela Insular de Medios Audiovisuales de La Gomera). ILUMINACIÓN: Martín Padrón y Mónica Sánchez. VESTUARIO: Marta de la Rosa y Martín Padrón. TÉCNICOS: Mónica Sánchez y Manuel Padrón. CREACIÓN TEXTOS: Martín Padrón y Gregory Auger

 

AXÓN  (2002)

Textos escritos, textos hablados, cuerpos en movimiento, imagen de vídeo, diseño sonoro…

Son, entre otros, los ingredientes de esta puesta en escena. Conceptos e ideas se cruzan y se mezclan creando una obra de arte en movimiento.

Sin título.png FEsta obra es una propuesta de fragmentos coreográficos de textos adicionados, sin una lógica cronológica ni narrativa. Solos, pasos a dos, pasos a tres… se mezclan sin búsqueda de una conclusión dramática.

Un collage en movimiento que crea la simultaneidad de varios elementos escénicos, que gozan de una autonomía que les permite existir independientemente.

La danza aparece como un arte plástico que se desplaza en el tiempo. Un arte de desplazamientos de energías en el presente y lo efímero.

Martín Padrón

FICHA ARTÍSTICA:

Dirección: Martín Padrón. Coreografía.: Martín Padrón con la colaboración de Gregory Auger. Intérpretes: Amancio Gonzalez, Beth Bartholomew (Washington Ballet),Claudia Faci (San Francisco Ballet), Fidel Orrillo  (Ballet Nacional de Perú), Gregory Auger (Ballet Jazz Art Paris), Inma Rubio (Scapino Ballet Rótterdam). Música: Nori. Escenografía: Martín Padrón. Creación y Vídeo: Gianni Tutti, Juan Manuel Arteaga, Escuela de Medios de Sebastián,Martín Padrón. Textos: Margarita Trujillo. Lenguaje de Signos: Ana Alonso. Vestuarios: Marta De La Rosa, Martín Padrón. Iluminación y Sonido: Francisco A. Fernández.

 

SI NO SI (2001)

La función de la educación infantil y sus repercusiones sociales forman la base de esta acción artística contestataria .

La escenografía crea un espacio en constante cambio. Acciones simultáneas ofrecen al espectador la oportunidad de tener acceso a una obra diferente según su emplazamiento y su atención .

Por su situación cambiante en este espacio en continua transformación , la acción lleva al espectador a una atención multidireccional .

Danza , Música , Teatro , Vestuario y Escenografía , son de carácter experimental y de vanguardia .

Para anunciar y denunciar nuestra ignorancia en materia de educación infantil , me he apoyado en un hecho real : la historia de Edmund Kemper , criminal a los 14 años de edad .

  Lo que yo deseo profundamente es asistir a la muerte y saborear mi triunfo sobre la muerte de los otros . Es como una droga que me empuja a querer cada vez más .Quiero triunfar sobre mis víctimas . Vencer la muerte . Ellas están muertas y yo estoy vivo . Es una victoria personal . “      Edmund Kemper

FICHA ARTÍSTICA:

Dirección: Martín Padrón. Coreografía.: Martín Padrón con la colaboración de Gregory Auger. Intérpretes: Martín Padrón, Roger Nilson, Wilfride Piollet, Gregorye Auger,Henar Fuente Taja, Claudia Faci, Anique Harms, Bruno de Saint Chaffray, Francisco Martínez. Música: Nori. Escenografía: Manuel Padrón. Creación y Vídeo: Miriam Durango. Textos: Margarita Trujillo. Regidor: Manuel Padrón. Vestuarios: Marta De La Rosa, Martín Padrón. Iluminación y Sonido: Francisco A. Fernández.